Marigold

In Die letzte Nacht des Boris Gruschenko hat Woody Allen wieder einmal seine wichtigsten Waffen eingesetzt - ein lächerlich hässliches Gesicht, Sarkasmus und eine perfekte Kenntnis der Handlung klassischer Literatur, die er in einen völlig unprätentiösen Holzhaufen verwandelt. Parodien der breiten russischen Seele, hyperphilosophierte Romane und historische Großfilme brechen gelegentlich in reine Farce aus (auch hier ist Allens Vorliebe für das Groteske nicht zu übersehen, aber man muss auch eine Parallele zur paradoxen Übertreibung der Monty-Python-Schule ziehen). Einerseits nutzt Allen die übertriebene "Russifizierung" des Schauplatzes, andererseits agiert er ganz im Gegensatz dazu als rein "Allen'sche" Hauptfigur, voller Unsicherheit, Lächerlichkeit, Selbstparodie und modernem Geist. Die letzte Nacht des Boris Gruschenko nimmt in seinem kurzen Abschnitt vielleicht viele Stereotypen von Historien- und Kriegsfilmen aufs Korn (Kubricks Barry Lyndon wurde übrigens im selben Jahr gedreht - siehe die Szene mit dem Pistolenduell :o)))))), aber ich kann nicht behaupten, dass ich mich die ganze Zeit nur amüsiert habe. Es gab viele alberne Stellen, aber letztendlich kann man nicht anders, als die Treffsicherheit zu schätzen, mit der die Kanonenkugel von Allens Humor die Geldmaschinen dieses Genres trifft und sie zum Explodieren bringt.

Obwohl es sich um einen typischen Fernsehfilm handelt (Effekte, Regie, Musik, alles ein bisschen fernsehtypisch), ist er dennoch hervorragend, vor allem dank der großartigen Leistung von Til Schweiger und einer wirklich erstklassigen Geschichte, in der das typische Boxfilmschema mit der dramatischen politischen Ebene verwoben ist und in der die kleinen Welten der Freunde von Max Schmeling und Joe Louis ständig mit ihrer unversöhnlichen Mythologisierung durch nationale Ideologien konfrontiert werden. Die turbulenten Zeiten der späten 1930er Jahre bieten einen wahrhaft fruchtbaren Boden für ein exzellentes Drama, aber der Film hätte wirklich mehr Raum für die Psychologie der beiden Rivalen gebrauchen können. Dennoch ist Joe & Max eine außerordentlich fesselnde und interessante Geschichte von zwei kleinen Teilchen im Sturm der Weltgeschichte.

Der Nachhall der sechziger Jahre ist in vollem Gange. Auch wenn die subjektivierte Erzählung nicht den gleichen Grad an Teilhabe und Meisterschaft erreicht wie in Herz' Meisterwerk Der Leichenverbrenner, erhält der Film doch genügend Suggestivität durch den hervorragenden Jiří Hrzán, der die Figur des lebenslangen Verlierers und überreifen Kindes, das sich törichten Träumen hingibt, mit voller Überzeugung darstellt. Renčs Darstellung des merkwürdigen "Erwachsenwerdens" eines Gefängniswärters mag stellenweise ungeschickt gestelzt sein, aber die Entwicklung der Hauptfigur und einige wirklich beeindruckende Kompositionen machen alles Negative wieder wett. Formal könnte man vieles bemängeln, auch die Tatsache, dass der Film nur vom Erbe der Klassiker aus einem der besten Jahrzehnte des tschechischen Kinos profitiert, aber das ändert kaum etwas daran, dass Der Wächter so etwas wie ein verstaubtes, unscheinbares Juwel ist, das definitiv zum goldenen Fundus des tschechischen Kinos gehört. Josef Vildomec erreicht zwar nicht die verstörende Exzentrik von Fuksas Roman Kopfrkingl, aber seine seltsame Instabilität und unterdrückte Brutalität, die am Ende zu einer wahrhaft tragikomischen Verzweiflung eskaliert, hat eine innere Logik und genügend Dramatik... Die tiefe Komplexität beschreibt Vildomec’ Wandel perfekt.

Trotz des Rufs, der diesem Film vorauseilt, ist er sicherlich keine epochale Katastrophe. Allerdings verdient der Drehbuchautor eine Rüge, weil er irgendwie nicht gemerkt hat, dass das Ergebnis zumindest zweifelhaft ist, wenn er den Filmanfang auf der Ebene "nach neuesten archäologischen Erkenntnissen" ansiedelt und dann die Handlung mit billigen Fantasyeigenschaften versieht. Ebenso hätte er erkennen müssen, dass es nicht ausreicht, die mythische Handlung aufzulösen, wenn sie nicht durch eine andere ersetzt wird. Das hat er nicht. King Arthur ist ein Film über nichts, er ist eine Reise von nirgendwo nach nirgendwo. Die legendäre Spannung zwischen den Figuren, die reiche Fiktion, fehlt. Alles, was bleibt, ist ein erzählerischer Ritt durch Albion und ein majestätischer Galopp vor den Schlachten. Glücklicherweise hat Regisseur Fuqua ein sehr gutes Ensemble von Schauspielern zur Verfügung, angeführt von dem wirklich großartigen Clive Owen, der sich nicht davon abhalten lässt, dass sein Arthur im Grunde ein totaler psychologischer Nonsens ist, ein Held, der so impulsiv und eklektisch ist, dass er manchmal fast lächerlich wirkt. Aber auch charismatisch dank des Vortrags. Ebenso wie die Beiträge der anderen Ritter der Tafelrunde. Der Film ist zeitweise sogar spannend, leider meist in dem Moment, in dem dem Zuschauer klar wird, dass dies ES ist, dass es nicht weitergeht, dass die Handlung ins Nirgendwo führt. Schluss. Es ist sehr schade, denn das Potenzial war dank der Charaktere vorhanden, man hätte zumindest eine Geschichte hinzufügen können. Diese kahle weite Ebene könnte nicht fesselnder sein als das schicksalhafte Fantasy-Epos Excalibur. Tut mir leid, aber die Anspielung auf die wahre Geschichte ist wirklich nicht überzeugend.

Eine hervorragende Science-Fiction-Parodie, unwiderstehlich stilvoll und abgedreht. Faszinierend ist die Art und Weise, wie Allen die Andeutungen des Orwellschen Charakters des Themas entmenschlicht und jede Chance auf eine mögliche abenteuerliche Handlung zunichte macht. Die als Slapstick konzipierten "Action"-Sequenzen sind in der Tat hervorragend, ebenso wie die allgegenwärtige spöttische Kante, mit der Allen die "Zukunft" durch das "Sein" parodiert. Es ist intelligent, es ist abgedreht und ja... manchmal ist es ein bisschen langweilig und ahnungslos... aber trotzdem! Die Anflüge des Drehbuchschreibens und des Regiewitzes sind es wirklich wert. Es ist seltsam, dass das, worüber Der Schläfer kichert (sei es in Bezug auf das Genre oder auf die Gesellschaft), auch nach dreißig Jahren noch aktuell ist. Deshalb kann man Allens Beitrag zum Science-Fiction-Genre auch heute noch sehen, ohne dass der Geschmack des Alters auf der Zunge liegt.

Die positiven Aspekte liegen auf der Hand: Es hat schöne Farben, eine tolle Kamera und eine schöne Hitmusik. Es hat auch eine "Pfahl" einer Pulp-Viertklässlerästhetik. Das mögen Haustiere doch, oder? Und es ist eine ansprechende postmoderne "Scheiße". Ein schöner Videoclip. Großes Handwerk, davon versteht Quentin etwas. Genauso wie von glorreicher Langeweile und dem besten verfilmten Vakuum, das ich mir vorstellen kann. Pulp Fiction mag ein Stück Scheiße gewesen sein, aber zumindest hatte es einen gewissen Inhalt. Kill Bill kann nichts anderes, als Clip-Sequenzen einzubauen und seinen absoluten Mangel an erzählerischem Schwung mit untertitelten Kapiteln, hübschen Manga-Sequenzen und stilvollen (und völlig eigennützigen) mehrstimmigen Erzählungen zu überdecken. Lieber Quentin, ich dachte, ich mag dich nicht, aber Kill Bill bringt eine ganz neue Intensität in unsere Beziehung. Und Uma ist ein schöner Besen... Es ist gut, dass wir beide etwas zu besprechen haben, Herr Regisseur. Ha!

Und es ist überhaupt nicht dumm... vielleicht phantasmagorisch, übertrieben, naiv, aber dennoch unterhaltsam und frei von den abstoßenden nationalistischen Konnotationen einiger seiner Genrekollegen. Ein Physiker kollabiert wohl beim Anschauen des weit hergeholten Plots, die Logik schlummert, aber die Spannung ist da, die Schauspielerei ist "gut", die Tricks sind furchtbar künstlich, aber es passt zur Papageien-Ästhetik von The Core - Der innere Kern. Eindeutig ein besserer Katastrophenfilm als The Day After Tomorrow oder Armageddon. Wenigstens gibt er nicht vor, ein großes, schönes A-Movie zu sein, sondern versucht nur zu unterhalten, was ihm angesichts der niedrigen Erwartungen ganz gut gelingt.

Ein atmosphärischer und stilvoller "Katastrophenfilm" der 70-er Jahre. Eine sog. dichte Atmosphäre, Betonung der Individualität, hohe Sterblichkeitsrate der Helden und ein für die heutige Zeit etwas gemächliches Tempo, aber irgendwie gehört es dazu. Vergleicht man diesen stilistischen Ansatz mit der Mode der hypertrophierten Gimmick-Monster der 90-er Jahre, so entpuppt sich Die Höllenfahrt der Poseidon als ein wirklich ehrliches und anspruchsvolles Stück Filmhandwerk, gewürzt mit anständigen schauspielerischen Leistungen.

Die erste Hälfte des Films ist amüsant überzogen und sehr gut gespielt, die zweite Hälfte ist selbstverliebt, klischeehaft und ein wenig gescriptet. Das Ergebnis ist ein kaum zusammenhängender Film, der zwar nicht irritiert, aber trotz eines vielversprechenden Anfangs leider auch kein besonders spannendes Abenteuer bietet. Nur eine Veranstaltung für Senioren.

Wären da nicht die schrecklichen Werbeeinblendungen, die unglaublich gezwungen und wenig zusammenhängend sind, wäre dies die Dichter, die in der besten Tradition der gesamten Serie voranschreiten. Das Beste an der ganzen "Saga" war wahrscheinlich das Duo Štěpán-Kendy - ihre sarkastische Freund-Homo-Beziehung hat mich wirklich zum Lachen gebracht. Wie auch immer... es ist einfach ein angenehm bitteres Spektakel und ich hoffe aufrichtig, dass es damit endet und nicht beginnt. Als poetisches Requiem ist es wirklich anständig.