Marigold

Tim Burtons Filme zu sehen bedeutet für mich, ein Haus in einer anderen Welt zu besuchen. Jedes von ihnen ist wie ein gemütliches Haus mit einem Kamin und einer Familie von archetypischen Motiven, Charakteren und Praktiken, die Burtons charakteristische Poetik "ausmachen". Karlik ist ein Werk, das völlig in die präzise Visualität und typische Plastizität der Fantasiewelt des bizarren Schokoladenzauberers Willy Wonka eingetaucht ist. Die unglaubliche Explosion von Farben und Klängen wird mit absoluter Bravour gemeistert, und abgesehen von der dynamischen Fahrt auf dem Schokoladenfluss gibt es wie immer Raum für die Darstellung der Charaktere. Zwar ist die mittlere Passage vielleicht ein wenig zu sehr auf das Bild fixiert, aber egal - das Feuerwerk an Erfindungen und die großartigen Melodien von Danny Elfmann sind so fesselnd, dass man es verzeiht. Der Höhepunkt ist zweifellos ein parodistisches Zitat von Kubricks 2001: Odyssee im Weltraum, aber auch die seltsame Spannung zwischen dem freundlichen märchenhaften Humor und dem mutmaßlichen Rand des schwarzen Humors, ohne den man sich Tim kaum mehr vorstellen kann... Aber Karlík kommt doch ungewöhnlich harmonisch daher, und alle vermeintlich scharfen Kanten werden durch ein schönes Finale überspielt. Das Highlight in Burtons Delikatessenladen ist eindeutig Johnny Depp, dessen Wonka irgendwo zwischen der Zerbrechlichkeit von Ichabod Crane (Sleepy Hollow) und der Exzentrik von Captain Jack Sparrow balanciert. Sein Duett mit Freddie Highmore kommt wie in Wenn Träume fliegen lernen sehr gut zur Geltung, obwohl der Raum viel kleiner ist. Der Zwerg und die Schokoladenfabrik mag inhaltlich nicht so aufregend sein, aber seine Optik, sein Humor, sein Charme und seine Ausstrahlung machen ihn zu einem weiteren Juwel aus der Werkstatt des kauzigen Tim.

Das einzig Negative an Der Untergang ist sein formaler Aspekt. Es ist kein entscheidendes und fatales Negativum, wie manche "Ich muss immer etwas anderes schreiben als andere"-Rezensenten in ihren Analysen zu beweisen versuchen (nicht wahr, Herr Šafránek...). Der Regisseur und die Autoren haben sich für eine "dokumentarische Distanz" zur Handlung und einen sehr expressiven Umgang mit der Atmosphäre als Haupterzählperspektive entschieden. So wirken die Dialoge nüchtern und ungestylt, während die erdrückende Atmosphäre des Bunkers durch die Soundeffekte (Stille vs. Rumpeln), die Kameraführung (die sehr an den Figuren klebt und einen klaustrophobischen und hoffnungslosen Eindruck vermittelt) und den Schnitt (der die Illusion von Innenräumen mit dem Naturalismus von Außenräumen verbindet) reichlich und eindrucksvoll illustriert wird. Während die ausdrucksstarke Komponente des Films gut funktioniert, neigt der Dokumentarfilm dazu, in exzessive, halbsinnige, mehrdeutige und langweilig verzweigte Dialoge abzugleiten, die dem Film durch ihre Wiederholungen den Schwung nehmen. Nicht tödlich, klar. Die Einführung eines "zweiten" Erzählers in Form von Traudl Jung, die eine zivile Sicht auf die Ikonen des Dritten Reiches vermittelt - jene zivile Sicht, die in ihrer Naivität und Blindheit vielleicht das tragischste Merkmal des Films ist. Und Jungs dokumentarisch anmutender Nachsatz beendet es in seiner ganzen Nacktheit: "... ich hätte mich mehr dafür interessieren sollen..." Ein erschreckender Abschluss einer der Linien. Aber Der Untergang hat mehr Linien, und man muss zugeben, dass es Regisseur Oliver Hirschbiegel gelungen ist, sie alle souverän und überzeugend darzustellen. Das Ergebnis ist ein Film, der vor Atmosphäre strotzt, der mit Fragen quält (die der Zuschauer selbst beantworten muss) und der deprimierend ist, weil er nichts mit pathetischen Lockmitteln heroischen Pathos’ verbirgt. Das deutsche Kino hat das Staatsexamen der Nachkriegsmündigkeit erfolgreich bestanden...

In der ersten Hälfte ist die Atmosphäre des Films wirklich eindringlich und emotional verheerend - Mothman greift an mit kurzen Schnitten, verstörend unfertigen Aufnahmen, die anderswo zu Ende gespielt worden wären, und nervigen Soundtracks. Die Vagheit und Mehrdeutigkeit, mit der sich die Geschichte abspielt, trägt dazu bei, dass man sich in die vielversprechend verworrene Handlung einfühlen kann, und führt die Erwartungen leider ad absurdum. Nach der Spannung kommt jedoch die Enttäuschung - ausnahmsweise nicht, weil der Ursprung des Rätsels etwas Peinliches ist (Mothman wird mich noch lange in meinen Träumen verfolgen), sondern einfach, weil das Rätsel in traditioneller Hollywood-Manier verwendet wird. Vom Ton her erinnerte mich Mothman Prophecies irgendwie an eine Thrillerversion von Ghost - Nachricht von Sam, und das ist, seien wir ehrlich, ein ziemlich furchtbarer Eindruck. Mark Pellington kann seine Besessenheit von Requisiten während des gesamten Films nicht kontrollieren, und die zweite Hälfte ist überdreht, überkomponiert und tragisch unterentwickelt. Was anfangs als beunruhigende Andeutung diente, fungiert am Ende nur noch als überflüssiges Requisit, dessen Einsatz durch die Andersartigkeit der Phantomwelt "erklärt" wird. Ein echtes Alibi. Auch die Darbietungen sind eher schwach und verkommen mit der Zeit zu überzogenen Tiraden ohne Überzeugungskraft. Schade, hätten Pellington und Co. die große Spannung des Anfangs beibehalten und sich nicht dazu verleiten lassen, eine ohnehin schon starke Geschichte noch weiter auszubauen, wäre dies ein Thriller von höchster Qualität geworden. Doch selbst in dieser Form übertreffen die Spannung und die Intensität der Angst bei weitem die schrecklichsten Aufnahmen von The Sixth Sense.

Ein absolut erschöpfender Blick in die ekelhafte Küche von John Carpenter und anderen Machern des Kult-Horrorfilms The Thing. Die Betonung jedes möglichen Details und der Informationswert sind fast verheerend, aber der Film, der in seiner Zeit zu Unrecht mit Füßen getreten wurde, hat genau diese Art von Sorgfalt verdient. Man kann ihn den Fans nur empfehlen.

Wie sollte man es am besten ausdrücken... Mir gefällt das Thema Vampirismus sehr gut und ich habe nichts gegen die popkulturelle Mutation von “Vampire: The Masquerade". Ich störe mich mehr an den "Bouillons aus Bouillons", die Hollywoods Chefköche aus dem Hut zaubern, und Underworld ist genau so ein Fall. Die Atmosphäre einiger Aufnahmen hat mir sehr gut gefallen, ich mochte auch den Vampir-Guru Viktor und sein Gegengewicht, den Lykaner "Pepa Vojtek" Lucius. Ansonsten sind die Charaktere motivationsschwach und - schlimmer noch - tragisch gespielt (besonders Kate, die Barbie, ist tragisch). Der größte Verlierer ist natürlich Regisseur Len Wiseman... er hätte den Film albern, aber ansprechend gestalten können, aber in seiner jetzigen Form ist er einfach nur albern. Die völlig offensichtliche und ungeschickte Kopie des visuellen Stils der Wachowski-Brüder könnte ich verzeihen, aber die völlig chaotischen und choreographierten Actionszenen, die am Ende in einem verwirrenden Schwarm von Onkeln in schwarzen Hubertusmänteln gipfeln, sind nur schwer zu verzeihen... Zu raten, wer in der Schnittkanonade wer ist, ist sinnlos und charakterisiert irgendwie den ganzen Film. Underworld fehlt es an starken Konflikten und Dramatik, einer klar umrissenen Handlung und einer meisterhaften Choreografie. Stellenweise fehlt es zwar nicht an anständiger Action, aber die bereits erwähnte Chaotik und die in einem lächerlich zeremoniellen Geist geführten Dialoge lassen ihn in einen schwachen Durchschnitt stolpern.

Bemerkenswert im Detail, aber im Ganzen furchtbar unausgewogen. Bilals Film hat mich in einigen Teilen der visuellen Gestaltung überzeugt, vor allem die visuelle Stilisierung der Umgebung der depressiven Cyberpunk-Agglomeration ist erstklassig, aber die Animation der Menschen ist mangelhaft und vor allem die subtileren Emotionen vermag sie überhaupt nicht auszudrücken. Die Live-Darsteller sind zum Glück ein anderes Gebräu, sowohl der krawallige Nikopol, gespielt von dem traditionell großartigen Thomas Kretschmann, als auch Linda Hardys zart geheimnisvolle Jill. Das Drehbuch ist sehr unausgewogen und basiert auf einem scheinbar viel komplexeren Comic, der jedoch für den Uneingeweihten nur zu einem verwirrenden Durcheinander von Namen und Schicksalen wird, die ins Leere führen. So braucht der Film zu lange, um eine Art Rahmenhandlung zu etablieren, und seine Optik kann eine gewisse Entwurzelung der Dialoge und Schicksale inmitten einer unwirtlichen fiktionalen Welt nicht kompensieren. Es ist nicht zu leugnen, dass für Menschen, die mit Comics vertraut sind, alles anders aussieht... Da ich jedoch nicht zu ihnen gehöre, muss ich Immortal - Die Rückkehr der Götter zwangsläufig als einen konfusen und manchmal langweiligen Versuch der neuen Generation beurteilen, dem es erst am Ende gelingt, eine lesbare Atmosphäre und eine gewisse emotionale Aufladung zu erzeugen. Enki Bilal hat einen großen Bissen genommen, ihn mit Symbolen und Bildern vollgestopft und sich damit der Aufmerksamkeit der Uneingeweihten entzogen. Aber darüber hinaus ist es ihm als Filmemacher nicht gelungen, sein Werk zu einem kohärenten Ganzen zusammenzufügen, ein Fehler, der schwerlich der Vorlage angelastet werden kann...

Es ist entsprechend oberflächlich, selbstsüchtig und kalt, aber überraschenderweise hat es mir ganz gut gefallen. Das Drehbuch traf die tschechische Umgangssprache und die Neologismen anständig, Janák schaffte es, den Film im Rahmen des Möglichen modern zusammenzukleben, die Hauptdarsteller spielten recht entspannt und meisterten das Duell mit den Matadoren der Leinwand mit Bravour. Der Soundtrack von Chyška ist ebenfalls von hoher Qualität, und natürlich wird der männliche Teil einige schlüpfrig anmutende Szenen zu schätzen wissen, in denen man die feine Ästhetik der Körper von Barbora Seidlová und Martina Klírová bewundern kann... Kommt Ihnen das pubertär vor? Okay, deshalb also die drei Sterne.

Er ist nur zur Hälfte eine Komödie, vor allem die zweite Hälfte ist ein ziemlich treffendes und bitteres Drama, das überraschenderweise sogar im Vergleich zu den fröhlicheren Aspekten des Films standhält. Zu loben sind die gelungene Atmosphäre, der gelungene Sprachstil (auf den die meisten heutigen Filme nur neidisch sein können) und die hervorragenden Leistungen der Teenager. Ich habe das Gefühl, je älter ich werde, desto weniger lache ich über diesen Film, und das ist kein Vorwurf.

Ein sehr guter Dokumentarfilm über einen Mann, der wie kaum ein anderer unsere Zeit mit seinem Humor geprägt hat - es ist unglaublich, was Svěrák alles mitgemacht hat und wie viel von dem, was wir sagen, aus seinem Kopf kommt. Jan Svěrák, der Sohn, ist unterhaltsam und scheut sich nicht, die angespannte Atmosphäre zwischen ihm und seinem Vater (aber auch ein wenig zwischen Svěrák und Smoljak) hervorzuheben. Er ergänzte alles gut mit Musik aus den Filmen seines "Papas" und erfrischte mit Trailern. Das Ganze ist so menschlich, lustig und amüsant... und traurig, wie es im menschlichen Leben eben so ist.

Das Filmdebüt des Duos Svěrák-Smoljak zeichnet sich durch eine erstklassige verrückte Komödie aus, aber auch durch den spastischen Versuch, um jeden Preis einen Witz zu machen. Joachim, Put It in the Machine versucht, mit Gags gesättigt zu sein, aber in der Flut von unfertigen Versuchen und Eile geht man ein wenig verloren. Nichtsdestotrotz sind Donald, Chocholoušek und STS Chvojkovice Brod heute ein untrennbarer Teil des tschechischen Kulturkanons, und obwohl Joachim, Put It in the Machine nicht die Qualität vieler späterer Kostproben des zimrmanologischen Duos erreicht, kann man ihn immer noch mit einem Lächeln und ohne Unbehagen betrachten. Und die visionäre Karikatur einer Autowerkstatt, in der die Mitarbeiter von Industriekameras überwacht und von einem fürsorglichen Psychologen betreut werden... ja, das passt heute.