POMO

Das reichhaltige Motiv des Öffnens und Reinigens, die Enthüllung verborgener Wahrheiten über sich selbst, öffentlich vor Kameras und in Anwesenheit der überraschten Ehefrau. Mit ehrlichen Selbstreflexion-Monologen der Figur von Richard Gere. Er ist wie immer großartig und wird präzise von Uma Thurman unterstützt. Der Film enthält eine besondere Regie-Note – darum haben sich die unglaublich angenehme Musik (Songs) und eine ansprechende visuelle Retro-Darstellung in den Erinnerungsflashbacks gekümmert. Das Ende ist jedoch nicht zufriedenstellend. Das Thema mit der Enthüllung der Vergangenheit der Hauptfigur und der Relativität dessen, was wahr ist und was nicht, hätte ein größeres Potenzial gehabt. [Cannes FF]

Kann es in Indien so schlimm sein? Die Umwandlung der reinen weiblichen Unschuld in die einzige mögliche Form der Existenz, die sich den Gesetzen des patriarchalischen Dschungels nicht unterwirft. Familienwerte sind in einigen armen indischen Schichten nicht das, was sie bei uns sind. Und was zunächst verführerisch auf den falschen Weg zu geraten scheint, kann sich im Laufe der Zeit als Rettungsweste erweisen. Auch wenn es unmenschlich traurig ist. Ein brutales, starkes Drama mit einem Drehbuch, das reich an kulturellen Nuancen ist, mit herausragenden schauspielerischen Leistungen und einer kompromisslosen Regie. [Cannes FF]

Eine prozedurale Analyse des Vorgehens der osteuropäischen Dorfbewohner – der Familie des Opfers, der Polizei und des Vaters der Verantwortlichen – bei der Untersuchung einer Straftat und dem anschließenden Umgang mit den aufgedeckten Fakten. Ein für die westliche Zivilisation unverständliches bis absurdes Vorgehen, im Kern der begrenzten Denkweise der beteiligten Personen aber gut gemeint – wenn auch mit einem Schleier nagender Gewissensbisse. Obwohl sich das Drehbuch nicht explizit um die Tragödie dreht, halten die brillante Konstruktion der Dialoge und die zivile Analyse der Figuren die Aufmerksamkeit aufrecht und machen neugierig, wie es weitergeht. Die gleiche Geschichte mit den gleichen Figuren und Dialogen könnte genauso gut in polnischen oder slowakischen Realien funktionieren. [Cannes FF]

Jugendliche aus Island und ein tragisches Ereignis, mit dem sie nicht gerechnet haben. Das Attribut „intim“ gewinnt hier noch mehr Bedeutung als gewöhnlich. Detailliert werden die zunehmenden Sorgen um den Verlust eines geliebten Menschen und das anschließende Verarbeiten des Schmerzes dargestellt. Die Hauptfigur erlebt dies zudem größtenteils versteckt, ohne Verständnis von außen und daher umso intensiver. Ein kleines, aber emotional und psychologisch reichhaltiges Drama mit einem schönen, poetischen Ende. [Cannes FF]

Ein sehr düsteres Drama, inspiriert von einer wahren Geschichte, über die man am besten im Voraus nichts lesen sollte. Denn auch wenn es der Protagonistin Karoline schlecht geht, kommen weitere unerwartete Schläge. Aus der wirkungsvollen Darbietung spürt man den Schmutz und die Verzweiflung der Zeit, an einigen Stellen begeistert der Film sogar mit expressiven Kompositionen, deren Bedeutung symbolisch von Karolines entstelltem Ehemann geprägt wird. Viele Details, über die wir nachdenken, wie und in welchem Unbehagen die Menschen vor ziemlich kurzer Zeit (vor hundert Jahren) gelebt haben. Vic Carmen Sonne in der Hauptrolle führt den Film mit brillanter stummer Leistung, die später auf kleinerem Raum genauso intensiv die Veteranin Trine Dyrholm (wortwörtlich) verdunkelt. Die schauspielerische Mimik spielt hier die Hauptrolle. Die Zuschauerinnen erleben die mütterlichen Momente in der Geschichte noch intensiver, im Saal war oft ein Zischen zu hören und das Verdecken der Augen zu sehen. [Cannes FF]

Lanthimos’ entschiedene Abkehr von seinen letzten Mainstream-Filmen. Er weiß, dass wir ihm alles aus der Hand fressen. Ein dekadentes Rätsel, das an die stickigen Gespräche von P. T. Anderson oder sein frühes griechisches Werk erinnert, jedoch mit Hollywood-Stars und in einem amerikanischen Setting. Mit dem Thema und den am besten ausgearbeiteten Charakteren fesselt uns die erste Geschichte meisterhaft von der ersten Sekunde an. Die zweite verunsichert und die dritte, in Verbindung mit den vorherigen beiden, lädt zur Diskussion am runden Tisch ein. Die mysteriöse, unerklärte Nebenfigur R.M.F., um die sich die Geschichten drehen, ist wahrscheinlich das Alter Ego des Regisseurs selbst (gespielt von seinem griechischen Freund Yorgos Stefanakos) und stellt eine Metapher für sein Durchwandern des großen Showbusiness dar. Es mangelt nicht an amüsanten, bizarren, beunruhigenden und mutigen Momenten, Lanthimos erforscht erneut auf originelle Weise Sexualität, Animalität, Grausamkeit, Dominanz und alles, was wir an ihm lieben. Nur mit einem geringeren Budget und in realen zeitgenössischen Kulissen. [Cannes FF]

Ein antikes Drama aus dem futuristischen New York mit literarischen Zitaten der Klassiker und existenziellen Überlegungen, die lächerlich unpassend zur umgebenden Filmaufführung sind. Einmal sexy, einmal witzig, der Rest der Laufzeit jedoch in der Ästhetik des Mischens von Stilen verlegen bis kitschig, in einer pseudo-postmodernen Art, die für ein breiteres Publikum absolut unverkäuflich ist. Massenszenen mit einem Dutzend Statisten, Kostüme mit Motiven des alten Roms und digitale Szenen wie aus einem TV-Fantasyfilm für Seniorenheime. Ein unbegründetes, nicht durchdachtes Motiv des Anhaltens der Zeit und viele andere angedeutete Gedanken, die nirgendwo hinführen. Ist es überhaupt möglich, dass Coppola das für sein großes Finale hielt, für das er alles gegeben hat? Wie er seine Karriere mit der langen Hochzeitsszene in Der Pate in Fahrt brachte, begräbt er sie jetzt in einem schrecklich theatralischen Event für die Elite von Megalopolis wie in dem Megaflop Caligula. Ansonsten ist Nathalie Emmanuel schön, Aubrey Plaza gefährlich verführerisch und Shia LaBeouf der Beste von allen. [Cannes FF]

Es war klar, dass Garland daraus keinen Blockbuster machen wird. Unklar war aber, was seine meisterhafte Gratwanderung zwischen Realität und Dimensionen jenseits der menschlichen Wahrnehmung in einen Film bringen wird, der eigentlich nur auf rohem Realismus beruhen soll. Civil War enthält auch große Szenen mit Panzern und Hubschraubern, aber ohne das erstaunliche Kameramann-Konzept, das Alfonso Cuarón uns in Children of Men gegeben hat und das hier nötig gewesen wäre. Im Kern ist Civil War einfach ein intimes „Roadmovie“ durch ein zerrüttetes Amerika mit drei erfahrenen und einer jungen Journalistin, deren Unschuld im Kontrast zu ihrer Abgestumpftheit und beruflichen Distanz steht. Unsere Frage, warum ein so junges Mädchen einen solchen Job macht, wird sofort beantwortet. Sie hatte in ihrem ganzen Leben noch nie so viel Angst und sie hat sich noch nie so lebendig gefühlt. ___ Civil War vermeidet Sentimentalität und lockert den düsteren Ton der Geschichte mit amerikanischem Oldie-Pop auf, aber es fehlt die künstlerische Optik, für die wir Garland lieben. Von den ausgesprochen erschreckenden Szenen, aus denen der Film in seiner Gesamtheit hätte bestehen müssen, gibt es nur eine einzige. Sie spiegelt die eindimensionale Mentalität der amerikanischen Redneck-Bevölkerung wider und Jesse Plemons brilliert in ihr. Der Regisseur unterstreicht die Rohheit nicht mit dunkler Instrumentalmusik, sondern mit dem intensiven Klang von Schusswaffen. Und obwohl der Film interessante Figuren hat, fehlt es ihm an raffinierteren und unerwarteten Konflikten sowie an Gedanken, die über Warnungen vor Donald Trump hinausgehen würden. Das Finale ist lächerlich.

Sensationell. Die erzählerische Inspiration vom Oscar-Preisträger Free Solo ist offensichtlich. Dieser handelte vom besten Kletterer der Welt und wurde vom besten Outdoor-Regisseur der Welt gedreht. Skywalkers: A Love Story ist ein enthusiastisches Projekt über ein junges Abenteurerpaar, mit vielen Selfie-Videos mit Handys und Drohnen – darunter einige der adrenalingeladensten. Wer den Film auf der großen Leinwand sieht, kann ihn mit ihnen erleben. Ein Adrenalinrausch! Aber was den Film so sensationell macht, ist die Verflechtung ihres tödlichen Hobbys, in dem sie den Sinn des Lebens finden, mit der Liebesbeziehung, die sich zwischen ihnen entwickelt und ihnen durch absolutes Vertrauen und gegenseitige Unterstützung hilft, das Unmögliche zu erreichen. Und auch die Verortung ihrer Instagram-Geschichte in der Zeit vom Beginn der Pandemie bis zum Einmarsch der Russen in die Ukraine (mit dem sie nicht einverstanden sind). Ein großartiger, sehr emotionaler Liebesbrief. [Miami FF]

Lieber ein kurzes Leben in freier Umgebung als ein langes Nicht-Leben in kommunistischer Diktatur. Eine starke wahre Geschichte über junge Kubaner in den neunziger Jahren, die sich für die Freiheit entschieden haben. Der glückliche Geist des Films kommt in einem isolierten Sanatorium, wo seinen Figuren das Leben durch freiwillig injiziertes HIV verkürzt wird. Denn dort können sie nach ihren eigenen Regeln leben. Der Anfang in der Stadt ist jedoch interessanter – roher, dramatischer, voller Unruhe und rebellischer Energie. Im Sanatorium gibt es auch Klischees und leichten Kitsch in der Charakterkonstellation. Aber das Ende funktioniert gut. Diese Bande hat es verdient, dass ihre Geschichte verfilmt wird. Die Blockbuster-Maker Phil Lord und Christopher Miller streben nach Anerkennung in der unabhängigen Kinematografie. [Miami FF]