Marigold

Ein Märchen, das ich als Kind kaum zu schätzen wusste, aber sobald die Zeit der Steinschleudern und Indianer vorbei war, entpuppte es sich als eine äußerst poetische und aktuelle Sache, die man sich jederzeit wieder ansehen möchte. Werichs märchenhaft-modernistisches Thema wurde von Zdeněk Svěrák brillant mit Schlagworten eröffnet und vom zentralen phänomenalen Schauspielertrio mit Hilfe einer Fülle von großartigen Nebenrollen umgesetzt. Nimmt man den unvergesslichen Titelsong und die liebevolle Verspieltheit hinzu, die vom Buch übrig geblieben ist, dann sind Die Prinzessin mit der langen Nase definitiv ein goldener Fundus des tschechischen Kinos. Und auch die Slowaken sind nicht zu vergessen... mit einem Kamel!

Tod Brownings Version von Dracula verzichtet auf zwei wesentliche Dinge, die für Friedrich Wilhelm Murnaus vorherige Version charakteristisch waren: die expressionistische Beherrschung der Form und die Vision von Dracula als unmenschliches Monster. Die erste Abweichung ist eindeutig zum Nachteil, der Film ist visuell wenig überzeugend und eine gewisse Künstlichkeit, im Gegensatz zu den expressionistischen Kulissen, untergräbt den Genius loci des Films. Mehr als zwei Drittel des Films spielen sich in der langweiligen Stube Englands ab, das Drehbuch reduziert die rumänische Exposition und das Finale in Whitby Abbey drastisch. Der Mittelteil verheddert sich in Wiederholungen ähnlicher Dialoge und Szenen, und ich kann nicht umhin, es etwas langweilig zu finden, wenn Dracula nicht auf dem Bildschirm ist. Browning wirkt wie ein schwerfälliger Filmemacher, der Schnitt ist sehr gestelzt, und im Gegensatz zu James Whale (der im selben Jahr Frankenstein drehte) hat er keine solche Begabung für Bildkomposition. Die zweite Umleitung bringt jedoch fast alles in Ordnung. Bela Lugosi verlieh Dracula die aristokratische Dimension, die ihm der stumme Max Schreck verwehrte, und verstärkte den dämonischen und charismatischen Charakter des transsylvanischen Grafen. Sein "Ich bin... Dracula" ist ein einzigartiges Zeugnis dafür, wie tief Lugosi in die Figur eintauchte und wie genüsslich er jedes Wort mit ihr auskostete. Die Details in seinem Gesicht mit den ausdrucksstark betonten Augen sehen selbst in Zeiten von Spritzern und Schleim nicht lächerlich aus. Ihm ist es zu verdanken, dass diese Version von Dracula Kult wurde, obwohl Coppolas Version filmisch viel besser gelungen ist.

Auch mehr als sieben Jahrzehnte haben das einzigartige Zeugnis des alten Hollywood nicht schmälern können, in dem Mysterien, Fantasie, zerbrechliche Schönheiten, unerschrockene Helden und furchterregende Monster die Oberhand hatten. Vor allem die Bilder sind schockierend zeitlos, und eine gewisse Naivität ist bereits ein fester Bestandteil der Poetik des Films geworden. Aber es sind nicht nur die Effekte, die King Kong lebendig werden lassen - es sind auch die hervorragenden Szenen auf dem Schiff, die auf meisterhafte Weise die Vorfreude auf die Ereignisse am helllichten Tag schüren (insbesondere Ann Darrows Kameraproben). Kong selbst macht im Vergleich zu den Vorgängerversionen einen wesentlich brutaleren und animalischeren Eindruck, und das Fräulein in Not zeigt nicht die geringste Anteilnahme an seinem Schicksal. Ihr ständiges hysterisches Schreien, begleitet vom Gebrüll des Monsters, ist unerträglich affektiert, aber es gehört einfach zu dieser Version. Die Sympathie für den Riesenaffen ist in erster Linie ein Nebenprodukt davon, dass sich die Zuschauer in den pelzigen Riesen verlieben und ihm mehr Menschlichkeit zugestehen als seinen Schöpfern. Das ist King Kong, eine Kostprobe solider Filmkunst der alten Schule. Ein stimmungsvoller Film und eine Augenweide, die sich an der Schwarz-Weiß-Ästhetik der 30er Jahre erfreut.

Es gibt eine Stelle im King Kong von 1933... Ann steht vor der Kamera und Carl Denham sagt ihr, was sie tun soll. Die Szene gipfelt in dem berühmten "Schrei Ann, schrei um dein Leben" und der Zeile "Was ist das, was sie wirklich sehen wird". Jacksons Neuverfilmung kam nicht annähernd an die Kraft und die Atmosphäre dieser Szene heran, aber man kann es ihm nicht verdenken. Statt eines furchterregenden Monsters, das den Zuschauern die Haare zu Berge stehen lässt, ist sein Kong ein vermenschlichtes und verspieltes Ungetüm, das Bienenstöcke in einem ganz anderen Bereich angreift. Es ist ein Monster, das so erschaffen wurde, wie jedes Kind es sehen wollte, ein Monsterbeschützer. Und damit verändern sich auch die archetypischen Formen der Hauptdarsteller - Ann ist nicht die zerbrechliche und wehrlose Schönheit, die den halben Film lang hysterisch schreit, Carl ist nicht der begeisterte Abenteurer mit der Kamera... Naomi Watts ist emanzipierter, mutiger, aktiver... und großartig. Jack Black ist egozentrisch, selbstsüchtig, korrupt... und brillant. Er ist es, der den mächtigen Kong vernichten wird, sein Gewinnstreben, sein Bestreben, ein Geheimnis für den Preis einer Eintrittskarte zu verkaufen. Ein großes und meiner Meinung nach gelungenes Update von King Kong. Ironischerweise schmälert die Tatsache, dass sich das Monster von gruselig zu sympathisch wandelt, nicht seine Kraft. Was die Stärke des Films schmälert, ist ein großer Mangel an Selbstkritik und die Bereitschaft, unnötige Polysilben und überflüssige Szenen wegzulassen, die das Tempo und die Emotionen bremsen. Die visuelle Völlerei und die Wiederholung einiger Szenen zahlt sich am Ende, das etwas verloren wirkt, nicht aus. Das ist schade, denn alles, was Jackson und Co. hätten tun müssen, war, sich ein wenig Zeit für ihre Liebe zur Geschichte zu nehmen und ihr eine straffere Form zu geben. Ebenso hätte der Regisseur unnötige und überstrapazierte Klischees vermeiden können, die nichts mit der Poetik des Originalfilms von 1933 zu tun haben. Weniger davon zu haben und gemäßigter zu sein, wäre völlig in Ordnung gewesen. Dennoch ist King Kong ein königliches Spektakel und ein Film mit dem Zauber "verlorener Welten", dem Pathos von Helden, Schönheiten und Monstern. Aber es fehlt ihm die Kohärenz und die innere Energie von Der Herr der Ringe, es fehlt ihm an wirklich starken Emotionen... Es hat nicht viel gefehlt und alles war in Ordnung, aber in seiner jetzigen Form hat King Kong lediglich meine Erwartungen erfüllt, und das ist bei Jackson relativ wenig.

Dieser bemerkenswerte Versuch, Thriller und psychologischen Film zu verbinden, scheitert ebenso wie das Selbstvertrauen von Sean Penn als Regisseur. Es wechseln sich brillante Momente (die erstaunliche Szene, in der Jack die Eltern der ermordeten Frau informiert und der Zuschauer nur den hysterischen Chor der überall herumkrabbelnden Truthähne hört) mit rein mittelmäßigen und uninteressanten Momenten ab. Mit ein wenig Relativismus könnte man argumentieren, dass der Film zwar als psychologische Studie funktioniert (eine Untersuchung der Persönlichkeit des zurückgezogenen und kauzigen pensionierten Detektivs Jack), nicht aber als Krimi (die Suche nach dem mysteriösen Mörder kleiner Mädchen) und umgekehrt. Glücklicherweise sind beide Komponenten durch das Motiv von Jacks Besessenheit stark miteinander verbunden, die einerseits der detektivischen Ebene entspringt (ein Versprechen an die Mutter der ermordeten Frau) und andererseits aus Jacks problematischer Persönlichkeit (Unfähigkeit, sich einzugestehen, dass sein altes Leben vorbei ist) resultiert. Das Schwanken des Detektivs zwischen seinem alten und seinem neuen Leben führt zu einem etwas undurchsichtigen Balanceakt zwischen Liebe und kaltblütiger Ausbeutung. In manchen Momenten hat der Film eine unglaublich intensive Atmosphäre, manchmal verzettelt er sich in subjektiver Kameraführung und langatmigen Details. Nicholsons Leistung ist überzeugend, und er erweist sich einmal mehr als ein Schauspieler der Details. Benicio Del Toro als zurückgebliebener Indianer ist ein Genuss. Auch der Soundtrack von Hans Zimmer ist ein Genuss (wie oft noch?)... Es hätte ein wenig mehr Selbstkritik und vor allem eine bessere Balance zwischen Thriller und psychologischem Porträt gebraucht. Der vierte Stern allein für den hervorragenden Schluss, der aus dem Klischee "die Jugend muss die Unfehlbarkeit der alten Schule anerkennen" ausbricht.

Menzels Film endet, durchaus symbolisch, mit einer langen Einstellung seines Abstiegs in die Dunkelheit unter der Erde - denn das war viele Jahre lang sein Schicksal. Als einer der letzten Schwalben des freien Kinos der 1960er Jahre wirkt er heute roh und unbearbeitet - die schwankende Bildqualität, die abrupten Schnitte, die Flecken im Bild erinnern an das erzwungene Vergessen, das Lerchen am Faden widerfuhr. Aber auch die vom Drehbuchautorenduo Menzel-Hrabal gewählte kreative Methode ist roh. Ein raues Gedicht in Filmprosa, bei dem der lyrische Teil durch die düsteren Kamerafahrten auf das Panorama des stählernen Königreichs der schönen Poldi und der epische Teil durch fragmentierte und stark stilisierte Dialoge bestimmt wird. Lerchen am Faden ist eine eigentümliche erzählerische Angelegenheit, die wenig über ihre Darsteller aussagt. Die Hauptsprache sind das hervorragende Schauspiel aller Beteiligten und dann die Absurdität, die Hrabal und Menzel, als ob sie absichtlich unkommentiert blieben, subtil in ein provokatives Mosaik einfügen. Es klagt nicht an und pathetisiert nicht, sondern dokumentiert im Stile der New Wave und entlarvt durch die Offenlegung der realen Gestalt der Dinge, ihres Wesens, die erschreckende Absurdität der 1950er Jahre in ihrer ganzen Nacktheit. Hier finden sich Parallelen zu Hrabals Lyrik ("Krásná Poldi“) und Prosa ("Verkaufe Haus, in dem ich nicht mehr wohnen will“), aber auch zur anklagenden erzählerischen Neutralität des Romanciers Josef Jedlicka ("Kde život náš je v půli se svou poutí“). Die symbolische Welt des Schrottplatzes, in der sich die eigene Zeit spiegelt, ist eine augenfällige Metapher für die Verwandlung des Menschen in einen amorphen Schrottklotz, die exquisit gezeichneten Charaktere sind ein treffendes Abbild der Gesellschaft nach dem Klassenkampf... Rundherum eine der besten Darstellungen einer verfluchten Zeit, die einen aufmerksamen Betrachter verlangt. Vielleicht ist das der Grund, warum es nie ein allgemein anerkannter Klassiker werden wird.

Jirotkas Original gehörte lange Zeit zu meinen Favoriten, und ich muss zugeben, dass der trockene englische Humor im Buch viel besser funktioniert als in der Verfilmung. Der Film hat zwar das richtige Zeitgefühl, aber manchmal würde ich fast sagen, dass der Text von Schauspielern nicht allzu gut gesprochen werden kann, und das Ergebnis ist eine etwas überzogene und affektierte Komödie, die den unnachahmlichen trockenen Charme der Buchvorlage verliert.

Eine ausgezeichnete Adaption, welche die familiäre und kindlich lachende Stimmung des Buches bewahrt hat. Smyczek konnte nicht den Erzähler von Poláčeks Roman respektieren. Sein Werk ist also breiter; das Fabulieren geht manchmal über die Grenzen des Buches hinaus. Es hat aber seinen Humor und seinen lausbubenhaften Charme nicht verloren. In der Serie findet man keine offene Kinderwelt, sondern eine erwachsene Stadt/Gemeinschaft mit allen moralischen Problemen und Problemchen, einschließlich der damaligen Wirtschaftskrise. Ein Lob haben auch die Kinderdarsteller verdient, die zusammen mit erfahrenen Schauspieler*innen ein solides Ensemble einer verschlafenen Stadt bilden, in der kleine Lausbuben toben. Zindulka als alter Fajst ist toll, so ungefähr habe ich mir diese Figur vorgestellt. Schade, dass in der Serie František Filipovský fehlt, der die Geschichte als unvergessliches Hörbuch aufgenommen hat (man sieht ihn aber auf einem Foto in dem "Wohnzimmer" der Familie Bajza, wahrscheinlich soll es Peters Opa sein).

Vielleicht ein bisschen kindischer als Wie man den Vater in die Besserungsanstalt bekommt, aber trotzdem herrscht immer noch diese lockere Stimmung, die vor allem durch den Sprüche klopfenden Tomas Holý erzeugt wird. Der männlich synchronisierte Vlastík Harapes beeindruckt mich jedes Mal. Der Witz ist ungewollt, aber trotzdem gut. Ein Klassiker im Genre der Familienkomödie, und das zu Recht.

Ein sehr entspannender Film mit feinen Gags, einem großartigen Großvater als Fahrer (der mich immer garantiert umhaut), einer schönen pastoralen Dorfatmosphäre und der einfühlsamen Regie von Marie Poledňáková. Seltsamerweise kann ich das auch im Post-Jünglingsalter ertragen.