Marigold

Eine literarisch-filmische Langeweile an der Ostsee mit verdächtig geringem intellektuellem Gehalt.

Eine schöne und fesselnde Geschichte mit einem gekünstelten Drehbuch. Das Thema der System-Ungerechtigkeit und des Rassismus wird nur angedeutet, es werden eher allgemeine Phrasen genutzt. Brian ist aber definitiv eine charismatische und interessante Figur, die in dieser Hagiographie des Opfers der amerikanischen Justiz trotz aller Schablonenhaftigkeit tatsächlich funktioniert.

Peter Berg drehte einen Film, der die Grausamkeit des Highschool-Fußballs zeigt, wo jugendliche Spieler den Himmel berühren können, den sie dann nie wieder erreichen werden. Er versuchte, eine Charakterstudie und einen Stil des Erzählens / der Aufnahmen zu kombinieren, den wir von Michael Bay und seinen Blockbustern kennen. Eine unruhige, dynamische Kamera, Collagen, Auslassungen... Es funktioniert nur teilweise, so ähnlich wie die Post-Rock-Musik von Explosions In The Sky, die irgendwie zu einem etwas anderen Film zu gehören scheint. Die Helden halten den Ball nicht lange genug, um sich wirklich daran festzuhalten. Ihre Schicksale sind skizzenhaft und schematisch. Dramatisch gesehen ist es kein gut aufgebauter Film. Einige Themen (wie zum Beispiel die Rassenkonflikte zwischen den Panthers und den Cowboys) sind ausgesprochen underwritten. In Bezug auf die Fußballszenen gehört er jedoch zu den besten / realistischsten, nur die Linebackers und Runningbacks müssten nicht wie Superman durch die Luft fliegen. Es hat etwas Packendes aus den 90ern, aber als Drama endet es einfach knapp vor der Red Zone. Und die End Zone ist noch weit.

Disney denkt an Väter, auch wenn die Mausjacke, die er trägt, teuer ist. Nein, es ist kein Logan mit einer Peitsche. Mangold hat eine altmodische, sichere Fahrt auf bekannten Schienen abgeschnitten, die in den Actionszenen ein wenig zittrig wird und ehrlich gesagt wie ein Gespräch mit dem Großvater wirkt, der Ihnen zum fünfhundertsten Mal dieselbe Kriegsgeschichte erzählt, die bereits verdächtig nach beginnender Senilität riecht. Das Tempo und die Steigerung verschwinden nach dem großartigen ersten Drittel. Deshalb braucht der Film einen Nostalgie-Herzschrittmacher. Glücklicherweise gibt ihm dieser in den letzten Minuten eine Dosis, die die Peitsche wieder klatschen lässt. Und nein, ich meine nicht die schöne gebügelte Metapher für jemanden, der in der Vergangenheit lebt. Sondern eher die zärtliche Szene von zwei Menschen, bei denen wohl alles wehtut. Das kann ich nachvollziehen!

Ein vorsichtiges und selektives Stichwort aus Wikipedia, das die Psychologie durch pathetische „Bilder aus der Geschichte“ ersetzt. Am besten geht es ihm dort, wo es sein einfaches Moral-Universum verlässt und sich nur auf das Überleben und den Willen konzentriert, der die Brüder Mašín in diesem Film am meisten definiert. Dieser Film ist nicht so verschwitzt wie andere tschechische Versuche, die bösen fünfziger Jahre zu reflektieren, obwohl er ähnliche Mängel in der Charakterisierung der Zeit und der Regimediener hat. Der Film behandelt das Thema mit Pietät und versteckt sich hinter das Klavier und etwas, was man als „geschichtliche Notwendigkeit“ definieren könnte. Deshalb kann er nicht so richtig über das heikle Thema des gewaltsamen Widerstands und der moralischen Entscheidungen erzählen. Die Regie, die Kamera, der Schnitt und die Schauspielleistungen sind aber solide.

Szenen aus dem nationalsozialistischen Eheleben und ein Film, dessen Konzept so straff ist, dass es mich seltsam gleichgültig zurückgelassen hat. Die Idee, die Todesfabrik in eine 2D-Kulisse zu verwandeln, welche die Kamera von Łukasz Żal durch die Tiefe des Feldes buchstäblich an den „Paradiesgarten“ der Familie Höss drückt, ist erstickend, beklemmend, aber auch monoton. Es droht, dass sich der Zuschauer daran gewöhnt, so ähnlich wie die Figuren an den allgegenwärtigen Gestank, die Schreie und das Stöhnen. Das zentrale Duo kann nicht genug vermenschlicht werden, um einen psychologischen Gegenpunkt zu den vermuteten Schrecken des Holocausts zu bilden. In den Routinen der Familie Höss war etwas Mechanisches, das es mir erleichterte, mich von der Dringlichkeit der Welt von Glazer zu entfernen. Die Banalität des Bösen ist präzise und wörtlich illustriert. Ich erinnerte mich an den ähnlich konzipierten und distanzierten Film Michael von Markus Schleinzer, der jedoch wirklich beeindruckend wird, wenn die Figur des pädophilen Gewalttäters einen Gegner in Form seines Opfers erhält, eine starke Gegenperspektive. Am Ende wählt Glazer ein ähnliches Prinzip, aber er zerstört die vierte Wand auf eine Art und Weise, die mehr intellektuellen Kalkül als natürliche Kraft in sich hat. War sich Höss der moralischen Dimension seiner Taten bewusst oder konnte er sie in der Rhetorik industrieller Produktion und historischer Notwendigkeit verstecken? Hier liegt die Grenze der Möglichkeiten von Glazers Film. The Zone of Interest ist in der Fülle des „Holocaust-Pornos“ ein Film, der durch seine Andersartigkeit und den Mut wichtig ist, die Perspektive zu ändern, dem Zuschauer die Erfahrung einer „kognitiven Dissonanz“ zu vermitteln, die die direkten Akteure des Bösen erfahren. Es ist auch eine interessante Reflexion des zentralen ideologischen Begriffs „Lebensraum“, der in der Darstellung von Frau Höss die Form eines ordentlichen Gartens annimmt, der mit der Asche der Toten gedüngt wird. Ich persönlich finde es jedoch viel interessanter, den Film aus der Ferne zu reflektieren, als ihn direkt auf der Leinwand zu erleben. In dieser Hinsicht bevorzuge ich das Konzept von Son Of Saul... und das unendlich abscheuliche Werk "Die Wohlgesinnten", das viel tiefer in die Psyche der Architekten des Holocausts eingedrungen ist als The Zone of Interest.

Ein Paradebeispiel für gute Absichten, die durch eine zu starke Schablone, ein schlechtes Drehbuch und eine übertriebene Regie zu einem perfekten Exploitation-Film werden. Die zentrale Situation und das Spinnennetz der moralischen Prüfungen sind so spektakulär holprig konstruiert, dass die Figur von Wil eher wie eine leere Hülle wirkt, die modellhafte Entscheidungen und Dilemmata durchläuft, mit denen die Filmemacher die schwierige Situation der besetzten Nation demonstrieren wollen. Die Figur des Protagonisten ist inkonsistent und damit nicht glaubwürdig, ebenso wenig wie das Regiekonzept, das unklar zwischen Naturalismus und einer übertriebenen visueller Stilisierung schwankt. So wirken die Zeit und die Figuren tatsächlich wie Wahnvorstellungen eines mittelmäßigen Drehbuchautors und ihre Trajektorie wie das Puppentheater eines minderwertigen Regisseurs. Das schwarze Buch, aus dem jemand alle guten Kapitel herausgerissen hat, Son Of Saul, dem man seine ganze verstörende Energie genommen hat. Was übrig bleibt, ist ein löchriger Moralthriller, dessen Dringlichkeit aus Ausrufezeichen und keiner Bedeutung besteht.

Yorgos Lanthimos greatest hits (colored and expressively remixed). Im Grunde genommen handelt es sich um den zweiten Teil von Dogtooth mit dem Grundriss eines emanzipierten Dramas. Wir haben hier eine ähnliche Konstellation – Vater-Schöpfer, der versucht, die Frau-Kind vor den Gefahren der Welt zu schützen und aus ihr ein reines Wesen zu erziehen, was ihn zu einem Gott und Tyrannen macht. Wir haben eine Heldin, die sich seltsam bewegt und damit die Verdrehung der Welt und den Versuch reflektiert, sich von den Konventionen zu befreien, die von anderen auf sie gelegt werden. Aber dort, wo Dogtooth endete, beginnt Poor Things. Bella und ihre Initiationsreise durch die Welt erinnern an einen sexuellen und gesellschaftlichen Bildungsroman mit einigen Stationen auf der Suche danach, dass ihr Körper nur ihr gehört. Diese Erkenntnis haben die Helden und Heldinnen der früheren Lanthimos-Filme schmerzhaft und schwer gesucht und es endete normalerweise mit einem peinlichen Missverständnis. Der unbeholfene Widerstand gegen Konventionen, die Willkür gesellschaftlicher Rituale, das Ego der Männer, die versuchen, Frauen nach ihrem eigenen Bild zu formen – in Poor Things werden diese Trademarks von Lanthimos durch die äußere Darstellung und noch stärkere Übertreibung bekömmlicher vermittelt. Dabei opfert er jedoch nicht einen gewissen Grad an Unbehagen und die Fähigkeit, den Zuschauer an den Rand seines Sitzes zu bringen. Bellas Eskapaden würde ich als Teil der sexuellen Bildung in Schulen einführen. Alles Wesentliche ist dort vorhanden. Leider glaube ich der inneren Jeunet Lanthimos nur zum Teil. Für mich war er immer ein Brutalist und der Kameramann Robbie Ryan ein Realist. Ihre Pastellbilder kommen mir ein wenig kitschig vor – „Originalität zeigen“ überlappt hier gefährlich mit „sich in jedem Detail verstellen“. Lanthimos’ Originalität lag immer darin, eine pittoreske Ausgangssituation, eine verdrehte Realität und die Arbeit mit Schauspielern als lebendigen Puppen zu schaffen, nicht in einer auffällig exzentrischen Äußerlichkeit. Die Schauspieler*innen sind natürlich großartig, ich möchte den wunderbare Cameo-Auftritt von Hanna Schygulla in der Rolle einer alten Frau hervorheben, die keine Angst hat, über ihre Sexualität zu sprechen. Poor Things kann auf verschiedene Weisen interpretiert werden und jeder Ansatz wird seine eigene vage Wahrheit haben. Ich interpretiere diesen Film als Metapher für Lanthimos’ Werk, das mit verzerrten und manipulativen Experimenten mit menschlichem Material in einem hässlichen Labor begann und zu einer verständlichen Mainstream-Katharsis in bunten Kulissen gereift ist. Mein Herz und meine Seele werden immer eher seiner älteren, vernarbten dystopischen Freakshow über Menschen gehören, die von Konventionen beherrscht werden, als diesem pathologischen Märchen über arme Leute, die Herren über ihren eigenen Körper und ihr Schicksal wurden.

Toledano und Nakache sind erfahrene Hitmaker, die wissen, wie man mit Leichtigkeit dreht, wie man sich mit Musik aushilft und wie man Schauspieler*innen zu leicht verdaulichen Leistungen führt. Dennoch wirkt ihr neues Werk dramaturgisch schwerfällig, da es Probleme mit grundlegenden Motiven und dem Verhalten der Figuren hat. Natürlich hilft sich der Film mit der Behauptung, dass es sich um eine Satire auf die verwirrende Gegenwart und ihre klimatischen und sozialen Ängste handelt. Aber leider ist nicht ganz klar, wohin und auf wen Black Friday for Future eigentlich zielt. Es ist eine klassische Komödie, ein Beruhigungsmittel. Probleme werden als Kulisse genutzt und Humor als Möglichkeit, dem Nachdenken über ernste Dinge auszuweichen. Darüber hinaus handelt es sich um einen einfachen Humor, dem es am geschliffenen, leichten, aber treffenden Humanismus von Alles außer gewöhnlich und Ziemlich beste Freunde fehlt. Im Vergleich zu beiden Filmen wirkt Black Friday for Future zusätzlich völlig losgelöst von der Realität. Dies ist (mit voller Kenntnis des stereotypen Charakters) ein fauler Film von französischen Fünfzigerjahren, die nicht viel darüber nachdenken möchten, worum es eigentlich geht. Also bauen sie sich einen sicheren Raum voller Klischees und Situationen auf, die letztendlich keinen Sinn ergeben und nur zu einem farblosen Midcult-Finale führen. Die Konsum-Heuchelei wird dumm und überheblich durch ein Werk parodiert, das selbst sein perfektes Produkt ist. Und da sind wir wieder.

Ein tschechischer Tiger King? You wish. Karlos kommt aus diesem verwirrenden und oberflächlichen Dokumentarporträt tatsächlich als langweiliger Kerl heraus, dessen sportlicher Beitrag sich auf nichtssagende Schnitte und verbale Erklärungen beschränkt, dass er „viel für MMA in Tschechien getan hat“. Seine Persönlichkeit wird durch banale Geschichten über einen Mann dargestellt, der ein weißes Haus und eine schöne Frau wollte. Der Höhepunkt der Regie-Invention ist ein Voiceover eines existenziellen GPS und ein paar Montagen, die vielleicht für das Oktagon-Netz reichen würden, aber nicht für das Format eines abendfüllenden Films. Attila war zwar ein dummer Dokumentarfilm, er hatte aber zumindest eine primitive Energie und Struktur. Karlos bekommt also in der ersten Runde einen Knockout. Nichts Neues.