Marigold

Es ist wirklich schwer, sich dafür etwas einfallen zu lassen. Es ist die abgenutzteste B-Movie-Weste, von der ab und zu ein Hauch von Spannung und ein bisschen von einem anständigen Thema durchschimmert. In der Tat gibt es nur wenige Stellen, an denen Jean Claudes schauspielerisches Talent in so geheimnisvollen Grimassen durchscheint, dass selbst Mona Lisa gegen ihn wie eine lesbare Bankangestellte wirkt. Was die visuellen Effekte angeht, so ist es bedauerlich, dass es mehr davon hätte geben können, denn sie sind so charmant unbeholfen und amateurhaft, dass sie garantierte Unterhaltung bieten. Dasselbe gilt für das Design der Fahrzeuge, gegen die der stromlinienförmige Škoda Rapid vulgo Der Autovampir wie ein Tie Fighter gegen den Dreifachdecker des Roten Barons wirkt. Es ist ein bisschen schade, dass der Drehbuchautor sich nicht mehr auf die Dialoge gestützt hat, es hätte eine Menge Spaß machen können und nicht nur ein paar schöne Geisterperlen in visueller Schlacke verstreut. Auf diese Weise ist Timecop nur ein passabler Zeitreise-Langweiler.

Traditionelles amerikanisches Pathos im Anfangsstadium, das in seiner zeitbedingten Starrheit, Überspanntheit und Naivität unbewusst an die aufrichtige Unterhaltung und Faszination der Stummfilme jener Zeit erinnert. Im Gegensatz zum ideologisch und visuell brillanten und anspruchsvollen deutschen Film verblüfft The Iron Horse eher durch einige technische Neuerungen und auch dadurch, dass er die spätere Form des Westerns im Grunde vordefiniert. Diesen Film kann man nur mit einem leichten Schmunzeln auf den Lippen betrachten, denn die oberflächliche Mischung aus Melodrama und Feier der Arbeit der Eisenbahner klingt absolut zeitgemäß. Dennoch (oder vielleicht gerade deshalb) ein wunderbares Beispiel für stummes Handwerk und ein im wahrsten Sinne des Wortes kanonischer Film.

Zusammen mit Kubricks Odyssee im Weltraum der visuell vollendetste und ästhetisch anspruchsvollste Film, den ich kenne. Fritz Lang ist es gelungen, seinem monströsen Werk ein so perfektes Äußeres zu geben, dass das Ergebnis trotz der Alterung der Technik nichts von seiner Anziehungskraft und Suggestivität verloren hat; im Gegenteil, die seltsame alte Patina hat die funktionalistische Präzision und den gotischen Schwung der Formen nur noch verstärkt. Die Darstellung des Inhalts ist zugegebenermaßen etwas in die Jahre gekommen, aber die Aussage "der Vermittler zwischen dem Gehirn und den Händen muss das Herz sein" ist daher äußerst dringend und aktuell. Die exquisiten Bilder verstärken die Plastizität des Schauplatzes - auf der einen Seite die fast rituelle Umgebung des industriell geprägten Stadtzentrums, auf der anderen Seite der moderne und luxuriöse Glimmer. Das Drama des Zusammenstoßes zwischen dem Proletariat (dem unterirdischen Kern der Stadt) und der Bourgeoisie (der oberirdischen Elite, angeführt von dem skrupellosen Joe Fredersen) wird auf eine für den zeitgenössischen Betrachter ungesund große Fläche verteilt, doch die anhaltende Erfindungsgabe und visuelle Präzision, die in ihrer Komposition und ihren verstörenden Formen deutlich auf den Hochexpressionismus verweist, appelliert an das Vergnügen des Zuschauers und reizt jene Zellen, die nur echter Filmgenuss stimulieren kann. Metropolis ist formal ein absolut perfekter Film, dem zeitgenössische Schnellfilme, die trotz Hightech keinen Hauch von Kunst in sich tragen, nur neidisch auf die Fersen schauen können. Es ist auch ein Film, der eine klare und überzeugende Botschaft hat. Die beiden Komponenten ergeben ein zeitloses Juwel, das ich nach jeder Sichtung bevorzuge und für das ich einen immer tieferen Respekt empfinde.

Ich kann mich des Eindrucks nicht erwehren, dass Arnie seine 3-4 Standardgrimassen mit mehr Intensität als je zuvor abwechselnd zieht, was nicht gerade zur Leistung eines Schauspielers beiträgt. Der stämmige Muskelprotz läuft mit der Eleganz eines rasierten Turners durch die Bondow’sche Ausstellung und man denkt, dass ihm die Haut und das Verprügeln von Bösewichten besser stehen. James Cameron hat ziemlich gute Arbeit geleistet, aber ich verstehe wirklich nicht, warum ein Film mit einer so dünnen Handlung 144 Minuten lang ist, wenn der Inhalt in 90 und der Witz in 20 Minuten passen könnte. Einige der Actionsequenzen (vor allem die mit Harrier) sind großartig, Jamie Lee Curtis' verführerisches Tanzen ist wirklich sexy und bestimmte Gags sind perfekt (z. B. der mit der Taschenlampe in der Kamera wirkt auch heute noch ziemlich aktuell). Leider habe ich mich die meiste Zeit des Films gelangweilt und versuchte, in der Mischung aus Familienkomödie und Spionage-Action etwas wirklich Sinnvolles zu finden. Es ist sicherlich keine Geschichte, die in der Versenkung verschwindet, es ist sicherlich nicht Arnies spastische Etüde oder Jamie Lees aufgeblähter Körper und Miss Carreres Killerkörper... Er wurde nicht einmal von Cameron Regie geführt... was um alles in der Welt ist das also?

Ein wirklich exzellenter Thriller, der mich angenehm überrascht hat, indem er die Action vernachlässigt und auf eine perfekte Regie setzt, die bis auf wenige Ausnahmen auf Brutalität und wilde Schießereien verzichtet und nur mit Andeutungen und "eigenständigem" Reiben der Erzählstränge an einem scheinbar zusammenhanglosen Strom von Schnitten und Raum-Zeit-Sprüngen arbeitet. Der Expositionsteil ist vielleicht etwas zu "verstreut" und es dauert lange, bis sich der Zuschauer in dem Gewirr von Rückblenden und Details zurechtfindet, aber die perfekt ausbalancierte Geschichte der beiden Doppelagenten (jeder auf einer anderen Seite der Barrikade) nimmt wunderbar Fahrt auf. Das zentrale Duo lässt sich wohl am besten durch das Umfeld beschreiben, in dem sie leben - Inspektor Lau in einem gut eingerichteten Haus mit einer hübschen Freundin, Yan der Reiher ewig auf der Flucht, der er nur auf Hausdächern und im Stuhl seines Psychologen entkommt. Die perfekte Atmosphäre wird durch eine sehr spezielle und moderne Kameraführung, hervorragende schauspielerische Leistungen und musikalische Untermalung geschaffen. Infernal Affairs - Die achte Hölle ist kein geradliniger Thriller, er spielt mit subtilen Andeutungen, zielt nicht auf ein lineares Ende, sondern hinterfragt Gut und Böse und schafft es sogar, mit einer guten Wendung zu überraschen. Obwohl es kein Gedankenkoloss oder ein Labyrinth ist, funktioniert es wie ein Uhrwerk und schafft es, mit seinem seltsamen bürgerlichen Ton zu fesseln.

Einerseits finde ich es schade, dass das Drehbuch von Die Charleston - Die letzte Rettung nur als Fernsehfilm entstand, andererseits bin ich froh darüber. Paradoxerweise könnte es sich Mulcahy leisten, einen lyrischen Katastrophenfilm zu drehen, in dem der Zuschauer vergeblich auf eine wilde Wendung des traditionellen Schemas "Es gibt Hoffnung auf Rettung, und ein paar Mutige setzen sie in die Tat um" wartet. Viel mehr als um eine actiongeladene Rettung der Welt geht es hier um die Beziehungen der Charaktere, eine anständig ausgeführte Liebeslinie, Moralisieren und eine wirklich epochale Friedensbewegung, die erträglich ist, weil sie sich nicht auf die Grenzen der Supermächte verlässt. Die Charleston - Die letzte Rettung ist schon deshalb beeindruckend, weil er es sich nicht leisten kann, massenhafte Zerstörungsszenen in der Art von Hollywood-Katastrophen-Spektakeln zu servieren. Russell Mulcahys Highlander ist überraschend stark in seinen Anspielungen auf das Ende der menschlichen Gesellschaft (eine tote Familie liegt friedlich auf einem Bett, Plünderungen in Melbourne). Von einem Regisseur seines Kalibers würde ich fast eine oberflächliche Effekthascherei erwarten, aber Die Charleston - Die letzte Rettung bemüht sich ehrlich um Arbeit mit den Figuren und macht das Beste aus jeder spektakulären Szene. Leider sind die Grenzen aller Komponenten (Bild, Schauspiel, Regie usw.) manchmal allzu offensichtlich, und der Film neigt dazu, ein wenig überdreht und krampfhaft emotional zu sein. Ein Hauch von Dilettantismus und TV-Mittelmaß kommt häufig vor und trübt eine ansonsten ausgezeichnete Geschichte mehr als gut ist. Aber selbst dann ist Die Charleston - Die letzte Rettung eine hundertmal überzeugendere Aussage über die Apokalypse als 99 % der großen Produktionen, die zu einer einzigen zusammengefasst werden. Wenn Sie einen spektakulären Streifen erwarten, in dem der Held die Welt rettet, eine Frau umarmt, ein Kind küsst und seine Nase an einer Fahne schnäuzt, sollten Sie den Film nicht anschauen. Wenn Sie hingegen eine inhärent konservative und lyrische Geschichte über ein paar Figuren erwarten, die dem Ende der Welt entgegensehen, sollten Sie Die Charleston - Die letzte Rettung ausprobieren. Ich bin überzeugt, dass den Machern ihr Vorhaben gelungen ist, wenn auch mit einigen Vorbehalten.

Ein nahezu perfekter Thriller, der die Leichtigkeit und Komplexität des unabhängigen amerikanischen Kinos mit der makellosen visuellen Pracht von Hollywoodfilmen verbindet. Michael Mann hat einen absolut perfekten Erzählton gefunden, der eng mit dem großartigen Soundtrack verbunden ist - hier analysiert er das Innenleben der Figuren, hier entwickelt er die Actionsequenzen dynamisch. Im einen Moment ein Clip, im nächsten eine sehr sensible und eigenartige Studie über zwei völlig unterschiedliche Charaktere. Es ist das Duo Cruise-Foxx, das dieses Spektakel tadellos vorantreibt: der zynische und machiavellistische Killer gegen den idealistischen und mittelmäßigen Träumer. Die Chemie zwischen den beiden hält den Film auch dann noch zusammen, wenn der Funke der Geschichte vorübergehend zu erlöschen scheint, denn ihre Beziehung bewegt sich gekonnt auf dem schmalen Grat zwischen Komödie und persönlichem Drama. Nach einem mehr oder weniger ruhigen (vielleicht etwas zu ruhigen) Anfang und einem brillant spannungsgeladenen Mittelteil kommt es zu einer schillernden abschließenden Steigerung, die nur durch eine zu offensichtlich signalisierte Wendung gestört wird. Leider ist das schon in den ersten Minuten zu spüren, aber das tut der Katharsis von Collateral keinen Abbruch. Eine brillante Kameraführung und brillant geschriebene Dialoge und fiktive Charaktere halten dieses Spektakel in einem unglaublichen Gleichgewicht, in dem subtiles psychologisches Spiel und Adrenalin präzise aufeinander abgestimmt sind. Michael Mann ist ein Husarenstück gelungen, ein fesselnder Thriller mit einem unwiderstehlichen Zynismus, großartigen Charakteren, einer Überschneidung mit der entmenschlichten Realität von heute und der unverwechselbaren Atmosphäre einer schlafenden und unbeteiligten Megametropole zu drehen. Chapeau.

Ich mag Dave Fincher wegen seines Talents, eine großartige Atmosphäre zu schaffen und jedem Film einen eigenen Stil zu geben. Dennoch hat er ein gewisses Problem mit The Game, denn diese geskriptete Mystifikation fühlt sich für mich wie ein Wegwerffilm an. Es ist nicht so, dass ich das ganze Spiel mit dem Zuschauer nicht genossen hätte, es ist nicht so, dass Fincher dem Film nicht seinen typischen Regiestil aufgedrückt hätte. Es fehlt einfach dieses vage, funkelnde Etwas, das zum Beispiel Sieben hat. Andererseits handelt es sich um einen sauberen und sehr geradlinigen Thriller, so dass es unfair wäre, ihm einen Mangel an Tiefgang vorzuwerfen. Das Filmmaterial ist gut genug, um zu unterhalten.

Das vielleicht zu durchsichtige Storygerüst ist in diesem Fall gar nicht so schädlich, auch nicht, dass die fadenscheinige Pointe durch die erheblichen logischen Defizite des Drehbuchs erfolglos kaschiert wird. Aber seien wir ehrlich, dies ist buchstäblich fröhliche Kleptomanie und ein Lob der Zweckmäßigkeit - die Filmemacher brauchen "etwas", um Dutzende von geklauten, aber üppig funktionierenden Szenen und ein paar sehr lustige und sehr schwarze Gags darauf zu packen. Beide wechseln sich zunächst mit einer beruhigenden Häufigkeit ab, und Dead End verirrt sich keineswegs in Sackgassen. Ein tolles Zusammenspiel der Charaktere, sarkastischer Wortwitz, Situationskomik und natürlich die bereits erwähnten Horrorklischees. Die Atmosphäre ist abschreckend und bizarr lächerlich. Man muss sowohl die Arbeit der Schauspieler als auch die geschickte Hand des Drehbuchautors loben, der das Ganze zwar einfach, aber dennoch sehr geschickt verknotet hat. Es ist schade, dass es am Ende aus dem Ruder läuft und zu selbstverliebt wird. Es ist auch schade, dass die beiden Regisseure dem Film nicht mehr als einen Hauch von solidem B-Handwerk verpasst haben. Der chaotische Geist des Drehbuchs schreit geradezu nach mehr Erfindungsreichtum, aber selbst wenn er keinen bekommt, ist Dead End ein sehr unterhaltsamer Film. Im Killer-Genre eindeutig einer von den besseren Streifen...

Er hat einen Präsidenten gespielt, den nächsten wird er beschimpfen. So einer ist unser Harrison. Er sieht aus wie ein Pfadfinder, seine Familie ist friedlich, er ist ein Star bei der Arbeit (er besucht sogar seinen todkranken Chef), er ist ein blitzsauberer Patriot, und wenn böse Menschen Amerikas Auslandsinteressen in Kolumbien untergraben und das Leben amerikanischer Bürger bedrohen (bewaffnet mit Maschinengewehren und Granaten, sic!), dann zögert unser Harrison nicht, eine Waffe zu nehmen und im Alleingang zu handeln. Nun, Das Kartell ist ein typisches Clancy-Flickwerk, voller Anleitungen zu echtem Patriotismus und Pathos par excellence. Gleichzeitig ist er voller interessanter Realitäten und schießt sich selbst ins Bein, denn nicht jeder, der unter der amerikanischen Flagge salutiert, ist unbedingt ein guter Kerl. Wenn man den patriotischen Stumpfsinn und das propagandistische Melodrama weglässt, ist es ein ganz normaler Thriller, in dem Ford desinteressiert und Dafoe charismatisch spielt. Der Regisseur Noyce überzeugt kaum, die Actionsequenzen sind sinnlos, die Dialoge seicht und das Gesamtkonzept stammt einfach nur aus der Konserve. Trotzdem, oder vielleicht gerade deshalb hast du Spaß, nur ein bisschen Perspektive und der Pfadfinder Ford ist ein guter Clown...