POMO

Ein langweiliger Dokumentarfilm über das Wasser und seine Formen, Launen und die Zusammenarbeit mit der Temperatur und dem Wind. Und über unbekannte Menschen, die mit ihm in verschiedenen unwirtlichen Bedingungen "kämpfen“. Das Ziel des Films ist es nicht, überwältigende oder schöne Aufnahmen zu zeigen. Die beste Aufnahme von z. B. Unser Planet ist besser als dieser ganze Film. Es gibt keine Erklärungen, Kommentare oder Prognosen. Und die Abschnitte mit Metal, die zu der Wildheit des stürmischen Ozeans passen sollen, sind absolut geschmacklos. Schwache 3*.

Ein angenehmer Film, in dem man sich viel unterhält, wo sich der Papst Kommissar Rex ansieht oder eine Pizza vom Stand genießt. Meirelles gewinnt die Zuschauer*innen eben dadurch, dass er den Papst als jemanden darstellt, der auch manches erzählen möchte und der auch an seiner Aufgabe zweifelt. Die Freundschaft, die zwischen den zwei am Anfang ganz unterschiedlichen Geistlichen entsteht, wird zum Hauptthema des Films. Eine sehr gute Besetzung von beiden Hauptfiguren. Hopkins spielt den deutschen Radikalen mit Vergnügen und Jonathan Pryce reicht für die Darstellung des sanfteren Gegenpols sein Naturell.

Franco dreht meine Träume. Er macht es aber schrecklich schlecht, weshalb sein Werk in der Kinematografie keinen Wert hat. Der einzige ähnliche, allgemein anerkannte Film ist Die 120 Tage von Sodom. Der geht aber zu weit und ist eher grässlich und böse als unterhaltsam. Franco behandelt es gelassen, mit einem schlüpfrigen Lächeln, die spielerische, billige, südliche Nachlässigkeit wird zu einem unwiderstehlichen Prinzip. Die Eurotrash-Werke seiner Filmografie bekommen meistens zwei Sterne. Trotzdem sehe ich mir sie gerne an – einmal in drei Jahren, immer mit zwei mehrtägigen Pausen.

Ein Porträt von einer Familie aus der Vorstadt, deren Leben von einem Tag auf den anderen zerstört wird. Die Tochter ist eine dumme Pute, der Sohn ein aggressiver perverser Mann, der Vater ein charakterloses Rindvieh und die Mutter ein gutherziges, hysterisches Hausmütterchen, das von allen abhängig ist. Eine in bestimmten Kreisen Kult-Bizarrerie von Waters, die mit der bizarren Mikrowelt der Figuren unterhält. Ohne niedlich übertriebene Unappetitlichkeiten, die er in Pink Flamingos servierte, hinterlässt es jedoch keine tiefere Erinnerung.

Eine hochwertige Arbeit mit dem Milieu und den Figuren, ein interessanter Stoff. Es kam aber keine große Entwicklung, die sich der Film verdienen würde.

Dies ist einer der Filme, bei dem man vergisst, dass man Schauspieler*innen beobachtet. Man erlebt zusammen mit den Hauptfiguren ihre Geschichte. Ein zarter Beziehungsfilm mit vielen Dialogen. Bei dem Erzählen wird bravourös auch mit der Kamera und dem Schnitt gearbeitet. Die Szene, in der sich Scarlett zum ersten Mal ihrer Anwältin anvertraut, ist vielleicht der brillanteste Teil des Films. Aus der Sicht der Schauspielleistung war es auf dem atemberaubenden Niveau von Naomi Watts in der Szene der Schauspielprobe im Film Mulholland Drive. Eine weitere gelungene Angelegenheit ist die Schnitt-Eskalation, das Näherkommen zu den angespannten Gesichtern in einem Streit. In dem werden die schlimmsten Sachen gesagt, die man gleich bereut. Im Theater wäre das ohne die Details von den Gesichtern nicht das Richtige. Die Dialoge sind so authentisch und die Charaktere der Figuren so genau, dass ihre Darstellung eine schöpferische Ekstase sein musste. Und nicht nur Driver mit Scarlett zeigen hier eine Glanzleistung. Laura Dern erlebt auf kleinem Raum ihr Comeback und Ray Liotta kompensiert auf noch kleinerem Spielraum seine Abwesenheit in The Irishman. Wie das Beste von Woody Allen mit der Berührung vom Herzen von La La Land. Das Drehbuch ist ein unausweichlicher Oscar-Kandidat.

Ein Gut-Fühl-Film mit sympathischer Besetzung, welcher die verblassten Stars Murphy und Snipes wieder auffrischt. Man wird von der hochwertigen Arbeit der Filmemacher und den vulgären Witzen gefangen genommen. Schließlich wird daraus ein Klischee, das nicht überrascht und kein höheres Ziel hat, als ein Unterhaltungsfilm zu sein.

Im Vergleich zu Butlers Spielen, wie die US-Präsidenten beschützt werden, ist es eine Erscheinung. Ein dreckiger Krimi mit harten Polizisten, die als "Gang“ funktionieren, und mit Schuften, welche zwar wie Mörder aus dem Gefängnis aussehen, den Polizisten aber immer einen Schritt voraus sind. Eine gute Drehbuchidee mit dem Hauptbankraub (der Schauplatz), mächtige realistische Schießereien. Es wird ziemlich viel von dem klassischen Film Heat übernommen. Der ist aber auch schon mehr als zwanzig Jahre alt. Und vor allem – wenn es seine zweitklassige Version sein sollte, dann ist es eine verdammt gute Version.

Im IMAX war es ein Knaller. Ein Weltall-Spektakel des Jahres, im intensiven Tempo, mit super (digitalen) Orten, einer delikaten Bewegung der Kamera und mit Nostalgie, die dadurch gefördert wurde, dass unerwartet alte Figuren erschienen sind. Bei der Abschlusskonfrontation spürte man die Kraft ähnlich wie bei dem finalen Widerstand gegen Sauron. Und schließlich fand ich auch an Daisy Ridley Gefallen. Die Enthüllung von neuen Identitäten von Altneugestalten verstand ich nicht so richtig. Weil ich mich aber nicht daran erinnere, was genau in der vorigen Episode passiert ist, war es mir egal (diese Trilogie halte ich nicht für einen Teil der geliebten STAR WARS, es ist nur ein kommerzieller Parasit). Die zweite Projektion fand auf einer wesentlich kleineren Leinwand statt, wo man nicht mehr die (Un)Ehrlichkeit gegenüber den Zuschauerinnen und Zuschauern übersehen konnte. Der Aspekt einer sinnvollen Geschichte hinterließ in mir einen negativen Eindruck. Es ist nur eine effektvolle Einweg-Bergfahrt, welche Besucher in den neuen SW-Teil von Disneyland locken soll.

Ein unvorhersehbares Thriller-Spiel über eine Kollision von Sozialschichten, formell und psychologisch souverän wie von Kubrick. Bong Joon-ho ist ein Meister der Filmregie – von der akribischen Charakterisierung der Figuren für den Zweck der Geschichte, über ihre Eingliederung in ein interessantes Milieu (das fast zu einer nächsten Figur wird), bis hin zu dem unvorhersagbaren Jonglieren mit Genre-Prinzipien und Wenden sowie den metaphorischen Zusätzen, welche die ganze selbstsicher geführte Raffinesse mit anregenden Fragen ergänzen. Er ist vielleicht das einzige Geschwisterteil von David Fincher. Dazu kommt eine exotischere Kultur, welche die Standards der universellen US-amerikanischen Genre-Merkmale überragt. Dazu braucht man aber natürlich auch die Bereitschaft der Zuschauer*innen, eine deutlich abweichende Logik von Konfliktlösungen zu akzeptieren. Hier bin ich – z. B. wie beim Ende von Oldboy – stecken geblieben. Der Abschluss der Geschichte von Parasite erschien mir als unwahrscheinlich, nicht ausreichend begründet und nur wegen einer vermeintlichen Tiefe und Gedankengeschlossenheit gesteigert.