Marigold

In 80 Tagen um die Welt beginnt wunderbar und verspricht wahrhaft umwerfende Action, die mit intelligentem Konversationshumor (der nicht wirklich Stars and Stripes auf den Shorts trägt) verdünnt wird, rutscht aber letztlich unnötig in Seichtheit ab und bricht, was ihn anfangs auszeichnet - Integrität und Stil. Es tut mir leid, aber das ist die Schuld von Jackie Chan, der, obwohl er seine Rolle anständig spielt, etwas Fremdes und Unpassendes in die nerdige Welt des Erfinders Phileas Fogg gebracht hat. In die Welt des trockenen englischen Humors schmuggelte er den verrückten Stil eines asiatischen Actionfilms, und Frank Coraci konnte beides nicht zu einem kohärenten Ganzen zusammenfügen. Ein englischer Gentleman und ein schwebender Asiate prügeln aufeinander ein. Daher verpufft all das Potenzial allmählich, und am Ende bleibt das relativ befriedigende Gefühl einer anständig gemachten Actionkomödie, die viel mehr als nur befriedigendes Handwerk brauchte, um wirklich brillant zu sein. Sie brauchte einen wirklich guten Erzähler für die Geschichte. Coraci blieb auf halbem Weg stehen. Es brauchte einen großartigen Drehbuchautor, der die Fehler und Unverhältnismäßigkeiten des Schülers in der Konstruktion der Handlung vermeiden würde. Auch hier blieb sie leider auf halbem Weg stehen. Nein, es ist kein Flop. Es ist ein lustiger und unterhaltsamer Film. Auf halbem Weg zu einem wirklich großartigen Film. Und das ist das Bedauerlichste daran. Wenigstens bekomme ich den köstlich trockenen Steve Coogan in der Titelrolle des Mr. Fogg.

The Grey Wolves ist eine Rekonstruktion der i§nteressanten und typisch "sozialistischen" Ereignisse des Jahres 1964, als eine Verschwörung von KPdSU, KGB und anderen Machthaber Nikita Chruschtschow entthronte und setzte den scheinbar biederen und zurückhaltenden Leonid Breschnew einsetzte, der jedoch bald eine allgemein gültige Regel der kommunistischen Geschichte bewies - je ruhiger vorher, desto größer das Schwein danach. Regisseur und Drehbuchautor Gostev versucht sich nicht an einem Action-Thriller, sondern vielmehr an einer genauen Rekonstruktion (Interpretation) der Ereignisse, die durch freigegebene KGB-Akten gestützt wird. Dies ist wahrscheinlich für viele Zuschauer der größte Nachteil des Films. Die Figuren in The Grey Wolves sind so zahlreich wie die Männer in den Weiten von Mütterchen Russland, und selbst die "Who's who"-Untertitel helfen nicht bei der Orientierung. Das Panoptikum der anonym agierenden Genossen ist so verwirrend, dass ich in der ersten Hälfte des Films froh war, Breschnew an seinen buschigen Augenbrauen zu erkennen. Das Tempo ist auch nicht großartig, Gostev versucht, nichts Wesentliches auszulassen, und das Tempo zieht erst im zweiten Teil an, wenn es endlich die thrillerartigen Einschübe und die logische Auflösung gibt, in der sich fast alle als rückgratlose Schweine und Breschnew als deren König entpuppen. The Grey Wolves ist mit einer fast dokumentarisch anmutenden Unaufgeregtheit und Präzision gedreht (die Schauspieler haben sogar den typischen Grünstich, den wir aus den Fernsehübertragungen der Parteitage der 1970er und 1980er Jahre kennen), was dem Film zwar seinen Reiz nimmt, aber seine Glaubwürdigkeit erhöht. Die Action ist schlecht, weil Gostev nicht weiß, wie man sie macht (der Anblick eines grotesk beschleunigten Moskwitsch war wirklich tragisch), die Musik ist das Eintrittsgeld wert (nur der einleitende Hammond-Rock ist in Ordnung, aber in einem Film über Vietnam würde ich mehr erwarten). Die Metapher der Wolfsjagd, die sich durch den ganzen Film zieht, ist letztlich sehr wirkungsvoll, reicht aber nicht aus, um The Grey Wolves zu mehr zu machen als zu einem interessanten Dokumentarfilm über die Ereignisse von 1964 und zu einem leicht überdurchschnittlichen Film mit einer wirklich großartigen Leistung von Roland Bykov als alter und zweifelnder Führer Chruschtschow.

Ein wunderschönes lyrisches Gedicht über einen Jungen, der in den Ferien allein sein sollte, wo aber am Ende alles anders war. Die Reise von Masao auf der Suche nach seiner Mutter ist ein ungewöhnliches Roadmovie, dem Takeshi Kitano durch seine schauspielerische Leistung und seine Regie einen unverwechselbaren Stil aufgeprägt hat, der irgendwo zwischen einem Kindertagebuch und der poetischen Wärme eines europäischen Erzählfilms liegt. Die epische Ader ist de facto zweitrangig und die Geschichte im eigentlichen Sinne des Wortes kulminiert in dem Moment, wenn der Film etwa die Hälfte seiner Laufzeit hinter sich hat. Aber das ist nicht der Punkt. Es geht um Genuss und Sinnlichkeit. Kitanos Kunst, aus der Reise des Jungen und seines Begleiters - "Onkel" Grobian, eines Aufschneiders und Possenreißers von Natur aus - ein ungewöhnliches Gedicht über Liebe, Naivität und Kindheit zu machen, das mit kulinarischer Langsamkeit vorgetragen wird, erreicht absolute Perfektion. Die Kamera entfernt sich oft von der direkten Handlung und schwelgt in lyrischen Panoramen, der Schnitt unterbricht scheinbar den Fluss der Zeit und zeigt uns oft Ausschnitte aus dem Geschehen, die visuellen Accessoires und Masas Träume verleihen allem eine magische Note. Kikujiros Sommer ist im Kern eine Art Kolya auf Japanisch, aber wo Svěrák auf die Tränendrüse drückte, ist Kitano ein beeindruckender Dichter, der gut verstanden hat, dass die Magie nicht in der Deutlichkeit dessen liegt, was explizit gezeigt wird. Sein Film hat einen außergewöhnlichen Humor, den der Regisseur selbst mit seiner Rolle des buckligen Clowns beisteuert (in einer Weise, die der Figur des Shinkichi aus Kitanos späterem Film Zatoichi - Der blinde Samurai sehr ähnlich ist). Der Humor des "Onkels" ist voll von Übertreibungen, Selbstüberschätzung und sehr rüpelhaftem Verhalten, aber darunter steckt eine gute Seele. Der "Onkel" zieht verschiedene andere kauzige, liebevoll gestaltete und gespielte Figuren an, die Masao die seltsamsten und schönsten Ferien bescheren. Abgedroschen? Nicht in dieser Verpackung. Darüber hinaus ist die Musik von Hofkapellmeister Hisaishi schlicht und einfach brillant und fängt mit ihrer zerbrechlichen Schönheit und ungestylten Qualität die bittersüße Note von Kikujiros Sommer treffend ein. Denn Kikujiros Sommer ist nicht nur ein Film über das Finden und die Freude, sondern vor allem über den Verlust, der uns zu finden zwingt. Es ist ein Film, der sich wie ein Mosaik zusammenfügt, und selbst spät in der Nacht konnte ich mir ein Lachen kaum verkneifen, als ich das ganze Muster aus der Ferne betrachtete. Eine Streicheleinheit für die Seele, ich kann mir nichts Besseres vorstellen.

Von Anfang an erweckt Germans Werk den Eindruck einer chaotischen Kakophonie von Klängen, disparaten Dialogen, kaum erkennbaren Figuren... Der Versuch, den Eindruck einer ungestylten Handlung zu erwecken, in der die Kamera (und damit der Zuschauer) nur zu Besuch ist, führt zu einem Gefühl der Verwirrung und des hektischen Laufens, das nur die Figur des Jungen und Erzählers in einer Person mit gelegentlichem Bellen zu lenken hilft. Das Gerüst der Handlung kristallisiert sich nur langsam unter einem Wust von falschen Tönen und Versatzstücken heraus; das Russland des Jahres 1953 gleicht einem absoluten Irrenhaus, dessen Bewohner (in diesem Film auf die Bewohner eines Hauses "reduziert") den Eindruck von übermäßig affektierten und unlogisch reagierenden Insassen vermitteln. Die deutsche Sichtweise ist typisch russisch, mit Ironie, scharfen Wendungen zur Tragik, Skurrilität und einem rasanten Erzähltempo, das auf den "ungeschulten" Betrachter verwirrend wirken mag, aber bei näherem Hinsehen offenbaren sich großes erzählerisches Geschick und Ordnung. Khroustaliov, mein Wagen! schildert die Atmosphäre der fünfziger Jahre in der UdSSR nicht nur aus der Sicht des einfachen Bürgers (des ständig geschlagenen und gedemütigten Heizers), sondern auch aus der Sicht der Elite (der zentralen Figur des Generals Glinski)... Sie sind jedoch durch eine grausame und manipulative Herrschaft der Macht geeint, aus der es kein Entrinnen gibt (schwarze Limousinen...). Die grundsätzlichen Fragen der Zeit werden mit bewundernswerter Leichtigkeit ins Spiel gebracht, und die Antworten bleiben aus, aber letztlich basiert dieses Stück auf einem "dokumentarischen" Wert. Der russisch-französische Film arbeitet meiner Meinung nach mit der gleichen Art von "realistischer" Metapher wie Kusturicas Underground, obwohl er in der Tat ad absurdum geführt wird und vom Standpunkt des Publikums aus nicht annähernd so lohnend ist. Das Talent von Alexej German ist unbestreitbar, aber seine Botschaft weist nur wenige starke emotionale Momente auf (vor allem die Vergewaltigung des Generals durch betrunkene Männer), ansonsten ist der Film durch seine schwarzweiße Kühle, die Distanz der Regie und die verwirrende Struktur eher nur etwas für geladene Gäste. Andererseits ist das aber kein Fehler.

Eine fesselnde Sektion der Fatalität der Macht, ein Film, der sich am Rande der Spekulation bewegt, aber mit seinem Bild eines Festmahls der Mächtigen (das seit der Antike so beliebt ist) eine mögliche Interpretation der Persönlichkeit Stalins offenbart. Eine Persönlichkeit, die sich im schizophrenen Würgegriff widersprüchlicher Hälften - Dschugaschwili, der Bauer, und Stalin, der Weltführer - wiederfinden konnte. Und als Koba dem anderen zunickte, befand er sich im Würgegriff der absoluten Macht, die er selbst in Händen hält, die er aber keinen Augenblick loslassen darf. Regisseur Juri Kara porträtiert Stalin als eine seltsame Mischung aus Zerbrechlichkeit, leisem Wahnsinn und Brutalität (die er selbst als existenzielle Notwendigkeit sieht), als einen Manipulator, der mit einem einzigen Wort Männer zu Wracks und Wracks zu Männern macht. Und das Bankett zu seinen Ehren, ein Bankett mitten im Urlaub des Anführers in Abchasien, bietet den idealen Rahmen für ein seltsames satirisch-tragisches Stück, in dem vordergründig nichts passiert, in dem aber in jeder Sekunde das Leben aller auf dem Spiel steht (außer das von Stalin natürlich). The Feasts of Valtasar, or The Night with Stalin ist ein typisches Beispiel für ein unterirdisches Drama, bei dem sich die gesamte Spannung unter den Masken der einzelnen Figuren abspielt, die einen eher karikaturistischen Charakter haben. Seine emotionalen Höhepunkte sind großartig, und die Szene, in der dem Koch das Ei vom Kopf geschossen wird, ist eine der besten Darstellungen von Macht und Demütigung, die ich je in einem Film gesehen habe. Es ist erstaunlich, wie wenig Mittel Kara reichen, um seine Sicht auf die Person des verfluchten und verehrten Anführers zu verdeutlichen, um vor dem Betrachter seine Vision des kommunistischen Apparats zu entfalten, dessen negativster Punkt nicht der überraschend charismatische Stalin, sondern das kriecherische und rückgratlose Schwein Beria ist. Der erzählerische Aspekt des Films hat mich etwas verwirrt, denn er erscheint als "Erinnerung" eines der Teilnehmer am Bankett, zerfällt aber im Laufe des Films in eine typisch russische Polyphonie der Perspektiven. Und die stärkste Motivation für den fünften Stern sehe ich in der unglaublich überzeugenden Leistung von Alexej Petrenko in der Titelrolle...

Ein wirklich stilvoller Einstieg in die Serie von Roger Moore. Im Gegensatz zu dem unsicheren Lazenby, der mit seiner steifen Leistung in einem einzigen Film aufflog, lieferte der frische und jung wirkende Moore eine durchdachte Kreation ab, die wenig mit Sean Connerys Darstellung zu tun hatte. Wo der grimmige Schotte rau war, ist Moore elegant; wo Connery vor maskuliner Energie strotzte, bleibt Moore ein leicht sarkastischer Glossator mit der Lizenz zum Töten (die er auch nutzt). Guy Hamilton ist einer der besten Regisseure, die die 007-Serie je hatte, und selbst mit einem lahmen Plot hat er es geschafft, einen zweistündigen Film zu drehen, der keine wirklich schwachen oder langweiligen Stellen aufweist (was bei den meisten Moore-Filmen leider nicht der Fall ist). Obwohl der Bösewicht Kananga geradezu fade und Bond nicht daran interessiert ist, die Welt zu retten, sondern nur einen Drogenbaron zu bekämpfen, gelingt es den Filmemachern, die richtige Bond’sche Spannung zu erzeugen, würzt die Actionszenen mit beispiellos komödiantischen Einlagen (vor allem die Mischung aus amerikanischer Bourgeoisie und Militanz in der Person von Sheriff Pepper ist es wert), erschafft denkwürdige Charaktere (Baron Samedi, Tee Hee) und dank des Songs der Cartneys eine ganz eigene Atmosphäre an der Grenze zwischen Adrenalin und Lachen. Connery hatte also nicht unrecht, als er Moore den idealen Bond nannte...___ Ein paar interessante Fakten: Im Film fehlt Q, wie im einzigen anderen Bond-Film neben Dr. No, aber seine Erfindungen sind wieder lohnenswert. Dem Film fehlt auch die traditionelle Szene mit M.s Büro und dem rituellen Wurf des Hutes auf den Kleiderständer. Stattdessen findet das Treffen zwischen Bond, M. und Moneypenny ganz untraditionell in 007s Wohnung statt. Die Filmemacher hatten ursprünglich erwogen, Dr. No's Honey Ryder (das wohl berühmteste Bond-Girl, Ursula Andress) in die Bond-Filme zurückzuholen, dies aber schließlich wegen der Änderung der Titelrolle verworfen. Schließlich war David Hedison, Bonds CIA-Verbündeter Felix Leiter, der einzige, der die Rolle bei neun Gelegenheiten mehr als einmal spielte (er trat auch in Licence To Kill auf). ___ Bond-Song: "Live and Let Die" (Paul Mc Carney und WINGS)

Obwohl die Filmversion mit Ustinov über großartige Kulissen und größere Stars verfügt, lässt sich nicht bestreiten, dass die Darstellung der Hauptfigur das englische Remake überzeugender und glaubwürdiger macht. Ich kann nichts dafür, aber Ustinov ist zu rau, mürrisch und unordentlich für Poirot. David Suchets Charisma wird überschattet von einigen schwächeren Darbietungen in Nebenrollen, einem offensichtlich geringeren Budget und der Tatsache, dass ich wusste, dass sich die Handlung auflöst. Obwohl ich einige der TV-Poirot-Filme lustiger fand, schätze ich doch den Mut der Filmemacher, einen Filmklassiker herauszufordern. Vor allem, weil meiner Meinung nach Tod auf dem Nil von 2004 besser ist.

Ein hervorragendes Beispiel für die altenglische Schule der Detektivromane. Das typische Modell mit einem Landhaus und einer adligen Familie, die in den Mord an dem Ehemann eines ihrer Mitglieder verwickelt ist. Die Formel, wonach der Verdacht auf jeden fällt und nur derjenige der Mörder sein kann, der eigentlich ein Außenstehender ist, gab es schon mehrmals, aber sie funktioniert wunderbar. Mehr noch als sonst wird Poirot von dem Wunsch getrieben, zu beweisen, dass sein Verstand unübertroffen ist. Langtons Film erforscht in gewisser Weise den Konflikt zwischen detektivischer Logik und kreativem Denken. Und wie immer gibt David Suchet eine akribisch ausgefeilte Vorstellung, die durch die hervorragende Atmosphäre des Falles und das emotionale Ende noch verstärkt wird.

Ein angenehmes Spektakel, das sicherlich nicht den Anspruch erhebt, das Genre der "Heist"-Filme revolutionär zu verändern, aber es erfüllt alle typischen Klischees und den traditionellen narrativen Rahmen mit Leichtigkeit und einer gewissen Eleganz, was durch den ironischen Subtext des gesamten Films sehr unterstützt wird. Wenn mich etwas gestört hat, dann war es der langatmige Anfang, in dem der traditionelle "Rekrutierungs"-Humor nicht sehr gut funktioniert (wie viel lustiger sind in dieser Hinsicht die Ladykillers!) und die Kluft zwischen den starken Leistungen der Stars und den faden Charakteren der weniger bekannten Mitglieder der Elf. Soderbergh hat es geschafft, 116 Minuten flotte, angenehme und entspannende Unterhaltung zu schaffen, die einem nicht den Atem raubt, aber auch nicht den Abend verdirbt.

Obwohl dieser Film außerhalb der legendären Trilogie steht und nie den Ruhm von Der Schatz im Silbersee erreichte, ist er ein sehr unterhaltsamer Beitrag zur Familie der May-Western. Obwohl... Offenbar ist er nur durch die Namen der Helden mit Karl Mays Werk verbunden und weist im Gegensatz zur Filmtrilogie einige unverständliche Abweichungen in der Atmosphäre (es wird versucht, epischer und irgendwie realistischer zu sein, aber das Ergebnis ist kaum beeindruckend) und den Charakteren (Winnetou macht einen animierten und unentschlossenen Eindruck) auf... Die Handlung ist sehr stark an Winnetou II angelehnt, und eine noch lustigere Variante davon findet sich in Winnetou III, aber leider... Es ist spannend, die jugoslawischen Naturjuwelen sind ein Augenschmaus, die Pappkakteen ein Genuss für das Zwerchfell und Lex Barker genauso heldenhaft, wie ich ihn als Kind verehrt habe. Der Soundtrack ist ein ziemlich anständiges Rip-Off von Spaghetti-Western und deshalb ist der Gesamteindruck eher drei Sterne wert... Ihm fehlen einfach die Wärme und das Anheimelnde der berühmteren May-Filme.