Marigold

Get this guy a shrink.

Seltsam, böse und bestrahlt, aka je mehr Ghul, desto mehr Spaß. Den lächerlichen Westworld habe ich für eine kollektive kognitive Dissonanz gehalten und von Fallout nicht besonders viel erwartet. Und siehe da – es tut nicht weh, es strahlt angenehm. Eine funny Mischung eines creepy Westerns, ein Futuretro-Slapstick und ein aufwendiges Science-Fiction-Werk. Die Serie hat den richtigen Ton getroffen, sie stützt sich auf die wichtigsten ästhetischen Säulen von Spielen und kreiert eine eigene Ursprungsgeschichte. Ja, die erste Hälfte ist deutlich besser und die letzten drei Episoden, die plötzlich anfangen, epische Bögen zu spannen, neigen dazu, etwas klischeehaft zu wirken. Aber nichts Fatales. Ghul und Norm sind großartige Figuren, Lucy hat Potenzial und Maximus schafft es nicht, nervig zu wirken. Ich bin sehr zufrieden und freue mich auf weitere Reisen durch das Ödland.

Violent Nightmare, der aus einem unbekannten Grund erschien. Eine Art Children of Men von Wish. Garland hängt ein wenig mechanisch ein fragwürdiges Roadmovie mit zufälligen Bildern des verdrehten Amerikas auf sein Halsband. Einige von ihnen sind beeindruckend, visuell und inszenatorisch stark (vor allem die mit Jesse Plemons). Der Film kann Angst und sogar Übelkeit wegen der brutalen Welt wecken, die mit ihrer Abwesenheit von Moral und der Vorherrschaft der Bestialität nicht weit von The Walking Dead entfernt ist. Aber – das Ganze wirkt furchtbar selbstzweckmäßig, auf alle Fragen, was damit der Film eigentlich benennen möchte, zuckt Garlands Werk mit den Schultern und setzt nur eine weitere effektvolle Komposition ein. Die Charaktere sind platt, die Ethik und Psychologie von Kriegsberichterstattern wirken wie eine sehr oberflächliche Recherche. Der Nietzsche-Blick in den Abgrund ist wenig bei einem Film, der paradoxerweise furchtbar thesenhaft und illustrativ wirkt, ohne klarzumachen, welche These er vertritt und was er eigentlich illustriert. Eine beeindruckende Übung, die unsicher zwischen einem geschickten Spektakel und einem nicht besonders geschickten Gleichnis eines geteilten Landes steht. Tatsächlich wiederholt sich mein Problem mit Garland, dem Autor effektvoller Filme, die jedoch im Kern stumpf klingen.

Wer auf ein actiongeladenes und intensives Erlebnis wartet, wird zwangsläufig enttäuscht sein, auch wenn ich mich nicht mehr erinnern kann, wann ich zuletzt einen Film gesehen habe, der eine so reine und greifbare Wut ausstrahlt. Patel hat eigentlich eine zerbrechliche Geschichte über eine brutale Rache gedreht, die auf der Basis des Mythos über den Affenkönig dem zeitgenössischen Indien und seinen sozialen Kluften und Ungerechtigkeiten droht. Es ist ein erfrischender Film, der keinen Macho-Rächer aufbaut, sondern eine Figur, die zuerst ihre männliche und weibliche Seite ausgleichen muss, um (als Affenfaust) zur Gerechtigkeit zu werden. Monkey Man mythologisiert schön, arbeitet mit der Antithese des Bildes von Indien als Land des Lichts, der Düfte und Farben, wie wir es aus dem fürchterlichen Film Slumdog Millionär kennen. Dev Patel spielt in beiden Rollen voll mit. Schauspielerisch intensiv, in der Regie einfallsreich – allein schon wie der Film den Stil originell verändert und die gleiche Geschichte zweimal erzählt, hat mich zuverlässig gefesselt. Das Motiv der Mutterschaft und die daraus resultierende Zerbrechlichkeit des modernen Hanumans haben mich auch emotional erwischt. Das Ergebnis? Ein Film, der zwar mit Action sparsam umgeht, aber keineswegs karg erscheint. Er kämpft sich genauso wie der Hauptcharakter ehrlich durch seine Momente. Der Affe hat mich umgehauen.

Die Autoren haben großes Glück, dass die Vorlage voller guter Ideen und aufschlussreicher Gedanken ist, die auch in der banalisierenden Serie gut sind. Das heißt aber nicht, dass es einen Grund zum Jubeln gibt. Die reichhaltigen und fesselnden Paradoxe/Theorien/Diskussionen, die in der chinesischen Fassung so treu bewahrt wurden, sind verschwunden. Übrig geblieben sind ein paar Illustrationen, hinzu kamen ein paar nichtssagende Phrasen, die cool klingen sollen. Die Verlegung aus China führt zu einem gewissen seltsamen Unrealismus. Während die autoritäre Führung der Gesellschaft in einem kommunistischen Regime verständlich ist, wirkt die Figur des zynischen Dandys, der wie ein alternder James Bond alles beherrscht, in einem westlichen Kontext zwangsläufig wie ein B-Movie. Und es gibt noch mehr B-Elemente. Statt einer Adaption einer Hard-Science-Fiction wirkt das Ganze wie eine zweitklassige Serie mit ein paar originellen Ideen, mit denen sich die Serie aber nicht einmal auseinandersetzen kann. Die Variationen der Buchcharaktere sind ebenfalls sehr problematisch – insbesondere der Nerd John Bradley alias Simon Pegg von Wish und die schrecklich übertreibende Eiza González als sensible Prophetin der angewandten Physik sind unendlich nervig. Benedict Wong als chinesischer Polizist aus Manchester kann wenigstens gut rüberkommen, obwohl auch seine Figur zweitklassig wirkt. Diese Serie hat die Probleme vieler Netflix-Projekte. Es gibt eine Menge utilitaristisches Denken, um einen möglichst großen Kreis von Abonnenten anzusprechen. Man vergisst ein wenig, dass in einer guten Adaption die Änderungen das dramatische/psychologische Gefühl des Ganzen verstärken und konzeptionell und logisch zusammenpassen sollten. In dieser Hinsicht gleicht die Serienversion eher verwirrten Notizen eines nicht besonders begabten Studenten, der zu viele Katastrophen-Blockbuster gesehen hat.

Es ist schon so etwas wie ein running joke, aber er passt. Ein weiterer Film, der so aussieht, als ob ihn ein gehackter Twitter-Account eines berühmten Filmemachers gedreht hätte. Ich erwartete eine langweilige und steife Regie und bekam wirklich eine überwältigende Portion davon. Von der ersten Szene an trifft Ethan überhaupt nichts. Es ist verzerrt, ohne Timing, ohne Pointen. Die Wort-Pingpong-Spiele der nervigen Charaktere haben keinen Rhythmus und keine Nuancen, wie wir es von den Coens gewohnt sind, unsympathische Figuren jonglieren eher mit steifen Phrasen und Dialekten. Die Markenzeichen gibt es hier (Zufälle, Statuen, halluzinogene Intermezzi), aber sie sind so liederlich und außerdem in einer einfältigen Handlung, dass dieses Screwball wie eine lesbische Version von Dumm und Dümmer ohne Humor wirkt. Das Ganze wirkt außerdem veraltet. Eine Queer-Komödie, in der die Heldinnen eher male Teenagern gleichen mit ihrer Vorliebe für Vulven und Penetration, Thelma und Louise kastrieren das Patriarchat mit tragischer Unbeholfenheit und Direktheit. Ich habe das Gefühl, dass meine Lieblingsbrüder niemals auch nur annähernd dieses Niveau erreicht haben und ich hoffe fest, dass sie es auch nie tun werden. Lieber noch 5 Shakespeares von Joel, pls!

Smartass n**** Vince und sein hood reflektiert aus einem traditionell intelligenten Blickwinkel. Einer der bescheidensten und klügsten Rapper auf der Szene ist leider nicht so begabt als Komiker wie als Musiker und dieses sozialkritische Plaudern überfordert ihn ein wenig mit zu vielen Ambitionen. Wenn er in der zweiten Hälfte leicht surreal wird, ist es gut, unberechenbar und unterhaltsam... aber er ist nicht der nächste Jordan Peele.

Dieser Film versucht wirklich verzweifelt den Eindruck zu erwecken, dass die Griffe, die er anwendet, und die Schläge, die er austeilt, echt sind. Mit diesem Meta-Illusion-Trick der Schläge, die der Film dem Publikum versetzt, spielt er erfindungsreich dank des Motivs des Wrestlings als schmerzhaftes Theater, das nur einen Schein erweckt. Trotzdem kann es die Zuschauer sowie die Akteure völlig fesseln und verletzen. Damit diese Illusion perfekt ist, müsste Durkin ein geschickter Drehbuchautor und ein geschickter Regisseur sein. Und das ist er nicht. Die familiären Beziehungen entgleiten ihm, die einzelnen Handlungsstränge sind unvollendet, die Figuren verschwinden zufällig und große Worte oder wortwörtliche symbolische Szenen schaffen keine Illusion von Fülle. Efron hat Muskelmasse aufgebaut, seine Schauspielerei ist aber gummiartig und flach. Mit seinem Kopf eines verfluchten Kerls, der stärker ist, als er denkt, kann er den Film nicht retten. Die Ansammlung von Tragödien aufgrund unbefriedigender Ellipsen kann am Ende eher Zynismus als Mitgefühl hervorrufen. Diese verschwitzte Konstruktion über eine fragile Maskulinität stellt sich schließlich selbst mit dem lächerlichen Ende in Frage.

Ja, es ist künstlerisch langsam, bedächtig, meditativ, in einem Atemzug aber auch platt, voller therapeutischer und visueller Klischees, mit einem hypnagogischen Vortrag von Paul Dano und der grenzwertigen schauspielerischen Leistung von Adam Sandler, dem ich diesen Kummer und die Augenringe nicht eine Sekunde lang glauben kann. Ähnlich wie die Regie von Johan Renck, der dieses Mal mehr wie Stakka Bo wirkt, der sich als Kunstfilmer ausgibt. Es soll eine nachdenkliche Meditation über Nähe und Distanz, über das Verlassen, ein moderner Odysseus im Weltraum sein. Aber es ist vielmehr die längste und ärgerlichste Werbung für einen fiktiven tschechischen Telekommunikationsbetreiber, auf den Sie sich verlassen können. Meine Irritation über diesen Film wuchs mit jeder weiteren Szene, in der ich das Potenzial für eine nachdenkliche psychologische Science-Fiction spürte. Und was habe ich bekommen? Rusalka auf einem Baumstamm, ein fliegendes Schwein und ein Husák-Sample. Im All hört jeder Ihre Banalitäten, Herr Procházka.

Eine toxische Romanze zwischen der dörflichen Lady Macbeth und dem unterwürfigen Typen von nebenan, die den sozialen Realismus verkörpert, den ich hier vermisse. Die beiden Figuren, auf die sich der Film stützt, sind trotz des Attributs der Ungeheuerlichkeit erstaunlich vielschichtig. Wenn man eine zynische Distanz einnimmt, ist dies eigentlich in erster Linie die Geschichte einer turbulenten Ehe zwischen einer dominanten Frau und einem Mann, der sie hingebungsvoll liebt, aber damit nicht umgehen kann. Ja, wir befinden uns ethisch auf dem schmalen Grat der Romantisierung inakzeptabler Charaktere, aber diese Empathie hat nichts Billiges an sich, denn sie entspringt einer guten Charakterstudie und einer sorgfältig geführten Regie. Außerdem funktioniert der dramaturgische Wechsel zur prozessualen Beschreibungen der Morde im letzten Drittel hervorragend als Kontrast zur „romantischen Linie“. Die Leistung von Lucie Žáčková gehört zum Besten, was man seit der Wende gesehen hat, und die funktionierende Chemie mit dem seltsam weichen Jan Hájek ist das A und O des ganzen Films. Dieser Film ist die tschechische Antwort auf Dahmer, für mich der souveränste tschechische Film seit langem.