Marigold

Hätte ich den Film zum ersten Mal in meiner Teenagerzeit gesehen, als ich solche Beute in Vielfraß-Manier verschlang, wären es wohl klare fünf Sterne gewesen. Leider bin ich erst letzte Woche zu Zemeckis' legendärem Science-Fiction-Film gelangt, was meine Begeisterung schmälert. Die Geschichte ist sehr lustig, einige der Gags und Situationen sind sehr gut, aber ich bin etwas gelangweilt von dem "Teenage Spirit" und der unverkennbaren Ästhetik der 80-er Jahre, die ich wirklich nicht mag. Die beiden Hauptfiguren sind wirklich gut, und das Spiel mit dem Einfluss vergangener Handlungen auf zukünftige Dinge macht Spaß. Ein sehr guter Hybrid mit einer guten Idee und einem guten Drehbuch. Aber alternd... da kann man nichts machen.

Brillanter Eskapismus an der Grenze zur Peinlichkeit. Eine der besten Darstellungen von menschlicher Dummheit und Erbärmlichkeit. Eine Ode an den Fußball und anderes Hinterwäldlertum. Eine absolut angemessene Leistung von Čtvrtníček, dessen Überzeugungskraft sogar Horník selbst übertrifft. Ein etwas schwächerer Lábus, aber das macht nichts, Ivánek ist immer noch die treibende Kraft. Fragen Sie Starka. Er heißt jetzt Mokrý.

Ich finde das überhaupt nicht dumm oder dysfunktional. Die Details passen zusammen, die Teilszenen sind sehr gut gedreht, die Atmosphäre der verregneten Stadt und der grünliche Filter der Kamera evozieren perfekt den deprimierenden Genius loci. Ich war fasziniert von der überzeugenden Jennifer Connelly und der winzigen Ariel Gade. Der Brasilianer Salles hat sich auf eine Mischung a la Shyamalan aus Thriller, Horror und Sozialdrama eingelassen; leider hätte mir Dark Water - Dunkle Wasser als psychologischer Film viel besser gefallen als dieser seltsame Monsterfilm. Die importierte Geistergeschichte mit dem toten Mädchen aus der Nachbarschaft ist durchschaubar bis zum Horror und verwässert völlig unnötig das Potenzial des Films zu etwas Mittelmäßigem, das man schon hundertmal gesehen hat. Der Versuch, das karnevaleske Flair der Seifenblasen in eine tiefere Botschaft der Mutterliebe zu übersetzen, ist unbeholfen, und das Ende des Films hallt in falschen Tönen nach. Das ist schade, denn ich mag die Atmosphäre von Dark Water - Dunkle Wasser sehr, der Streifen hebt sich in der Konkurrenz ähnlicher Filme definitiv vom Durchschnitt ab.

Michael hat sich in seinem Debüt definitiv selbst erschossen und seinen einzigartigen sarkastischen Stil verfeinert. Wenn es so etwas wie einen fiktiven Dokumentarfilm gibt, dann treibt Moore eine Art dokumentarisches Spiel. Die Keime seiner unwiderstehlichen Demagogie zeigen sich in der Auswahl der Typen von Interviewpartnern... vor allem die bürgerliche Elite bildet ein unglaubliches Muster menschlicher Dummheit und Heuchelei, an dem sich der Filmemacher buchstäblich weidet und das er fördert. Er versteht es wunderbar, mit den Sympathien des Zuschauers zu spielen, aber in Roger & Me gibt es nur wenige Stellen, an denen all der äußere Zynismus reibungslos und ohne Verkrampfung durchkommt und voll zum Tragen kommt. Am besten gelingt es Moore, das Paradoxon in seiner Schlussfolgerung zu benennen. Doch das düstere Porträt von Michaels "Heimatstadt", die von der eisernen Logik des Kapitalismus zermalmt wird, lässt einen nicht los, und daran ändern auch die gelegentlichen Ausuferungen und die mühsame Eroberung von Leichtigkeit im Erzählfluss nichts. Hier zeigt sich Moores Unerfahrenheit, die aber nicht zu einer Verlegenheit, sondern zu Aufrichtigkeit führt... Eine Ehrlichkeit, die ich bei, sagen wir, Fahrenheit 9/11 vermisse... Roger & Me ist ein ziemlich krasser Dokumentarfilm, aber gerade weil der Filmemacher seine Stadt und seine Leute verteidigt, klingt diese freche Anklage gegen das Kapital sehr bitter und eindringlich. Es besteht also keine Notwendigkeit für aufdringliche pathetische Gesten, die mich persönlich sehr am späteren Moore stören. Wenn jemand seinen Arbeitsplatz verliert, ist das eine Tragödie. Wenn 30.000 Menschen ihren Arbeitsplatz verlieren, ist das Statistik. Ideologien ändern sich, Paradoxien bleiben?

Es ist nicht gemeistert, es ergibt weder als psychologisch-mystisches Abenteuer noch als Action-Thriller einen Sinn. Vielleicht ist die "mystische" Hälfte dank Jodie Foster noch sehenswert, aber bei der großen Wendung dreht der Drehbuchautor durch und der ganze Film geht mit der Geschichte den Bach runter. Dass der ganze Hollywood-Bullshit am Ende im Chor getrommelt wird, tut nicht einmal mehr weh, denn Flightplan - Ohne jede Spur hat meine Sympathie sowieso mitten in den Tälern, und so blieb mir nichts anderes übrig, als die Zuckungen aller Beteiligten zu genießen. Das ändert nichts an der Tatsache, dass Robert Schwentke es schafft, die Regie zumindest auf einem leicht überdurchschnittlichen Niveau zu halten.

Der Film ist selbstverliebt bis zum Horror, aber dank der Leistung von Billy Bob Thornton hat er bei meiner Wenigkeit einfach total funktioniert. Sei es die Szene mit der Ankunft des betrunkenen Weihnachtsmanns auf der Rolltreppe und dem anschließenden brutalen Massaker am Weihnachtsrentier, seien es die eher lyrischen Stellen am Ende... es hat mir einfach Spaß gemacht, der Hauptfigur aus der Hand zu fressen. Wenn Terry Zwigoff Regie geführt hätte, wäre ich nicht so gierig gewesen. Ich hatte das Gefühl, dass viele Gags verschwendet wurden, dass die Versuche, starke Charaktere zu schaffen (ganz im Stil der Coen-Brüder, die den Film produziert haben), mit drei Punkten statt mit einem Ausrufezeichen endeten und dass der Film auf die Figur des Weihnachtsmannes und das Kind mit dem Trottelgesicht reduziert wurde. Aber sie werden nur die Ladung der Geschenke transportieren. Und das, obwohl die Versuche des verbalen Humors manchmal zu vulgär sind, obwohl es nicht viele originelle Gags gibt. Aber die Atmosphäre und die Idee sind einfach da, und ich habe mich von der anal-alkoholischen "Poetik" eines Films über die Wiedergutmachung eines verlorenen Schicksals unterhalten gefühlt. Vielleicht ist es eine Schande, dass Ethan und Joel es nicht anders als finanziell in die Hand genommen haben.

Wo bleibt bei John Woo die Qualität des Drehbuchs? Es stimmt, dass beim Anhören der Dialoge die Gefahr besteht, dass subtilere Charaktere, die für die ästhetische Schönheit der Sprache anfällig sind, vom Schreibfieber befallen werden, aber was sollen wir sagen, es geht darum, immer mehr phänomenale Actionszenen von "eins/zwei gegen dreißig oder mehr" zu verbinden. Abgesehen von den Dialogen stimmt alles andere zu 100 %, und auch die Charaktere sind ziemlich gut. The Killer hat eine typische Atmosphäre des heroischen Blutvergießens, eine süße, melancholische, versüßt durch einen "Casio-Soundtrack", der von der Dringlichkeit eines Ennio Morricone inspiriert zu sein scheint. Natürlich wird es so kommen, wie es kommen muss, also schändlich aus der Sicht des Trottels und vollkommen angemessen aus der Sicht des zufriedenen Zuschauers. Die schwermütige Musik passt zum Turbo-Tempo der Erzählung und zum naiven Ausleben der Gefühle. The Killer geht perfekt, alles ist gut proportioniert, Naivität und süße Wehmut. Die choreografierten Schießereien zeigen in 111 Minuten alles, was Hollywoods Action-Provenienz noch ausmacht, Dutzende von Bastarden sterben, Helden von beiden Seiten des Gesetzes sprechen über Freundschaft, und schließlich zeigen sie Seite an Seite, was Blutvergießen aus ihren eigenen Adern bedeutet. Mögen Sie Hongkong? Dann müssen Sie The Killer mögen.

Um es kurz und bündig zu sagen: Paul Greengrass und die einzig logische Antwort auf ein kürzlich tabuisiertes Thema - Abstand halten, nicht urteilen, nicht bewerten und möglichst gesicherte Fakten präsentieren. Wenn der Filmemacher stark in Krämpfen steckt und wenn er Waffen wie die Handkamera und ein ziviles Ensemble ohne Stars hervorragend eingesetzt hat, dann kann das Ergebnis nur äußerst eindrucksvoll, abschreckend und eindringlich sein. Das ist genau das, was Flug 93 ist. Er erspart dem Zuschauer keine Kürzungen, er zieht ihn mit allen technischen Mitteln ins Zentrum des Geschehens und präsentiert die Ereignisse mit erschreckender Authentizität und erzählerischer Distanz. Aber die Präsentation selbst ist im wahrsten Sinne des Wortes verzehrend, und die Beschäftigung mit dem Plot, das beharrliche Gefühl der Unkonstruiertheit, das Fehlen klassischer Handlungsschemata, all das schafft den Nährboden für ein starkes, sogar schockierendes Seherlebnis. Am Ende gibt es kein Moralisieren, keine unerschütterliche Gewissheit, dass das Gute vom Bösen abgegrenzt werden kann, dass die Grenze fest ist und dass eine Überschreitung bestraft wird. Am Ende stellt sich heraus, dass sowohl die Opfer als auch die Mörder noch immer nur Menschen sind. Für mich war der ergreifendste Moment des ganzen Films das Gebet kurz vor der unvermeidlichen Katastrophe. An Bord von Greengrass' Flug 93 materialisierte sich in diesem Moment die ganze Skurrilität und Absurdität der heutigen Welt. Der Wert eines solchen Films geht millionenfach über vorgefertigte Botschaften über echte Helden hinaus, denn er bietet dem Zuschauer ein intensives Erlebnis, ohne zu flüstern. Es liegt an Ihnen, wie Sie es bewerten.

Ich wage nicht zu urteilen, aber vielleicht liegen hier die Wurzeln der Poetik von Emir Kusturica oder Danis Tanovic. Wer singt denn da? hat alle Attribute einer selbstreflexiven Balkanmetapher - eine perfekte Typisierung der Figuren ohne unnötige Reduktion ihrer Individualität, einen unglaublich leichtfüßigen Wechsel von tragischen und komischen Positionen (und natürlich deren Vermischung), eine durch musikalische Zwischenspiele wunderbar rhythmisierte Filmerzählung und engen Kontakt des Erzählers mit dem Zuschauer. Eine Parabel über das Jugoslawien vor dem Zweiten Weltkrieg, gequetscht in den minimalistischen Raum eines Busses und ein kurzes Roadmovie nach Belgrad. Eine hervorragende Auswahl der Schauspieler und ihrer Leistungen. Ein spezifischer Soundtrack, der dem Film ein unverwechselbares Gesicht gibt. Balkansarkasmus mit Übergängen zu schwarzem Zynismus und angrenzender Tragödie. Und gleichzeitig ein durchdringendes Mitgefühl für das Schicksal seines Volkes. Alles, was das Balkankino für meine Wenigkeit unwiderstehlich macht.

Es sind nicht Davy Jones und der Fliegende Holländer, die Captain Jack verflucht haben, es ist der fette Disney-Geldbeutel, aus dem Fluch der Karibik 2 voll schöpft. Das Ergebnis ist ein klassischer mittelmäßiger Film, der keinen richtigen Anfang und kein richtiges Ende hat oder einen fröhlich chaotischen Eindruck vermittelt. Die Charaktere fallen irgendwie in ihre alten Gewohnheiten zurück, hüpfen hierhin und dorthin, machen zu viele Stunts, unterhalten das Publikum, fügen einen neuen Bösewicht zur Party hinzu, und wenn man das Gefühl in den Knochen hat, dass endlich etwas Denkwürdiges passieren sollte, spielt Hans Zimmer einen unvergessliche Piratentusch und segelt in den Hafen namens "Episode drei". Die heitere Überlagerung von Geschichten Fluch der Karibik 2 bleibt also halb offen, halb geschlossen. Dass sich die Figuren im Rahmen der Möglichkeiten von Autor und Regisseur weiterentwickeln und profilieren, dass alte Animositäten und Freundschaften nicht einfach wiederholt werden, dass neue Reibungen und Spannungen entstehen, ist durchaus erfreulich. Das Auge wird sich zweifellos an den tollen Effekten erfreuen und das Ohr an Zimmers Musik. Empfindlichere Gaumen werden durch die erwähnte Unbeschränktheit und das Spiel mit der Wirkung gereizt. Aber der Effekt ist die Hauptsache bei diesem Spektakel, warum also weinen? Vielleicht, weil es dem Film in manchen Momenten an Steigerung und Sprungkraft fehlt. Dass manche Dialoge sich hinziehen wie Krakenschleim. Dass Johnny Depp sein gewachsenes Repertoire an Grimassen einsetzt und sein Jack nicht mehr das erstaunliche Herzstück ist. Dass nicht alle Choreografien so dicht sind wie die auf dem Mühlrad. Wie dem auch sei, die anderen Piraten bekamen Wind von der Sache und nahmen einen Schluck des guten Rums. Vielleicht sind sie ein wenig ernster geworden, und sie haben definitiv etwas von der Unverfrorenheit der Nummer eins verloren. Und ganz sicher leiden sie unter dem Syndrom des mittleren Teils der Trilogie. [7/10]