POMO

Es war klar, dass Garland daraus keinen Blockbuster machen wird. Unklar war aber, was seine meisterhafte Gratwanderung zwischen Realität und Dimensionen jenseits der menschlichen Wahrnehmung in einen Film bringen wird, der eigentlich nur auf rohem Realismus beruhen soll. Civil War enthält auch große Szenen mit Panzern und Hubschraubern, aber ohne das erstaunliche Kameramann-Konzept, das Alfonso Cuarón uns in Children of Men gegeben hat und das hier nötig gewesen wäre. Im Kern ist Civil War einfach ein intimes „Roadmovie“ durch ein zerrüttetes Amerika mit drei erfahrenen und einer jungen Journalistin, deren Unschuld im Kontrast zu ihrer Abgestumpftheit und beruflichen Distanz steht. Unsere Frage, warum ein so junges Mädchen einen solchen Job macht, wird sofort beantwortet. Sie hatte in ihrem ganzen Leben noch nie so viel Angst und sie hat sich noch nie so lebendig gefühlt. ___ Civil War vermeidet Sentimentalität und lockert den düsteren Ton der Geschichte mit amerikanischem Oldie-Pop auf, aber es fehlt die künstlerische Optik, für die wir Garland lieben. Von den ausgesprochen erschreckenden Szenen, aus denen der Film in seiner Gesamtheit hätte bestehen müssen, gibt es nur eine einzige. Sie spiegelt die eindimensionale Mentalität der amerikanischen Redneck-Bevölkerung wider und Jesse Plemons brilliert in ihr. Der Regisseur unterstreicht die Rohheit nicht mit dunkler Instrumentalmusik, sondern mit dem intensiven Klang von Schusswaffen. Und obwohl der Film interessante Figuren hat, fehlt es ihm an raffinierteren und unerwarteten Konflikten sowie an Gedanken, die über Warnungen vor Donald Trump hinausgehen würden. Das Finale ist lächerlich.

Die erste Hälfte des Films stellt den Protagonisten in seiner jugendlichen Orientierungslosigkeit dar – kurz nach der Trennung, keine Lust auf Arbeit, keine Vorstellung von der Zukunft. Und genauso orientierungslos, mit schwachen Dialogen, den Merkmalen eines Studentenfilms und einem WTF-Erzähler-Fehltritt (zwei völlig fremde Jungs sehen sich für einen Moment durch das Fenster eines vorbeifahrenden Autos und ein paar Stunden später schreiben sie sich SMS), wird es leicht langweilig. Mit dem sich nähernden Hurrikan treten jedoch auch seine Eltern in das Profil seines Alltags ein, frühere Figuren verleihen den Ursachen seiner Einsamkeit sinnvollere Konturen und aus dem Film entwickelt sich ein ehrliches Porträt eines jungen Mannes, der in Miami lebt, mit einer treffend ausgedrückten Identität dieser exotischen Stadt mit dem anfänglichen Wow-Effekt, aber vorgetäuschter Behaglichkeit. [Miami FF]

Lanthimos’ entschiedene Abkehr von seinen letzten Mainstream-Filmen. Er weiß, dass wir ihm alles aus der Hand fressen. Ein dekadentes Rätsel, das an die stickigen Gespräche von P. T. Anderson oder sein frühes griechisches Werk erinnert, jedoch mit Hollywood-Stars und in einem amerikanischen Setting. Mit dem Thema und den am besten ausgearbeiteten Charakteren fesselt uns die erste Geschichte meisterhaft von der ersten Sekunde an. Die zweite verunsichert und die dritte, in Verbindung mit den vorherigen beiden, lädt zur Diskussion am runden Tisch ein. Die mysteriöse, unerklärte Nebenfigur R.M.F., um die sich die Geschichten drehen, ist wahrscheinlich das Alter Ego des Regisseurs selbst (gespielt von seinem griechischen Freund Yorgos Stefanakos) und stellt eine Metapher für sein Durchwandern des großen Showbusiness dar. Es mangelt nicht an amüsanten, bizarren, beunruhigenden und mutigen Momenten, Lanthimos erforscht erneut auf originelle Weise Sexualität, Animalität, Grausamkeit, Dominanz und alles, was wir an ihm lieben. Nur mit einem geringeren Budget und in realen zeitgenössischen Kulissen. [Cannes FF]

Jugendliche aus Island und ein tragisches Ereignis, mit dem sie nicht gerechnet haben. Das Attribut "kammermusikalisch" gewinnt hier noch mehr Bedeutung als gewöhnlich. Detailliert werden die zunehmenden Sorgen um den Verlust eines geliebten Menschen und das anschließende verarbeiten des Schmerzes dargestellt. Die Hauptfigur erlebt dies zudem größtenteils versteckt, ohne Verständnis von außen und daher umso intensiver. Ein kleines, aber emotional und psychologisch reichhaltiges Drama mit einem schönen, poetischen Ende. [Cannes FF]

Lieber ein kurzes Leben in freier Umgebung als ein langes Nicht-Leben in kommunistischer Diktatur. Eine starke wahre Geschichte über junge Kubaner in den neunziger Jahren, die sich für die Freiheit entschieden haben. Der glückliche Geist des Films kommt in einem isolierten Sanatorium, wo seinen Figuren das Leben durch freiwillig injiziertes HIV verkürzt wird. Denn dort können sie nach ihren eigenen Regeln leben. Der Anfang in der Stadt ist jedoch interessanter – roher, dramatischer, voller Unruhe und rebellischer Energie. Im Sanatorium gibt es auch Klischees und leichten Kitsch in der Charakterkonstellation. Aber das Ende funktioniert gut. Diese Bande hat es verdient, dass ihre Geschichte verfilmt wird. Die Blockbuster-Maker Phil Lord und Christopher Miller streben nach Anerkennung in der unabhängigen Kinematografie. [Miami FF]

Ein antikes Drama aus dem futuristischen New York mit literarischen Zitaten der Klassiker und existenziellen Überlegungen, die lächerlich unpassend zur umgebenden Filmaufführung sind. Einmal sexy, einmal witzig, der Rest der Laufzeit jedoch in der Ästhetik des Mischens von Stilen verlegen bis kitschig, in einer pseudo-postmodernen Art, die für ein breiteres Publikum absolut unverkäuflich ist. Massenszenen mit einem Dutzend Statisten, Kostüme mit Motiven des alten Roms und digitale Szenen wie aus einem TV-Fantasyfilm für Seniorenheime. Ein unbegründetes, nicht durchdachtes Motiv des Anhaltens der Zeit und viele andere angedeutete Gedanken, die nirgendwo hinführen. Ist es überhaupt möglich, dass Coppola das für sein großes Finale hielt, für das er alles gegeben hat? Wie er seine Karriere mit der langen Hochzeitsszene in Der Pate in Fahrt brachte, begräbt er sie jetzt in einem schrecklich theatralischen Event für die Elite von Megalopolis wie in dem Megaflop Caligula. Ansonsten ist Nathalie Emmanuel schön, Aubrey Plaza gefährlich verführerisch und Shia LaBeouf der Beste von allen. [Cannes FF]

Die beste Oscar-Verleihung seit langem und das in einem außergewöhnlich starken Filmjahr. Witzige Überraschungen wie der nackte John Cena, Guillermo mit einer riesigen Tequila-Flasche oder die Zwillinge Arnie mit Danny DeVito. Wieder eine perfekte und entspannte Moderation von Jimmy Kimmel, die Statuetten wurden gerecht verteilt. Ich habe mich über alle Ergebnisse gefreut, insbesondere über den besten ausländischen Film und den besten Ton für The Zone of Interest. Eine starke Rede des Regisseurs von 20 Tage in Mariupol! Und der singende Ryan Gosling stahl die Show.

Ein sehr düsteres Drama, inspiriert von einer wahren Geschichte, über die man am besten im Voraus nichts lesen sollte. Denn auch wenn es der Protagonistin Karoline schlecht geht, kommen weitere unerwartete Schläge. Aus der wirkungsvollen Darbietung spürt man den Schmutz und die Verzweiflung der Zeit, an einigen Stellen begeistert der Film sogar mit expressiven Kompositionen, deren Bedeutung symbolisch von Karolines entstelltem Ehemann geprägt wird. Viele Details, über die wir nachdenken, wie und in welchem Unbehagen die Menschen vor ziemlich kurzer Zeit (vor hundert Jahren) gelebt haben. Vic Carmen Sonne in der Hauptrolle führt den Film mit brillanter stummer Leistung, die später auf kleinerem Raum genauso intensiv die Veteranin Trine Dyrholm (wortwörtlich) verdunkelt. Die schauspielerische Mimik spielt hier die Hauptrolle. Die Zuschauerinnen erleben die mütterlichen Momente in der Geschichte noch intensiver, im Saal war oft ein Zischen zu hören und das Verdecken der Augen zu sehen. [Cannes FF]

Der Dokumentarfilm schockiert damit, unter welchen Bedingungen es heutzutage erlaubt ist, ein Tier gefangen zu halten, zusätzlich den öffentlich bekannten Schwertwal Lolita im SeaQuarium in Miami. Als ob es keine Gesetze gegen Tierquälerei gäbe oder niemand hier aufpasste. Der Film verfolgt eine Gruppe von Ureinwohnern aus dem Gebiet seines ursprünglichen Lebensraums, die sich für seine Befreiung einsetzen. Sie erklären die spirituelle Verbindung zu dem Schwertwal und die Bedeutung seiner Rückkehr in heimische Gewässer, wo er nach fünfzig Jahren seine Mutter treffen kann. Emotionen und eine Geschichte wie bei Mein Lehrer, der Krake sollten hier nicht erwartet werden, Resident Orca ist ein reiner TV-Dokumentarfilm mit Interviews mit Menschen rund um das Problem. Seine Stärke besteht in der Frage, ob es gelingen wird, den Schwertwal zu befreien, und im unerwarteten Ausgang der Geschichte. [Miami FF]

Eine sonnige und sehr unterhaltsame Testosteron-Dummheit mit der überraschenden Besetzung von Jake Gyllenhaal, die wieder einmal großartig funktioniert. Doug Liman hilft Joel Silver dabei, seinen 80er-Jahre-Klassiker in ein dynamisches Videoclip-Gewand mit physisch intensiven Kämpfen zu aktualisieren, aber immer mit der Leichtigkeit einer anspruchslosen Heim-VoD-Unterhaltung. Der neue Road House enthält eine einzige psychologisch funktionierende Szene (der Dialog in der Bar mit dem Trauma der Hauptfigur) und hat eher den Charakter einer energischen Punk-Komödie als eines Dramas. Seine komischste Figur ist Gyllenhaals Hauptgegner, die ultimative Kampfmaschine Conor McGregor, der auf eine humorvolle Weise eine übertriebene hirnlose Macho-Souverenität mit kopfloser Raserei verkörpert. Eine Einladung in Fast & Furious ist nach diesem markanten Filmdebüt sicher.