Marigold

Der kommerzielle Erfolg von Border Village ist nicht verwunderlich, denn drei Jahre später nutzte auch Václav Řezáč die Popularität des "Grenz-Easterns" und schuf mit Nástup einen verlässlichen soz-realistischen Bestseller. Verglichen mit dem actiongeladenen und ideologisch zugespitzten Werk von Řezáč, in dem tschechische Siedler Grabenkämpfe mit den Deutschen führen, ist Border Village eine allzu ruhige und einschläfernde Angelegenheit mit einem schwachen Bösewicht. Die vorherrschende Botschaft ist die der Kollektivität (eine Art ur-sozialistische Gesellschaft), eine leichte Kritik an den Bürokraten und ein ruhiger ideologischer Aspekt, der so typisch für Kunstwerke ist, die vor/nach dem Februar 1948 entstanden sind. Der Anfang des Films ist mehr als vielversprechend, die Ankunft im verlassenen und von den Nazis symbolisierten Severovo hat eine seltsame Atmosphäre der Angst und des Unbekannten, aber diese verblasst mit der Zeit, und was bleibt, ist ein schlecht konstruierter Brei aus Versammlungen und Feldarbeit. Die schauspielerische Komponente von Krejčíks Film funktioniert zuverlässig, ganz zu schweigen davon, dass die Besetzung mit aktuellen und zukünftigen Schauspielstars gespickt ist. Erwähnenswert ist der rückständige Landstreicher Karel Effy, der durch sein hölzernes, ausdrucksstarkes Spiel besticht... Leider hat Border Village nicht die Spannung des Grenzlandes, das später in der Kunst des sozialistischen Realismus als Raum für Action und detektivische Eskapaden diente. Und Border Village ist nur ein mittelmäßig gefilmter Rustikalfilm mit einer schwachen Spur von sozialistischer Ideologie und leider auch einer schwachen Spur von Drama.

Das Ergebnis ist ein ziemlich bizarrer Versuch eines dokumentarischen Dramas. Chris Kentis versucht, die Situation zweier Menschen, die in den Fängen des offenen Meeres gefangen sind, mit den minimalistischen Mitteln einer Handkamera darzustellen, aber ich wage zu behaupten, dass der größte Teil der Dramatik der Geschichte sich aus der Situation selbst ergibt, nicht aus ihrer Darstellung. An der Behandlung selbst gibt es nicht viel auszusetzen, die beiden haben sich offensichtlich nichts zu sagen, die momentanen Streitereien, durchsetzt mit haarsträubenden Liebeserklärungen, reißen den Zuschauer kaum vom Sitz, zumal die schauspielerische Leistung wirklich durchschnittlich ist. Der absolute Sargnagel für die Atmosphäre sind die freakigen Nah- und Großaufnahmen verschiedener Vertreter der tropischen Fauna und Flora, das Nachtleben im Resort und die pingeligen Zusatzszenen vom Festland, die den Eindruck erwecken, dass sie von einem neugierigen deutschen Touristen für sein Familienarchiv gefilmt wurden (direkt neben den nackten Hintern der Strandschönheiten). Kein Wunder also, dass aus einem potenziell vielversprechenden Drama ein formloser Flickenteppich mit ein paar Haien, leerem Geschwätz zweier Schauspieler und einer unterdurchschnittlichen Leistung wird.

Dieser Film ist hervorragend. Die Tatsache, dass beide Seiten des Konflikts an der Produktion beteiligt waren, sorgte für einen packenden fiktionalen "Fast-Dokumentarfilm" mit sehr guter technischer Umsetzung. Die Kampfszenen sind hervorragend, klar, überzeugend und mit einer kühnen Kameraführung ausgestattet, die ihrer Zeit voraus war (die wackeligen In-Action-Handaufnahmen haben mich wirklich überrascht). Die Dialoge sind sachlich, ohne Pathos, und der Film endet nicht mit der beleidigenden Fanfare amerikanischer Patrioten, sondern mit einer lakonischen Rede des in den USA ausgebildeten Admirals Yamamoto. Der dokumentarische Wert wird durch den unverhohlenen Hinweis auf die Unfähigkeit des US-Militärs, flexibel auf Geheimdienstwarnungen zu reagieren, und das pure Chaos in den Reihen der Verteidiger verstärkt (der grimmige schwarze Mann hinter dem Flugabwehr-Maschinengewehr von Arizona wirkt in diesem Zusammenhang wie ein fragmentarisches Zeitdokument). Als ehemaliger begeisterter Konsument von Hubáčeks Sachbüchern muss ich Tora! Tora! Tora! als akkurate Rekonstruktion würdigen werden, die ihrer Zeit weit voraus war, weil sie kein Pathos und keine nationalistische Emblematik enthielt. Das derzeitige Hollywood-Kino scheint zum albernen Kriegspathos der 1950er Jahre zurückzukehren...

Der Film ist eine lockere Adaption von Zrotals gleichnamiger Dorfposse, die sich vielleicht nur durch die Figur des fortschrittlichen Pfarrers (über den die Kritiker den Autor ordentlich auf die Palme brachten) und durch seinen angenehm augenzwinkernden Humor, der dem vorübergehend begnadigten Burian Gelegenheit zu einigen netten Situationskomiken gab, vom damaligen Durchschnitt abhob. Dennoch ist es traurig, diese Selbstkritik Burians zu sehen, denn die meiste Zeit kocht er furchtbar mit Wasser und entwertet seine komödiantischen Fähigkeiten durch die Taubheit des Drehbuchs. Alle anderen Aspekte des Films von Lipský und Strejček entsprechen der zeitgenössischen Norm - volkstümlicher Humor, allegorische Traktoren, Agitation für den segensreichen Einfluss der LPGs. All dies ist mit folkloristischen Einsprengseln durchsetzt und wird durch den lebendigen slowakischen Dialekt bereichert. The Hen and the Sexton spielt in der Zeit des Karnevals und ist ein beredter Beweis für das Eindringen der ideologisierten neuen Mythologie einer glücklichen Zukunft mit all den Pointen, Plänen, Verpflichtungen und anderen Neusprech-Konzepten in die dörfliche Tradition, ihre Umgestaltung und Neuinterpretation. Es tut mir ein wenig leid, dass die Szene mit den Faschingsmasken, die ausschließlich aus Fabrik-Zeitarbeitern besteht, nicht mehr gezeigt wird, denn sie hatte viel Eloquenz. Aus der Sicht eines unvoreingenommenen Zuschauers hat dieses lustige Stück nichts Besonderes, nichts Blendendes, nichts, was anziehen und einen tieferen Eindruck hinterlassen könnte.

Eine hübsche und sexy Definition von Pulp-Poesie, die alles sagt, was sie zu sagen hat und auch alles, was sie sagen könnte. Jedes Plagiat ist nur eine unnötige Wiederholung des Gleichen, dies ist buchstäblich ein biblisch gefüllter Foliant. Tarantino hat definitiv eine atypische Erzählform popularisiert und all die dekadenten Embleme und Mechanismen der Popkultur ins Spiel gebracht, die bis dahin irgendwie am Rande der allgemein akzeptierten Kultur gehalten wurden. Der einzige Makel an der Schönheit der Poetik von Pulp Fiction ist, dass sie mich völlig überfordert. Aber auf jeden Fall der beste Film von Tarantino.

Für mich in der gleichen Gewichtsklasse wie der viel geschmähte Die Verurteilten. Ein Film, der brillant inszeniert ist, um die Seele zu packen, ein Film mit einer gut versteckten Manipulativität und billigen Gesten, die auf den ersten Blick völlig in einem ausgeklügelten Spiel mit den Gefühlen des Publikums verschwinden. Eine klare Erzählung, die wie gutes Eis geschleckt wird, angenehm süß ist und nach Erdbeeren duftet. Aber wie jedes Eis ist es eher ein leckeres Dessert. Es stimmt, Zemeckis und Hanks sind Meisterkonditoren, und Forrest Gump ist in jeder Hinsicht ein exquisites Dessert. Mit seiner Lesbarkeit, der gut ausgearbeiteten Illusion von Intimität und der schön abgerundeten Gedankenstruktur ist Forrest Gump einfach ein Leckerbissen für die breite Masse. Aber ich bevorzuge einfach die Hauptgerichte des Films, weshalb diese rührende Süßigkeit nur vier Sterne bekommt. Aber in einem großen Hollywood-Film ist die Geschichte eines gelähmten Jungen, der mit der Leichtigkeit und Einsicht eines brillanten Idioten durch die moderne amerikanische Geschichte spaziert, in der Tat ein seltener Anblick ist, dazu noch einer, der lange im Gedächtnis haften bleibt. Aber für mich wird es nie wieder so intensiv sein wie damals, als ich den Film als Junge zum ersten Mal sah...

Der Versuch von Frič, ideologische Agitprop zu betreiben, ist eher mittelmäßig. Marvan spielte einmal mehr seine Paraderolle eines aufgeblasenen alten Mannes, der durch das Kollektiv zum wahren Glauben findet und die freudige Realität des Sozialismus begreift. Strukturell wird der Film deutlich von Vašek Káňa und seinem Produktionsdrama Karhan's Team. Es gibt also einen ziemlich harmonischen Aufbauverlauf (Planerfüllung), der durch technische Schwierigkeiten und einige unangepasste Individuen gestört wird, ergänzt durch einige Familienszenen (die in einem ziemlich zügigen Tempo gedreht wurden) und gipfelt in einer abschließenden Katharsis, in der der Plan erfüllt wird und Šebesta sich der Masse der Helden der Arbeiterklasse anschließt - der Masse der Aktivisten. Bylo to v máji ist einfach ein typischer Vertreter der Arbeiteragitation, die in manchen Momenten in eine für uns schwer verständliche Rede von Verbesserungen abgleitet. Für einen Insider bietet er durchaus interessantes Anschauungsmaterial für die Rituale des 1. Mai, aber insgesamt ist er weder ein Film, der so ideologisch zugespitzt ist, dass er in seinem Pathos unterhaltsam wäre, noch ist er eine so hochwertige Komödie, dass er sehenswert wäre. Aus professioneller Sicht bietet das Kino des sozialistischen Realismus einige bessere und inspirierendere Stücke...

Als jemand, der das Phänomen des Superagenten im Geheimdienst Ihrer Majestät von Kindesbeinen an liebt (es begleitet mich seit 1984, als ich den ersten Moore-Film sah) und der alle Bond-Filme gesehen hat, sage ich dazu: Casino Royale ist ein Bond-Film der alten Schule, den ich seit Goldfinger vermisst habe. Daniel Craig ist Bond in bester Connery-Tradition, aber neu, ungeschminkt, fast menschlich. Er gibt der Legende Glanz und Spannung zurück. Martin Campbell hat auf brillante Weise spannende Action-Fahrten im Gewand der alten Schule mit einem ruhigen (aber an sich elektrisierenden) Pokerspiel verbunden, das den Gentleman-Stil von Guy Hamilton und Terence Young widerspiegelt. Vielleicht ist der heutige Zuschauer nicht an dieser konservativen Spionageebene interessiert, aber ich war völlig gefesselt. Kein Zweifel, die guten alten Zeiten kehren zurück und die übertriebene CGI-Action-Ära von Pierce Brosnan verabschiedet sich. Ich werde sie nicht in schlechter Erinnerung behalten, doch nur Daniel Craig ist der Bond meines Herzens, schön Hand in Hand mit Sir Connery. Bonds Menschlichkeit, sein Egoismus, seine Verletzlichkeit, seine Zerbrechlichkeit - all das vermittelt Craig mit außergewöhnlicher Glaubwürdigkeit und Selbstverständlichkeit. Hand in Hand damit gehen der fantastische Bösewicht Cifra (Auric Gildfinger, hier hast du endlich einen ebenbürtigen Partner!), das charmanteste Bond-Girl (reizende Ursula, verzeih mir, aber Eva Green schenkte Vesper eine Seele, nicht nur ihren Körper) und die stets charmante Judi Dench. Martin Campbell lieferte mehr als nur Action-Routine, er hält den Film wunderbar zusammen und die Chemie zwischen den Figuren stimmt wie bei einem Aston Martin. Obwohl Casino Royale bei weitem nicht frei von Problemen ist, nicht ohne Logikfehler, Naivität, seichtere Passagen, Unvollständigkeit und Unvollkommenheit auskommt, eben alles, was von Natur aus zu dieser Reihe gehört, ist er dennoch definitiv der beste Bond-Film seit den 1960er Jahren.

Es ist wirklich interessant zu vergleichen, wie die Leute auf ähnlich gestimmte Lustspiele der Ersten Republik reagieren. Während ähnlich inhaltslose Schwelgereien (oft viel trivialerer Natur) für unsere Leute akzeptabel erscheinen, irritiert Revolte im Dorf durch seine völlig zahnlosen ideologischen Realitäten. Doch gerade diese Zahnlosigkeit ist einer der Gründe, warum mir diese agrarische Jux und Tollerei so gut gefallen hat. Der Film von Josef Mach entspricht nicht der Ästhetik und den Normen der Zeit, er ist angemessen fröhlich, er enthält alle Stereotypen der Zeit, aber er arbeitet mit einem ungewöhnlich frischen und rustikalen Element der weiblichen Emanzipation. Aus diesem Grund schreckt er auch nicht vor der damals verurteilten Erotik zurück (der Umriss einer Brust auf dem Bildschirm ist aus damaliger Sicht sehr gewagt, ebenso wie die allgegenwärtigen, auffälligen Doppeldeutigkeiten). Der Konflikt zwischen altmodischen Männern und modernen Frauen garantiert viele nette Gags, die gewollt oder ungewollt lustig sind. František Filipovský gab eine hervorragende Karikatur eines Dorftrampels, dessen betrunkener Ruf nach einer "Schweinegans" die triviale und doch humorvolle Poetik des Films einfängt. Hinzu kommt die unglaublich naive Arbeit des Kameramanns, der in bestimmten Momenten versucht, seinen Apparat experimentell zu neigen, vielleicht in der Art des expressionistischen Kinos. An diesem Punkt ist Revolte im Dorf so lustig wie nur wenige Filme. Nicht genug damit, die Emanzipationskomponente dieses urkomischen Stücks ist mit all seinen Stereotypen tatsächlich zum Fremdschämen, die technische Ausführung ist liebenswert schlecht = ich wurde die gesamten 105 Minuten königlich unterhalten. Das passiert mir selten bei Lustspielen aus der Ersten Republik nur selten. Und die ideologische Botschaft in diesem Film wird durch das Jahr 1949 gedämpft, so dass man sich das Treffen mit den Rechen im Fenster ohne Zähneknirschen ansehen kann.

Das bravouröse Gleichnis über den Untergang der Menschheit wird durch die technischen Mittel des Erzählens gekrönt. Die Musik ist eine sehr interessante Mischung aus apokalyptischen Refrains, unangenehmen Geräuschen und Blödsinn, der genau in die fiktive Welt passt (aus dem Radio und der futuristischen Hifi-Anlage). Ich muss zugeben, dass ich "Ruby Tuesday" nie vergessen werde, nachdem ich Children of Men gesehen habe... Ein ähnlich effektives Mittel ist der Schnitt, der an manchen Stellen völlig fehlt und den Film in unglaublich langen und rohen Stücken fließen lässt. Er lässt die ausdrucksstarke Handkameraarbeit von Emmanuel Lubezki (der auch Burtons Sleepy Hollow drehte) durchscheinen. Sie verleiht sowohl den Dialogszenen als auch den Actionsequenzen, die fast ungesund unmittelbar und beeindruckend sind, einen Hauch von Authentizität. Ein großes Lob gebührt der Besetzung, angeführt von dem exzellenten Clive Owen... es besteht kein Zweifel, dass dieses schroffe, männliche Gesicht mit einem feinen inneren Schauspiel und einer natürlichen Zerbrechlichkeit ausgestattet ist, die zivilen Posen förderlich ist. Michael Caine als Jasper beweist einmal mehr das wachsende Charisma des Alters... Das unbekannte Gesicht von Clare Hope-Ashitey glänzt und kann es glatt mit einem Star wie Julianne Moore aufnehmen. Der Hauptdarsteller ist jedoch Alfonso Cuarón, der nach seiner potteresken Anabasis endlich eine Arbeit abliefert, die ihn zu den Regiestars ersten Ranges zählt. Die Art und Weise, wie er mit großen Einstellungseinheiten arbeitet, wie er mit menschlichen Gesichtern arbeitet, wie er die Intensität des Films abstuft, wie er mit minimalen Mitteln die Atmosphäre der zukünftigen Welt heraufbeschwört und wie er mit minimalen Mitteln den verfallenden Zustand unserer Welt in der zukünftigen Welt spiegelt, verdient Bewunderung und Anerkennung. Children of Men ist weder ein falscher Moralapostel noch ein aufgepeitschter Katastrophenfilm, der sich auf Schemata und aussagekräftige Symbole verlässt. Im Grunde ist es ein intimer Film, der sehr authentisch und ehrlich ist. Anhand eines kleinen Teils der Menschheit wird eine Schreckensvision vom Ende der Menschheit präsentiert, die in ihrer Auflösung fast schon symbolisch hyperbolisch ist... es besteht kein Zweifel, dass diese "Science Fiction" nichts anderes ist als eine erschreckende Übertreibung der Gegenwart. Für mich ist es definitiv bisher das Zuschauererlebnis des Jahres.