Marigold

Ein typisches Beispiel für das agitatorische Genre, das die gesamte Kultur des tschechoslowakischen sozialistischen Realismus durchdrang. Sequens übernimmt die charakterlichen und erzählerischen Konstanten des Dorfdramas - der Konflikt zwischen der alten Welt (der Welt der Grundherren und ihrer Vasallen) und der neuen Welt (der Welt der Traktorenstation) wird auf die Ebene der typisierten Helden übertragen. Vlasta, ein enthusiastisches Dorfmädchen, hat eine ideologische Initiation auf einem Bau der Jugend erlebt und bringt die Botschaft der neuen Ordnung in den Raum des Dorfes, das sich weigert, das Relikt der alten Zeiten - die Grenzen - aufzugeben. Ich war etwas enttäuscht von der Darstellung der negativen Charaktere, die in Der Weg zum Glück, anders als in literarischen Werken, keinen Saft hat und nur bei dem galligen Landbesitzer Fulín bleibt. Dieser Mangel wird jedoch durch das Kollektiv der Traktorenstation mit all seiner sublimierten Erotik, seinem mechanisierten Ausdruck und seiner präskriptiven Begeisterung ausgeglichen. Das Schlüsselmotiv von Der Weg zum Glück ist der Traktor als Gegensatz zum Pferd (der alten Welt). Der Zetor-Friedenspanzer ist ein wahrer Bote der neuen Ordnung, ein initiierendes Werkzeug und ein allgegenwärtiger Begleiter des Menschen. Sein Volk ist nach den ästhetischen und ideologischen Normen der Zeit ein Musterbeispiel für die "neue Menschheit". Die besten Beispiele für die inkorporierte Ideologie sind die Szenen mit Massengesang und vor allem Lomoz' vielzitierte "Tschastuschka", deren Ton fast sakral ist. Das Pathos des Films ist manchmal lächerlich (all die niedlichen Doppeldeutigkeiten über die Erfüllung der Norm aus heutiger Sicht), manchmal beängstigend (der Moment, in dem Vlastas Vater zu den Klängen des Traktor-Kult-Chores erscheint, ist fast pathologisch). Auch die komische Kreation von Rudolf Deyl jr., dessen Lagerverwalter Karásek den für den tschechischen sozialistischen Realismus so typischen komischen Archetypus (den verspielten Gutmenschen) verkörpert, ist als typische Requisite zu betrachten. Formal gesehen ist Der Weg zum Glück ein schrecklicher, dilettantischer, schlecht konstruierter, unharmonischer Film, der in der zerstreuten Naivität von Jiřina Švorcová und ihren Kameraden spielt. Aus heutiger Sicht ist der Inhalt jedoch so ideologisch aufgeladen, dass der Betrachter sich fast mystisch fühlt, als würde er dem Initiationsritual einer bizarren Sekte beiwohnen. Als jemand, der mit dem zeitgenössischen Neusprech und der emblematischen Sprache der Kunst vertraut ist, hat mich der Sinn für das Offensichtliche und das Verschlüsselte sehr amüsiert. Beeindruckend, nicht bewertbar.

Es schien ein sehr interessantes Projekt aus einem ungewöhnlichen Milieu zu sein, die ersten beiden Folgen haben aber meine Erwartungen perfekt erfüllt. Eine typische tschechische Serien-Pfuscherei mit einem Drehbuch, das verschiedene "aktuelle heikle Themen" kombiniert. Ihre Konzentration ist unerträglich, völlig unlogisch und ungewollt lustig. Die Plastilin-Figuren krümmen sich seltsam, die Schauspieler*innen sind schlecht. Die Kirsche auf der Torte sind die fürchterlichen "In-Game-Aufnahmen", die von einem Amateurkommentar begleitet werden. Bočan bestätigt nur, dass seine Form aus den letzten Jahren mit Ach und Krach für eine Reserve reicht. Wenn man sich das Gesamtniveau des tschechischen Serien-Teams anschaut, wäre es vielleicht ein zweiter Angriff. Das ist aber kein Kompliment.

Wenn ich nicht wüsste, dass Andrew Adamson beide Shreks hinter sich hat, würde ich ihn für einen Serien-Disney-Routinier halten, der Filme über Tiere, sprechende Autos und träumende Kinder auf einem Laufband produziert. Seine Regie ist die größte Routine, im ersten Teil der Chronik sogar eine Routine, die eiskalt ist, distanziert, hinter den Kulissen, ohne einen Hauch von Mystik, Geheimnis, Atmosphäre. Narnia ist einfach ein schneebedeckter Raum hinter einem magischen Schrank, ein Raum, in dem Feenwesen ohne jede Ordnung leben, ein Raum, der ohne jede Motivation oder innere Logik gesteuert wird. Nichts davon passte in den Film. Eigentlich... wäre es in Ordnung, wenn aus dem Film völlig klar hervorgehen würde, dass es sich um ein Märchenspektakel handelt, aber die Versuche eines Schlachtenepos a la Der Herr der Ringe (und die ständigen wörtlichen Zitate aus einigen der Aufnahmen) lassen mich zu dem Schluss kommen, dass Die Chroniken von Narnia: Der König von Narnia eine Art Schweinehund ist. Als Märchen fehlt ihm an Charme und Reiz, als Fantasy-Epos ist es furchtbar naiv, elementar und einfache Mythologie. Verglichen mit Jacksons Mittelerde ist die Interpretation von Fantasyland durch C. S. Lewis zahm, flach und zweidimensional. Die Kinderdarsteller spielen unnötig übertrieben, ihre Figuren sind uninteressant und die ganze Geschichte wird paradoxerweise von den Computerwesen vorangetrieben, die von dem wirklich coolen Löwen Aslan angeführt werden. Tilda Swinton als Verkörperung des eisigen Bösen wirkt wie ein eher kindischer Klon der Vampirbrüder aus Matrix Reloaded, und auch ihren Schergen fehlt es an Saft, um einen Funken Dramatik in das triviale Schema der Geschichte zu bringen. Dank der trockenen digitalen Effekte ist der Film immer noch sehenswert, aber er ist einfach nur seltsam, und das stört mich im Fantasy-Genre sehr [50%]

Ein Film, in dem die Poetik "Des Kirschgartens" (von Anton Tschechow) auf die Poetik des sozialistischen Realismus trifft. Die Poetik der alten friedlichen bürgerlichen Welt auf die chaotische und bizarre neue Ordnung der stalinistischen Linie. Vor der friedlichen Kulisse der sowjetischen Landschaft, im chaotischen Rhythmus einer traditionellen russischen Familie, entfaltet sich eine zunächst subtile, dann aber überaus packende Geschichte von Rache und Gewissen. Die Geschichte eines Mannes im Fleischwolf der Geschichte, eines Mannes, der von der Sonne der Revolution versengt (nicht müde!) wurde. Zweifellos spiegelt die Kammergeschichte, wie auch das jugoslawische Kino, metaphorisch die Welt der stalinistischen UdSSR wider (d. h. eine Welt, die von der Ideologie geprägt und verführt wurde). Er spiegelt sie mit einer Suggestivität wieder, die fast beängstigend ist, aber durch die ersten schockierenden Aufnahmen nicht erzwungen wird. Gleichzeitig spielt Michalkow die ungewöhnlich reinen und glaubwürdigen Töne der Romanze aus, die von der unglaublich charismatischen Darstellung des Regisseurs selbst und vor allem seiner Tochter Nadeschda dominiert wird. Ihre Harmonie ist absolut, schön, unbeschreiblich. Das Drama eines Mannes, der an die Religion der neuen Ordnung glaubt, an die Utopie eines schönen Morgens, und ihr dann selbst zum Opfer fällt, ist oberflächlich gesehen etwas bürgerlich Harmonisches, darunter aber ein spannendes Drama. Auch Oleg Menschikow gibt eine fantastische Vorstellung, seine Studie eines innerlich zerrissenen Mannes hat eine lesbare Struktur und eine enorme innere Dynamik. Michalkows Gespür für die Komposition des Bildes ist absolut, für den Wechsel von friedlichen Szenen einer alten russischen Familie und den fast komisch anmutenden Einbrüchen des Sozialismus in das Leben der Menschen. Die Leitmotive Kugelblitz und Wanderer umrahmen die präzise Komposition und geben ihr einen regelmäßigen Rhythmus und einen Hauch von Absurdität. Die Konstruktion des stalinistischen Ballons symbolisiert dann die ewige Präsenz eines Anführers in den alltäglichen Freuden und Sorgen. Das namensgebende Lied, das mit seiner Melancholie Tränen in die Augen treibt, darf nicht unerwähnt bleiben. Michalkows Schilderung des stalinistischen Regimes ist daher so wirkungsvoll, so unmittelbar, dass es sich nicht um eine Anklage an sich handelt, sondern um eine parteiische Schilderung des Schicksals des Volkes. Menschen, deren Leben von dem phantomhaften Anführer eines Sechstels der Welt in Schutt und Asche gelegt wurde.

Im Vergleich zum Buch sehr unausgewogen, verworren und vereinfacht, nicht immer zum Vorteil der Sache. Ich mag die zivilen Schauspieler in den Hauptrollen, die gut gemachten Comedy-Szenen (gute Dialoge, hier und da ein Witz), die Atmosphäre des düsteren Moskau... Viel schlimmer ist es mit dem visuellen Aspekt, der ganz im Sinne von "gib dem Russen Geld, er wird dich mit Borschtsch belohnen" ist. Das schreckliche Kauderwelsch aus hypermodernen Effekten und Kameratricks, gemischt mit unsinnigen Beschleunigungen, klingt (tragi)komisch und zerstört die Atmosphäre völlig. Unbeabsichtigt sieht es ziemlich amateurhaft und wie ein B-Movie aus. Die Actionsequenzen, die das visuelle Highlight hätten sein sollen, sind daher steif, kalt, geschmack- und geruchlos. Der Geschichte fehlt jede Abstufung und Struktur, alles geschieht in einer seltsam chaotischen Hektik, die Kamera hält nicht lange genug an, um dem Zuschauer einen Überblick zu verschaffen. Dennoch sind einige Szenen schön gedreht, die Schauspieler sind zufriedenstellend (ich mochte alle Hauptdarsteller), die Musik ist passabel und der russische Wunsch, cool zu sein, hat etwas für sich. Ich schwanke zwischen zwei und drei Sternen, runde aber aus Respekt vor dem Thema auf.

Ich kann mich des Eindrucks nicht erwehren, dass sowohl Twohy als auch die Autoren (vor allem letztere) von einer Menge Geld besessen waren. Riddick – Chroniken eines Kriegers ist ein Film, der von dem Wunsch erfüllt ist, eine Star-Wars-Mythologie zu schaffen, aber alles, was übrig bleibt, ist billige Effekthascherei und eine verdammt dünne und abgenutzte Idee mit Weltzerstörern, angeführt von einem sehr schlecht gespielten "Lord Leader". David N. Twohy kann die Regieinvention von Pitch Black - Planet der Finsternis nicht durchhalten und schwelgt buchstäblich in visueller Völlerei. Der Film ist zuweilen fast epileptisch undurchsichtig und verworren. Einige der Dialoge gehen weit über die Dummheit von B-Movies hinaus, an die der erste Riddick nicht einmal annähernd heranreichte. Die Atmosphäre ist, sagen wir, kühl akademisch, die Spannung nicht sehr stark. Trotzdem kann man sich den Film ansehen. Er läuft mit Qualitätsdiesel. Der neue amerikanische Held mag nicht mehr die große moralische Strenge besitzen (das Drehbuch gab ihm nicht die Gelegenheit dazu), aber er ist immer noch knallhart und hat den typischen scharfen Humor. Am besten läuft es auf dem Planeten Crematoria, wo man sich fast fragt, warum man nicht einfach bei dieser fantasievollen Variante von Pitch Black - Planet der Finsternis geblieben ist. Nachdem man sich jedoch durch den ganzen Schwachsinn und die fehlende Originalität durchgebissen hat, ist die wichtigste "epische" Linie von Riddick - Chroniken eines Kriegers ganz anständig und leicht anzusehen. Verglichen mit dem ersten Abenteuer von Riddick ist dies jedoch nur ein "fast erfolgreicher" Versuch. Was ich ihm nicht verzeihen kann, ist, dass Riddick wahrscheinlich immer "der Mann auf dem Thron" bleiben wird. Handschellen standen ihm besser...

Eine Liebe aus meiner frühen Kindheit, bei der ich erst jetzt beginne, die anmutigen Formen der Gags und die Kurven der Übertreibung zu schätzen. Ein schauspielerischer Fehltritt der Herren Hrušínský und Kopecký. Schönes Brdeček-Bellen, das eindeutig auf das Limonaden-Phantom des tschechischen Kinos verweist. Die Parodien auf Opernpathos, ergreifende volkstümliche Archetypen (oh, diese tapferen Gebirgler!) und klischeehafte Filmabenteuer sind fantastisch. Hervorragend ist auch, dass Das Geheimnis der Burg in den Karpaten einen Hauch von Verne-Atmosphäre hat (wie gefiltert durch die kindliche Begeisterung, die wir aus Zemans Filmen kennen). Ein Beispiel für einen Film, der nicht altert, sondern mit dem Alter gewinnt. Also rauf auf die Teufelsburg, wo die schrecklichen Taten geschahen!

Ich kann mir nicht erklären, wie ich Howards stereotype Schlagkombinationen, die mit einem Aufwärtshaken zum Kinn enden, einstecken konnte, während er mich genau dann zuverlässig zu Boden schickte, wenn es nötig war. Es fällt mir schwer, ein Argument dafür zu finden, warum dieser Film bei aller Transparenz und allen Klischees so fesselnd ist. Vielleicht ist das ein Verdienst von Russell Crowe, der einmal mehr beweist, dass er weiße Hollywood-Helden am besten spielen kann. Vielleicht ist es eine dankbare Vermischung des sozialen Motivs mit dem Motiv des männlichen Symbols. Tatsache ist, dass ich James J. Braddocks Duelle völlig atemlos verfolgte und buchstäblich vor dem Bildschirm klebte. Es ist kein Biopic, sondern eine Rocky-Variante, die in der Zeit der Wirtschaftskrise der 1930er Jahre spielt, mit dem obligatorischen Stempel "basierend auf einer wahren Geschichte". Denn Heavyweight strotzt förmlich vor Freude an der Verwendung bewährter Muster, vor Freude am Erzählen von Geschichten mit den bewährtesten Mitteln. Ähnliche Gefühle hatte ich zum Beispiel bei Zwicks Last Samurai. Man weiß einfach, was in den nächsten paar Sekunden passieren wird, und man genießt, wie gut es gemacht ist. Ein maßgeschneiderter großer Film, der mich umgehauen hat...

Nun, Constantine kann vieles sein, aber kaum eine zweite Matrix. Die visuelle Stilisierung und das Thema der Verflechtung alternativer Welten scheinen jedoch eine gute Grundlage zu sein. Lawrence' Film hat jedoch nicht annähernd die Bildgewalt des Werks der Wachowski-Brüder, und selbst die Hauptidee wird auf eine allzu verrückte, intermittierende Art und Weise vermittelt, als ob sie ihre Einfachheit verschleiern wollte. Ja, das ganze religiöse Gerede ist erträglich, verträglich und manchmal sogar interessant, aber es passt einfach nicht zu der postmodernen, geradlinigen Kraft der Matrix-Metapher. Aber das ist so ziemlich das Einzige, was ich Constantine vorwerfen würde. Ansonsten ist es in jeder Hinsicht ein sehr unterhaltsamer und interessanter Film. Ich mag Reeves' zerrissenes Konzept, obwohl es schwer ist, der dunklen Seite seines engelsgleichen Gesichts zu trauen... Aber Constantine brauchte einen Star. Die handwerkliche Verpackung, einschließlich der Effekte und des Bildmaterials, ist wirklich gut und passt gut zur Geschichte. Die letzte Abstufung und die Andeutung einer Wendung überwogen schließlich meinen Eindruck völlig auf die Seite des Guten. Ein Vier-Sterne-Spektakel mit einem hoffnungsvollen Ende. Ich bin mir nur nicht sicher, ob ein zweiter Teil Constantine gut tun würde.

Ein außerordentlich poetisches und liebevolles Porträt eines schicksalhaften Sommers, einer Familie, einer Jugend und eines tragischen Abschnitts der europäischen Geschichte. Paskaljevic entwirft keine Metapher der Spiegelung des Schicksals der großen Welt in der kleinen Welt; im Gegenteil, das Schicksal der Familie des Bezirksrichters Cvetkovic wird bewusst ausgeklammert, und die Studentenunruhen von Paris, Belgrad und die politischen Unruhen des Prager Frühlings erreichen die Familie nur über das Fernsehen, die politisch aktive Tochter und den bärtigen Studentenführer Cile. Die Abfolge der amourösen Ausbrüche des Sohnes Petar ist voller amouröser Freundlichkeit, Abgeklärtheit und hervorragend gezeichneter Charaktere, angeführt von dem typisch jugoslawischen "Großvater" Mija Aleksic und dem kategorischen General der Familie Veselin Cvetkovic, hervorragend gespielt von Danilo Stojkovic. Petaros Suche nach der wahren Liebe gipfelt symbolisch am 20. August 1968 in einer Nacht mit der Tschechin Růženka. In dem Moment, in dem ein junger Mann endlich die große Liebe findet, dringt die große Welt in die kleine ein und bringt die Schicksale unbedeutender Figuren auf dem Schachbrett der europäischen Geschichte durcheinander. Nichtsdestotrotz ist Trügerischer Sommer 1968 ein Loblied auf eine harmonische und im Grunde friedliche Kleinstadtfamilie, die in ihrem eigenen Rhythmus lebt und sich vor dem Lärm der historischen Ereignisse versteckt, indem sie zum Beispiel den Vater den Fernseher wegnehmen lässt. Goran Paskaljevic verleiht seinem Film einen ruhigen Rhythmus, der eher an eine Romanze für Flügelhorn mit leisem Humor erinnert als an die wilden Ritte einer Brassband vom Balkan. Ich wiederhole mich - das jugoslawische Kino spricht meine Seele an, und Trügerischer Sommer 1968 ist da keine Ausnahme. Eine Art jugoslawische Kuschelnester.