Kriegsfilm - Genres

Charakteristische Merkmale von Kriegsfilmen

Mit dem Begriff "Kriegsfilm" wird ein Filmgenre bezeichnet, dessen Vertreter sich auf einen bestimmten Kriegskonflikt der Menschheitsgeschichte beziehen. Mit diesen Konflikten sind Ereignisse militärischer Natur gemeint, die sich hauptsächlich in der Zeit vom Ersten Weltkrieg (als sich der Kriegsfilm als eigenständiges Genre herauskristallisierte) bis heute ereignet haben. Es gibt Filme, die ältere Konflikte behandeln, die oft lange vor der Erfindung des Kinos liegen, die aber in der Regel als historische Filme gelten und somit einem anderen Genre angehören. Das Ziel von Kriegsfilmen ist es, dem Publikum die Atmosphäre auf den Schlachtfeldern und in den Militärlagern zu vermitteln, ihm die allgemeinen Aspekte des militärischen Lebens und die damalige Stimmung in der Gesellschaft und unter den Kriegsteilnehmern näher zu bringen und die Gefühle der Filmfiguren zu wecken, die mit den Schrecken des Krieges konfrontiert sind und nicht nur die verschiedenen Traumata des Krieges, sondern auch Heldentaten oder die Freude über den Sieg erleben. Viele Kriegsfilme beziehen gegen einen Krieg Stellung, andere betonen den Patriotismus und das Heldentum ihrer Nation, und wieder andere dienten zu ihrer Zeit sogar als Instrumente der Kriegspropaganda.

Kriegsfilme können Land-, Luft- und Seeschlachten zum Thema haben (dies ist jedoch keine Voraussetzung; einige Kriegsfilme zeigen überhaupt keine Kämpfe oder Schlachten), und ihre Handlungen und einzelnen Figuren können entweder völlig fiktiv sein oder auf realen Ereignissen und realen Personen beruhen. Typische Themen von Kriegsfilmen sind freundschaftliche Beziehungen zwischen Soldaten und ihre Bemühungen um das Überleben, Darstellungen von Kriegswirren und militärischen Operationen aller Art, Opfer und Heldentum, Töten, Tod und Zerstörung, Fluchtversuche und Bestrafung von Deserteuren und anderen Übeltätern, die Behandlung der Verwundeten, das Leben der Zivilbevölkerung im Krieg, die absurde Sinnlosigkeit des Krieges und die Sinnlosigkeit und Unmenschlichkeit des Kampfes, die moralischen Fragen, die der Krieg aufwirft, und die Auswirkungen des Krieges und seiner Folgen auf die menschliche Psyche und die Gesellschaft insgesamt.

Die einzelnen Kriegsfilme unterscheiden sich vor allem dadurch, in welcher Zeit und in welchem Land sie entstanden sind, welche Regimes und Ideologien sie geprägt haben und in welchem Umfeld und Zeitraum sie spielen. Weitere Unterschiede können sich auch aus der Form und dem Subgenre der Filme ergeben (es gibt z. B. eine Reihe von Kriegskomödien, Kriegsdokumentationen oder Holocaust-Filmen, die den Völkermord an den Juden und ihr Leiden in den Konzentrationslagern thematisieren) und daraus, ob sie die spektakuläre Kampfhandlung oder die Psychologie der Figuren in den Vordergrund stellen, ob sie sich dem Krieg aus einer allgemeinen oder individuellen Perspektive nähern und auch welche Haltung sie ihm gegenüber einnehmen. Darüber hinaus werden einige Kriegsthemen (große Armeen, Action-Schlachten, traumatische Erinnerungen...) häufig in Filmen anderer Genres und auch in Filmen verwendet, die nicht direkt im Krieg spielen, deren Helden aber z. B. Kriegsveteranen sind.

Kriegsstummfilme, Erster Weltkrieg

Das Motiv des Krieges taucht im Kino seit seinen Anfängen immer wieder auf - eines der frühesten Beispiele ist ein einminütiger Film des Regisseurs Georges Méliès aus dem Jahr 1897 mit dem Titel Combat naval en Grèce, der das Geschehen auf einem Kriegsschiff während des Krieges zwischen Griechenland und der Türkei um die Insel Kreta zeigt, der im selben Jahr stattfand. Vor dem Ersten Weltkrieg waren der Spanisch-Amerikanische Krieg von 1898 (Gegenstand einer Reihe von kurzen Dokumentarfilmen und abendfüllenden Rekonstruktionen) oder der Amerikanische Bürgerkrieg (auch bekannt als der Krieg der Nordstaaten gegen die Südstaaten) von 1861-1865 häufig Gegenstand von Kriegsfilmen (siehe z. B. die Filme des Regisseurs D. W. Griffiths The Fugitive von 1910 oder der später umstrittene und äußerst erfolgreiche Streifen Die Geburt einer Nation von 1915).

Der Erste Weltkrieg wurde dann zur Inspiration für viele Filmemacher und Dokumentarfilmer, die unter anderem Filme über militärische Ausbildungspraktiken, bestimmte Schlachten und militärische Operationen sowie über Kriegsgefangene drehten. Auch Kriegspropaganda war üblich, um für die Armee zu werben und die Unterstützung der Bevölkerung zu gewinnen. So mischte der britische Film Die Schlacht an der Somme (1916) Propaganda mit dokumentarischen Aufnahmen aus den Schützengräben. In dem bedeutenden Propagandafilm von D. W. Griffiths Hearts of the World (1918) über die Besetzung der französischen ländlichen Gebiete wurden tatsächliche Ereignisse im Studio rekonstruiert. Die Slapstick-Komödie Shoulder Arms (1918) von Charlie Chaplin, die zum Teil in den Schützengräben spielt und nur zwei Wochen vor der Ausrufung des Waffenstillstands veröffentlicht wurde, sorgte für Aufsehen. Behind the Door (1919) verbindet auf bemerkenswerte Weise ein Kriegsdrama mit dem Thema Rache. Nach dem Krieg wurde der französische Film I Accuse (1919), der die negativen Folgen der Schrecken des Krieges thematisiert, zu einem wichtigen Antikriegswerk.

In vielen Filmen während und nach dem Krieg wurden die Deutschen als einseitig negative Charaktere dargestellt. Rex Ingrams stark kriegsgegnerischer Film The Four Horsemen of the Apocalypse (1921) bildete hier keine Ausnahme und wurde in Deutschland sogar wegen Aufstachelung zum Völkerhass verboten. King Vidors Die große Parade (1925) hingegen zeichnete sich durch seine realistischen Schlachtfeldszenen aus und wurde zu einem der umsatzstärksten Stummfilme aller Zeiten. Der allererste Oscar in der Kategorie Bester Film ging an den Kriegsfilm Flügel aus Stahl (1927), in dem Flieger der Armee zu sehen waren und der für viele Jahre die Konventionen für die Verfilmung von Luftkämpfen festlegte. Außerdem war er der einzige Stummfilm, der jemals einen Oscar in der Hauptkategorie gewann.

 

Frühe Kriegstonfilme

Nach dem Beginn des Tonzeitalters wurden die Kinos mit Kriegsfilmen überschwemmt - allein 1930 kam Howard Hughes' teurer Big-Budget-Film über Zusammenstöße zwischen britischen und deutschen Piloten Höllenflieger, Howard Hawks' Start in die Dämmerung , in die Kinos, in dem es wiederum um amerikanische Piloten geht, James Whales Journey's End , die Geschichte zweier britischer Offiziere in französischen Schützengräben, und Im Westen nichts Neues, eine Verfilmung des berühmten Antikriegsromans von Erich Maria Remarque über deutsche Wehrpflichtige. In einem anderen Land (1932) basierend auf Ernest Hemingways literarischem Roman wurde später als Film über die tragische Liebe zwischen einem Krankenwagenfahrer und einer Krankenschwester während des Ersten Weltkriegs verfilmt. In Deutschland wiederum schilderte der Film von G.W. Pabst Westfront 1918 (1930) das Geschehen an der Front.

In John Fords abenteuer-psychologischem Kriegsfilm Die vergessene Patrouille (1934) waren die Protagonisten eine Gruppe britischer Soldaten, die durch eine verirrte arabische Kugel irgendwo in der Wüste des Nahen Ostens ihren Kommandanten verloren, der sich als Einziger in der ausgedörrten Gegend auskannte. The Dawn Patrol (1938) handelt von Piloten auf einem britischen Luftwaffenstützpunkt und zeigt die Sinnlosigkeit des Krieges anhand der Charaktere der jungen Piloten, die in den Tod geschickt werden. Das war auch das Thema von Jean Renoirs französischem Antikriegsfilm Die Große Illusion (1937), der allerdings ohne Kampf auskam und die Angst Europas vor weiteren Konflikten widerspiegelte (woraufhin zwei Jahre später der Zweite Weltkrieg begann).

 

Zweiter Weltkrieg

Der Beginn des Zweiten Weltkriegs gab der nächsten Welle von Kriegsfilmen neue Impulse, und der Krieg selbst wurde für viele Filmemacher zu einem der lohnendsten Themen, zu denen sie in Zukunft zurückkehren würden. Ab den frühen 1940er Jahren entstanden in Hollywood und im Vereinigten Königreich stark patriotisch geprägte Filme - wie der mit zwei Oscars ausgezeichnete Sergeant York (1941) von Howard Hawks, der auf der wahren Lebensgeschichte eines äußerst gefeierten Soldaten des Ersten Weltkriegs beruhte. Die Hälfte der zwölf Oscar-Nominierungen verwandelte Mrs. Miniver (1942), der stark propagandistisch geprägt war, sowie Aufstand in Trollness (1943) und The North Star (1943), in denen die Verdienste der alliierten Armeen und Partisanen hervorgehoben wurden. Auch verklärende Propaganda-Dokumentarfilme waren häufig, einige davon wurden sogar direkt in Zusammenarbeit mit der Armee gedreht. Der britische Dokumentarfilm Target for Tonight (1941) beispielsweise, der die Geschichte von Bomberpiloten und ihrer besonderen Mission erzählt, zeigt die wahren Protagonisten der Kämpfe. Auch Animationsfilmer beteiligten sich an der Propaganda, viele von ihnen stammten von Walt Disney - siehe z. B. den mit einem Oscar ausgezeichneten Kurzfilm Der Fuehrer's Face (1942), der das Leben in Nazi-Deutschland durch die Figur Donald Duck auf die Schippe nahm. Im Gegensatz dazu bemühten sich britische Filme wie In Which We Serve (1942) oder The Way Ahead (1944) um Realismus und waren nicht so sehr mit Propaganda belastet.

Zu den Höhepunkten der Kriegsfilme, die während des Krieges in den USA gedreht wurden, gehörten beispielsweise Guadalcanal Diary (1943) und Dreißig Sekunden über Tokio (1944), die den Schwerpunkt auf die Geschichte legten - ersterer handelte von der Schlacht zwischen den Japanern und den Amerikanern um die Pazifikinsel Guadalcanal weniger als ein Jahr nach dem Angriff auf Pearl Harbor, letzterer direkt von dem Überfall auf Pearl Harbor und dem anschließenden amerikanischen Vergeltungsschlag. Schnellboote vor Bataan (1945), in dem eine kleine amerikanische Marineeinheit versucht, die Philippinen gegen eine japanische Offensive zu verteidigen, spielt in der gleichen Zeit, während Bataan (1943) die Ereignisse nach der Invasion schildert. Der Film Schlachtgewitter am Monte Cassino (1945) hingegen konzentrierte sich auf die Ermüdung und die Ängste der Soldaten in der Armee. In Alfred Hitchcocks Das Rettungsboot (1944) finden sich mehrere Passagiere eines gesunkenen Schiffes während des Zweiten Weltkriegs in einem Boot mit einem überlebenden Soldaten des deutschen U-Boots wieder, das für den Untergang verantwortlich war. Amerikanische und britische Filmemacher arbeiteten an dem Kriegsdokumentarfilm The True Glory (1945) zusammen, um die Endphase des Krieges zu rekapitulieren. In Nazi-Deutschland hingegen dienten Kriegsfilme wie Sieg im Westen (1941) oder Kolberg (1945) reinen Propagandazwecken.

In Der Große Diktator (1940), einer Komödie, die den Faschismus aufs Schärfste persiflierte, spielte der Regisseur Charlie Chaplin die Doppelrolle eines jüdischen Friseurs und eines knallharten Diktators, dessen Aussehen und Gestik frappierend an Adolf Hitler erinnerten. Die Praktiken des Dritten Reichs wurden auch in der Kriegskomödie Sein oder Nichtsein (1942) aufgegriffen, in der sich eine Gruppe von Schauspielern, deren Anti-Nazi-Stück verboten wurde, dem Widerstand im besetzten Polen anschloss. In dem Film Sahara (1943) sind die Kriegskonflikte metaphorisch präsent in der Geschichte mehrerer Männer, die die verschiedenen alliierten Armeen repräsentieren und gegen deutsche Soldaten um einen Brunnen in der trockenen Wüste kämpfen. Die Handlung des Films Fünf Gräber bis Kairo (1943) spielt in einem afrikanischen Krisenherd, wo der Protagonist zufällig in einem ägyptischen Hotel das Zelt deutscher Kommandanten entdeckt. Einsatz im Nordatlantik (1943) hingegen spielt in der eisigen See und enthält eine Reihe von Seeschlachtszenen. Darüber hinaus wurden während des Zweiten Weltkriegs mehrere Kriegsfilme gedreht, die sich mit der Vorgeschichte befassen, wie z. B. Wem die Stunde schlägt (1943), der auf dem gleichnamigen Roman über die Guerilla während des Spanischen Bürgerkriegs basiert.

 

Amerikanische und britische Filme nach dem Zweiten Weltkrieg

Einer der bemerkenswertesten Kriegsfilme war der britische Film Irrtum im Jenseits (1946), der ein Schwarz-Weiß-Drama mit farbigen Traumsequenzen kombinierte, in dem ein junger Pilot nur knapp dem Tod entgeht und seitdem von einem himmlischen Boten besucht wird. Zu den amerikanischen Produktionen, die großen Einfluss hatten, gehörten Der Kommandeur (1949), der das Schicksal amerikanischer Flieger in Großbritannien schildert, Todeskommando (1949), der die Kämpfe der Amerikaner gegen die Japaner auf der berühmten Pazifikinsel Iwojima schildert, und Kesselschlacht (1949), die für sechs Oscars nominierte Geschichte einer Fallschirmjägereinheit, die während einer der größten Offensiven der Nazis abgeschnitten wird. Der Film Home of the Brave (1949) befasste sich kritisch mit dem Thema des Rassismus in der amerikanischen Armee.

In den fünfziger und sechziger Jahren gab es nicht mehr so viele Kriegsfilme wie in den vierziger Jahren, aber ihre Popularität war immer noch groß. Der britische Film Der große Atlantik (1953), der die Atlantikschlacht zum Thema hat, und Mai 1943 – Die Zerstörung der Talsperren (1955) über Piloten, die Bomben auf deutsche Staudämme abwerfen, waren außergewöhnlich erfolgreich. Acht Oscars gingen an Fred Zinnemanns Verdammt in alle Ewigkeit (1953), der im Wesentlichen ein romantisches Drama ist, das in Pearl Harbor spielt, bis ein Luftangriff der einmarschierenden Japaner die Liebesbeziehungen mehrerer Figuren gewaltsam stört. Der Streifen Stalag 17 (1953) spielt in einem deutschen Gefangenenlager, ebenso wie The Colditz Story (1955), der die Flucht aus solchen Lagern populär machte. Ardennen 1944 (1956) hingegen befasst sich mit den Widersprüchen innerhalb einer militärischen Einheit, die von einem unfähigen Kommandanten geführt wird. 1957 war ein außergewöhnliches Jahr für das Kriegsgenre, als zahlreiche Kriegsfilme in die Kinos kamen, darunter Einer kam durch, Tag ohne Ende und Bitter war der Sieg, um nur einige zu nennen. Im selben Jahr wurde der mit sieben Oscars ausgezeichnete Film Die Brücke am Kwai unter der Regie von David Lean gezeigt, in dem der Machtmissbrauch während des Krieges durch den Bau einer Brücke in Birma durch alliierte Gefangene unter der Aufsicht ihrer japanischen Gefangenen demonstriert wird.

 

Weitere englischsprachige Kriegsfilme aus den 1960er bis 1980er Jahren

Sieben Oscar-Nominierungen gab es für Die Kanonen von Navarone (1961), über die Aktionen einer kleinen Sabotageeinheit zur Zerstörung deutscher Inselgeschütze. Ebenfalls um fünf Oscars kämpfte der spektakuläre Streifen Der längste Tag (1962), ein authentischer Blick auf den ersten Tag der Landung in der Normandie aus der Perspektive beider Seiten. Das Thema der Flucht aus einem Gefangenenlager wurde in John Sturges' Gesprengte Ketten (1963) auf spektakuläre Weise behandelt. Kriegsfilme wie Der Zug (1964) oder der Spionagefilm Agenten sterben einsam (1968), dessen Helden versuchten, einen britischen General zu befreien, der von den Deutschen im Kehlsteinhaus gefangen genommen worden war, nutzten den Krieg in erster Linie als Kulisse für eine Show von Actionszenen. Spezielle Konflikte standen dann im Mittelpunkt von Die letzte Schlacht (1965), Luftschlacht um England (1969) und Schlacht um Midway (1976).

Der Antikriegsfilm The Long Day's Dying (1968), der die Geschichte dreier britischer Fallschirmjäger erzählt, die in einem verlassenen Bauernhaus in Feindesland gefangen sind, basiert auf Psychologie und spannender Atmosphäre. Der Antikriegsfilm Ein Haufen toller Hunde (1965) unter der Regie von Sidney Lumet spielt in einer Disziplinaranstalt für britische Soldaten in der libyschen Wüste und kritisiert die skrupellosen Methoden von Kommandanten, die ihre Position missbrauchen. Das Modell der Kriegshelden wurde durch Robert Aldrichs Das dreckige Dutzend (1967) konterkariert, dessen Anti-Helden gewalttätige Kriminelle waren, die auf eine Selbstmordmission vorbereitet wurden, bei der es darum ging, in eine bewachte Villa einzudringen, die für Treffen hochrangiger deutscher Kommandanten bestimmt war. Wie ich den Krieg gewann (1967), Catch-22 - Der böse Trick (1970) und Stanley Kubricks Dr. Strangelove oder wie ich lernte, die Bombe zu lieben (1964) gingen den Weg der Kriegssatire und nahmen mit schwarzem Humor den Kalten Krieg und die Gefahr eines Atomkriegs aufs Korn.

Der Film Tora! Tora! Tora! (1970), der sachlich und ohne Pathos den Angriff auf Pearl Harbor aus der Perspektive beider Seiten schildert, wurde in amerikanisch-japanischer Koproduktion gedreht und war in Japan dank seiner Ausgewogenheit und Unparteilichkeit erfolgreich. Das Biopic Patton - Rebell in Uniform (1970), das das Leben eines der größten amerikanischen Militärführer schildert, verwandelte sieben seiner zehn Oscar-Nominierungen. In der zweiten Hälfte der 1970er Jahre wurden verschiedene Themen des Zweiten Weltkriegs in Filmen wie Der Adler ist gelandet (1976), Die Wildgänse kommen (1978), einer losen Fortsetzung von Die Kanonen von Navarone mit dem Titel Der wilde Haufen von Navarone (1978) und Die Brücke von Arnheim (1977) über die größte Luftlandeoperation der Geschichte aufgegriffen. Die pathetische und schwülstige Art einiger amerikanischer Kriegsfilme aus den 1960er und 1970er Jahren wurde von Regisseur Steven Spielberg mit seiner Komödienfarce 1941 - Wo bitte geht's nach Hollywood (1979) gebrochen. Später drehte er das für sechs Oscars nominierte Kriegsdrama Das Reich der Sonne (1987), in dem er die Ereignisse in einem japanischen Gefangenenlager aus der Sicht eines 11-jährigen Jungen schildert. In einem japanischen Kriegsgefangenenlager spielte auch der Film Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983) und Hope and Glory - Der Krieg der Kinder (1987) betrachteten den Krieg ebenfalls mit den Augen eines Kindes.

Darüber hinaus wurden in diesen Jahrzehnten zahlreiche Filme gedreht, die die Ereignisse des Ersten Weltkriegs aufgreifen. Zu den berühmtesten gehören Kubricks Antikriegsfilm Wege zum Ruhm (1957), in dem ein idealistischer Oberst mit den absurden Handlungen seiner Vorgesetzten konfrontiert wird, oder David Leans epochaler und mit sieben Oscars ausgezeichneter Film Lawrence von Arabien (1962), der ein Kriegsthema mit dem biografischen Drama eines britischen Offiziers verbindet, dem es gelingt, die arabischen Stämme in ihrem Kampf gegen die Türken zu vereinen. Der Antikriegsfilm Johnny zieht in den Krieg (1971) basiert auf Dalton Trumbos eigenem Roman über einen verkrüppelten Soldaten. Schlacht in den Wolken (1976), ein Film von Jack Gold über Flieger des Ersten Weltkriegs, bot Luftkämpfe im Doppeldecker. Das australische Drama Gallipoli (1981) von Peter Weir erzählt die Geschichte der Kämpfe auf der türkischen Halbinsel aus der Sicht eines australisch-neuseeländischen Armeekorps.

 

Italienische und spanische Kriegsfilme nach dem Zweiten Weltkrieg

In Italien wurden viele Kriegsfilme vom Neorealismus beeinflusst, der die soziale Realität Nachkriegsitaliens widerspiegelte und sich auf authentische Schauplätze und Geschichten aus dem Leben der Armen und der Arbeiterklasse konzentrierte. Am Ende des Zweiten Weltkriegs trug der Film Rom, offene Stadt (1945) über das Schicksal der einfachen Leute im von den Deutschen besetzten Rom, in dem hauptsächlich Nicht-Schauspieler und Kinder zu sehen waren, dazu bei, diesen Trend zu etablieren und die hoffnungsvolle Zukunft der italienischen Gesellschaft zu symbolisieren. Es folgten u. a. der Kurzfilm Paisa (1946) und später ... und dennoch leben sie (1960) über eine Mutter und ihre Tochter, die aus dem zerbombten Rom in eine Dorfgemeinschaft in den Bergen fliehen. Während des Zweiten Weltkriegs spielen Filme wie Es war Nacht in Rom (1960), Der Weg zurück (1960), Die vier Tage von Neapel (1962) und später Die Haut (1981). Im Gegensatz dazu wurden in Man nannte es den großen Krieg (1959) oder Bataillon der Verlorenen (1970) die Ereignisse des Ersten Weltkriegs aufgegriffen, während sich Schlacht um Algier (1966) auf den Kampf um die algerische Unabhängigkeit in den 1950er und 1960er Jahren konzentrierte.

Darüber hinaus entstand in Italien ein rein kommerzielles Kriegsgenre namens "guerra", das vor allem aus Action-Abenteuerfilmen bestand, die attraktive Kriegsthemen aufgriffen, wie z. B. Hell in Normandy (1967), Todeskommando Tobruk (1969) und Die Ranger (1970). Zur gleichen Zeit wurden in Spanien auch billige Guerilla-Filme gedreht, wie Monte Cassino (1969) oder Entführt Rommel (1970). Die ernsthafteren spanischen Kriegsfilme wurden jedoch von den Themen des Spanischen Bürgerkriegs und des nachfolgenden Franco-Faschismus dominiert, die erst nach dem Tod des Diktators, d. h. ab der zweiten Hälfte der 1970er Jahre, angemessen reflektiert wurden. Das Leben während und nach dem Krieg wurde in Filmen wie Der Geist des Bienenstocks (1973) und Bicycles Are for the Summer (1984) dargestellt. Weitere spanische Kriegsfilme sind der satirische Film The Heifer (1985) und der preisgekrönte Streifen Ay Carmela! - Lied der Freiheit (1990).

 

Europäische Kriegsfilme nach dem Zweiten Weltkrieg aus anderen Ländern

Das französische Kriegsdrama Verbotene Spiele (1952), in dem zwei Kinder leicht morbide Spiele spielen, erhielt einen Ehren-Oscar und eine Reihe weiterer internationaler Auszeichnungen. Viele andere französische Kriegsfilme wurden in internationaler Koproduktion gedreht, oft mit Italien, Spanien oder Westdeutschland. Zu den bekanntesten gehören Taxi nach Tobruk (1960), Die Karabinieri (1963), Dünkirchen, 2. Juni 1940 (1964), Armee im Schatten (1969), Das alte Gewehr (1975), Die letzte Metro (1980) und Die Glorreichen (1984). Beliebt waren auch die französischen Kriegskomödien Drei Bruchpiloten in Paris (1966), Rookies Run Amok (1971) oder Wo bitte ist die 7. Kompanie geblieben? (1973). In Deutschland waren Filme wie Die Brücke (1959) und Die Blechtrommel (1979) erfolgreich, während ostdeutsche Filme wie Sterne (1959), Der Fall Gleiwitz (1961), Nackt unter Wölfen (1963) und Die Frau und der Fremde (1985) ebenfalls erwähnenswert sind.

In Polen war einer der Hauptvertreter des Kriegsfilms der Regisseur Andrzej Wajda, der durch seine Filme Eine Generation (1954), Der Kanal (1956), Speed (1959), Samson (1961) und Landscape After Battle (1970) bekannt wurde. Weitere erwähnenswerte polnische Kriegsfilme sind Eroica (1957), Cross of Valor (1958), Birth Certificate (1961) und die dreiteilige Kriegskomödie Wie ich den zweiten Weltkrieg begann (1969). In der Tschechoslowakei gehörten zum Kriegsgenre beispielsweise die beliebten humoristischen Filme Der brave Soldat Schwejk in Prag (1956) und Melde gehorsamst - Der brave Soldat Schwejk (1957), die im Ersten Weltkrieg spielen, dann u. a. Hauptmann Dabac (1959), Laundryboy (1960), Der Tod heißt Engelchen (1963) und 10 Uhr 30: Attentat (1964) sowie der Film Riders in the Sky (1968) über tschechoslowakische Flieger im Dienste der britischen Royal Air Force. Bedeutend waren auch der spätere Antikriegsfilm Signum Laudis (1980), der vor dem Hintergrund zweier Geschichten aus dem Ersten Weltkrieg Machtmissbrauch und fanatische Befehlsbefolgung kritisierte, sowie Cuckoo in a Dark Forest (1984), eine Koproduktion mit Polen.

Zu den jugoslawischen Produktionen gehören die Kriegsdramen Die Schlacht an der Neretva (1969), eine Hommage an die jugoslawischen Partisanen im Zweiten Weltkrieg, und Okkupation in 26 Bildern (1978), in dem der Krieg drei Freunde aus wohlhabenden Dubrovniker Familien entzweit. Nicht zu vergessen sind The Girl (1965), Männer in Nacht und Flammen (1967), Ein serbischer Morgen (1967), Serbische Schuhputzerballade (1969), Unternehmen Lauffer (1972) und The Fall of Italy (1981). Ebenfalls erwähnenswert sind der finnische Film Trommelfeuer über Karelien (1955), das Remake mit dem Titel Der unbekannte Soldat (1985) und Winterkrieg (1989). Weitere Filme sind der schwedische Streifen Schande (1968), der ungarische Film The Fifth Seal (1976), das niederländische Movie Der Soldat von Oranien (1977) und Die Gezeichneten (1948), eine schweizerisch-amerikanische Koproduktion, die kurz nach dem Zweiten Weltkrieg entstand.

 

Sowjetische Kriegsfilme

Der berühmteste sowjetische Film der Stummfilmzeit war Panzerkreuzer Potemkin (1925), der unter anderem wegen seiner eindrucksvollen Szene des Massakers auf den Treppen von Odessa in die Geschichte einging und dessen Regisseur Sergei M. Eisenstein zu einem der Hauptvertreter der sowjetischen Montageschule wurde. Anlässlich des zehnten Jahrestages der russischen Oktoberrevolution drehte Eisenstein den Film Zehn Tage, die die Welt erschütterten (1928) und aus demselben Grund auch Das Ende von Sant Petersburg (1927) und Moscow in October (1927). Die anderen Momente des russischen Bürgerkriegs wurden u. a. in Chapayev (1934) und Lenin in 1918 (1939) und später in Die Kommissarin (1967) dargestellt, dessen Heldin Angehörige der Roten Armee war, die zwischen revolutionärem Fanatismus und mütterlichen Gefühlen hin- und hergerissen wurde. Die während des Zweiten Weltkriegs gedrehten Werke waren häufig von propagandistischen Absichten beeinflusst; es war üblich, den Patriotismus, die Tapferkeit und die Entschlossenheit heldenhafter russischer Soldaten darzustellen und den deutschen Feind zu verunglimpfen, indem man seine monströsen Taten hervorhob. Die Filme Moscow Skies (1944) und The Sky Slow-Mover (1945) zum Beispiel erzählten die Geschichte von heldenhaften sowjetischen Fliegern. Der Film Son of the Regiment (1946) über einen Waisenjungen, der sich unter den Fittichen einer Artillerieeinheit versteckt, richtete sich durch seinen kindlichen Protagonisten an junge Zuschauer.

Engagierte Patrioten und unbeugsame Helden aus den Reihen der einfachen Arbeiter waren auch nach dem Krieg ein häufiges Thema - so schilderte beispielsweise Der wahre Mensch (1948) das Drama eines abgestürzten Piloten, dem nach dem Absturz auf feindlichem Gebiet trotz schwerer Verletzungen die Flucht in die Freiheit gelang. Ab der zweiten Hälfte der 1950er Jahre legten jedoch viele sowjetische Filme ihren Schwerpunkt nicht mehr auf den Patriotismus und kritisierten stattdessen den Krieg und reflektierten radikal seine negativen Auswirkungen auf die Landschaft, die Gesellschaft und das individuelle Schicksal der Menschen. In Michail Kalatosows Die Kraniche ziehen (1957) wurde beispielsweise anhand der Geschichte einer jungen Frau in Moskau gezeigt, wie grausam sich der Krieg auf das Leben der Mehrheit der Bevölkerung ausgewirkt hatte, und in Sergej Bondartschuks Ein Menschenschicksal (1959) hatte der Krieg einem Vater, der an die Front einberufen worden war, fast seine gesamte Familie genommen. Die Bilder eines vom Krieg verwüsteten Landes bot Grigori Tschuchrais Ballad of a Soldier (1959), dessen junger, gutherziger Held für die Entschärfung feindlicher Panzer mit einem Passierschein belohnt wurde, mit dem er weit reisen konnte, um seine Mutter zu besuchen. In seinem Debüt Iwans Kindheit (1962) wiederum widmete sich Regisseur Andrei Tarkowski der Geschichte eines 11-jährigen Jungen, dessen Mutter während des Krieges ermordet wurde.

Der Regisseur Juri Oserow war berühmt für seine epischen, groß angelegten Chroniken wie die fünfteilige Serie Befreiung (1969-1971), das siebenstündige Kriegsdrama Soldaten der Freiheit (1977), das sechsstündige Epos Die Schlacht um Moskau (1985) und das dreistündige Movie Stalingrad (1990), das nicht mehr ideologisch gefärbt war und einen mehr oder weniger ausgewogenen Blick auf eine der wichtigsten Schlachten des Zweiten Weltkriegs warf. Von Bedeutung war auch die Partisanen-Trilogie des Regisseurs Igor Gostew, bestehend aus Front ohne Flanken (1974), Front hinter der Frontlinie (1977) und Im Rücken des Feindes (1981). Der Film The Hot Snow (1972) erzählt die Geschichte russischer Artilleristen, die während der Belagerung von Stalingrad versuchen, deutsche Panzer zu zerstören. Blockade (1974) handelte ebenfalls von der Belagerung Leningrads. Erwähnenswert ist der für einen Oscar nominierte Kriegsfilm Im Morgengrauen ist es noch still (1972), in dem ein rein weibliches Militärregiment einem freiwilligen Kommandeur unterstellt wurde. Bondartschuks Filme Sie kämpften für die Heimat (1975) über den Rückzug der sowjetischen Truppen vor den Deutschen in Richtung Stalingrad und Aufstieg (1977) der Regisseurin Larisa Schepitko über das Schicksal zweier weißrussischer Partisanen in deutscher Gefangenschaft wurden mehrfach ausgezeichnet, ebenso Elem Klimows Drama Geh und sieh (1985), das die Schrecken des Krieges aus der Perspektive eines 14-jährigen Partisanen schildert, dessen zunehmendes psychologisches Trauma sich allmählich auf sein Äußeres auswirkt und ihn bis zur Unkenntlichkeit verändert.

 

Vietnamkrieg

Der fast zwanzig Jahre andauernde Konflikt in Vietnam, in den Amerika stark involviert war, spiegelte sich in Hollywood erst gegen Ende des Konflikts wider - die Filmindustrie befand sich zu dieser Zeit in einer Krise, und das Thema Vietnam war aufgrund der starken Proteste gegen die Beteiligung der USA am Krieg ein sehr sensibles Thema. Eine der wenigen Ausnahmen war Die grünen Teufel (1968), ein patriotischer Film aus der Kriegszeit über einen Oberst, der einen vietnamesischen Kommandanten entführen soll. Robert Altmans komödiantisch angehauchter und mit fünf Oscars ausgezeichneter Film M.A.S.H. (1970) spielte zwar in Korea, war aber ansonsten eindeutig eine Anspielung auf den Vietnamkrieg. Die Filmemacher begannen jedoch erst in der zweiten Hälfte der 1970er Jahre, sich mit diesem Thema zu befassen, und stellten vietnamesische Soldaten in Filmen oft stereotyp dar, indem sie ihnen übermäßige Unmenschlichkeit und Grausamkeit zuschrieben, und vietnamesische Zivilisten als passive Opfer oder Prostituierte. Im Gegensatz dazu stand zum Beispiel der vietnamesische Film Wildes Feld (1979), in dem die feindlichen Amerikaner mit Nachsicht und Verständnis behandelt wurden.

Einer der berühmtesten Filme aus dieser Zeit ist Michael Ciminos mit fünf Oscars ausgezeichnetes psychologisches Kriegsdrama The Deer Hunter - Die durch die Hölle gehen (1978), das anhand der Geschichte mehrerer durch die Schrecken des Krieges traumatisierter Männer den Kontrast zwischen dem idyllischen Leben vor ihrem Kriegseintritt und dem unruhigen Dasein voller Enttäuschung und Skepsis nach ihrer Rückkehr schildert, oder Francis Ford Coppolas achtmal für den Oscar nominierter Film Apocalypse Now (1979), der die Atmosphäre der vietnamesischen Dschungelhölle des Krieges durch das Schicksal eines amerikanischen Hauptmanns auf der Suche nach einem mysteriöserweise verschwundenen Oberst heraufbeschwört. Hal Ashbys Antikriegsfilm Coming Home - Sie kehren heim (1978) hingegen vermied es, die Wirren des Krieges zu zeigen und konzentrierte sich auf die Schwierigkeiten eines Soldaten und seiner Frau, die sich während der Abwesenheit ihres Mannes in einen behinderten Kriegsveteranen verliebt. Platoon (1986) war ebenfalls ein wichtiger Beitrag zum Kriegsfilmgenre, und sein Regisseur Oliver Stone stützte sich dabei auf seine Erinnerungen an seine eigene Zeit in der US-Armee auf vietnamesischem Boden. In Geboren am 4. Juli (1989), einem Film über einen gelähmten Kriegsveteranen, und in dem Drama Zwischen Himmel und Hölle (1993) kehrte Oliver Stone dann zum Thema Vietnam zurück. Auch Regisseur Stanley Kubrick schrieb Kriegsfilmgeschichte mit Full Metal Jacket (1987), dessen erste Hälfte in einem harten Ausbildungszentrum des Marine Corps spielt, während die zweite Hälfte an der Front in Vietnam angesiedelt ist.

Zu den weiteren Filmen, die sich mit dem Vietnamkrieg befassen, gehören Rambo I - First Blood (1982), in dem es um einen Veteranen geht, der sich nach seiner Rückkehr in die Heimat nicht an das normale Leben gewöhnen kann, und die wesentlich actionreichere Fortsetzung Rambo II - Der Auftrag (1985), in dem das explosive Gemetzel an Dutzenden von kommunistischen Feinden als Heilmittel für die nationale Mentalität der Amerikaner in Bezug auf den verlorenen Krieg diente. Dann gab es noch Coppolas Der steinerne Garten (1987), John Irvins Hamburger Hill (1987), Platoon Leader - Der Krieg kennt keine Helden (1988) und Die Verdammten des Krieges (1989) sowie Barry Levinsons Good Morning, Vietnam (1987), der aus der Perspektive eines beliebten Radiosprechers der Armee erzählt wird, um nur einige zu nennen. Sechs der dreizehn Oscar-Nominierungen verwandelte Robert Zemeckis' Forrest Gump (1994), der den Vietnamkrieg aus der Sicht eines Einfaltspinsels schildert, der auf seinem Lebensweg bei den wichtigsten Ereignissen der amerikanischen Geschichte von den 1950er bis zu den 1980er Jahren stets persönlich anwesend war. Spätere Filme beschäftigten sich mit den Kämpfen in Vietnam, darunter Tigerland (2000), Wir waren Helden (2002), The Last Full Measure (2019), Danger Close: The Battle of Long Tan (2019) oder Da 5 Bloods (2020), in denen vier Veteranen nach Jahren nach Vietnam zurückkehren, um die sterblichen Überreste ihres gefallenen Kommandanten und einen vergrabenen Goldschatz zu finden.

 

U-Boot-Kriegsfilme

U-Boot-Filme stellen ein spezielles Subgenre innerhalb der Kriegsfilme dar, das sich auf Marineoperationen unter dem Meer konzentriert. Die Handlung dieser Filme dreht sich um die Geschehnisse in einem U-Boot, und die Charaktere sind Mitglieder von nicht sehr großen Besatzungen, die sich Angriffen von feindlichen Schiffen, in der Regel Zerstörern oder anderen U-Booten, gegenübersehen. Anstelle von wilder Kriegsaction basieren U-Boot-Filme in der Regel eher auf dem Aufbau psychologischer Spannung, die durch die Arbeit mit Atmosphäre (klaustrophobische Gefühle von Enge, Umgebungsdruck und die ständige Gefahr von technischem Versagen oder mechanischer Beschädigung des Rumpfes), Ton (Sonar-Piepen, quietschende Metallverbindungen, mehr oder weniger weit entfernte Explosionen von Wasserbomben..) und mit Stille (weil die Besatzung in der Regel versucht, kein Geräusch zu machen, wenn sie auf einen unsichtbaren Feind trifft) gesteigert wird. Die meisten U-Boot-Filme befassen sich mit den Ereignissen des Ersten und vor allem des Zweiten Weltkriegs, einige spielen aber auch während des Kalten Krieges. Zu den U-Boot-Filmen gehören auch Nicht-Kriegsfilme über U-Boote, die z. B. in das Genre der Science Fiction fallen.

U-Boote tauchten in Filmen auf, die während und nach dem Ersten Weltkrieg gedreht wurden, aber vollwertige U-Boot-Filme wurden erst etwas später gedreht. Frank Capras Submarine (1928) zum Beispiel erzählte die Geschichte zweier ehemaliger Freunde, von denen einer in einem kaputten U-Boot gefangen ist und der andere als erfahrener Taucher sich aufmacht, ihn zu retten. Die Handlung des deutschen Films Morgenrot (1933) spielte sich bereits größtenteils in den Eingeweiden eines U-Boots ab, ebenso wie die des amerikanischen Films Submarine Patrol (1938) von John Ford. Die Helden des britischen Films Der Spion in Schwarz (1939) hatten es mit deutschen Spionen und einem U-Boot-Kapitän zu tun, der den Auftrag hatte, die britische Flotte zu versenken. Während des Zweiten Weltkriegs wurden U-Boot-Filme wie Crash Dive (1943), Destination Tokyo (1943) oder We Dive at Dawn (1943) gedreht, aber auch der rein propagandistische Streifen 49th Parallel (1941). Nach dem Krieg wurden unter anderem Unternehmen Seeadler (1951), Submarine – U-Boote greifen an (1955), Duell im Atlantik (1957), U 23 – Tödliche Tiefen (1958) und Torpedo los! (1958) bekannt.

Zu den U-Boot-Filmen, die während des Kalten Krieges spielten, gehörten damals Filme wie Zwischenfall im Atlantik (1965) oder U-Boot in Not (1978), später auch Jagd auf Roter Oktober von John McTiernan (1990), dessen Protagonist beweisen muss, dass ein sowjetisches U-Boot, das sich den USA nähert, in Wirklichkeit von einem auswanderungswilligen Kapitän befehligt wird, oder Crimson Tide - In tiefster Gefahr von Tony Scott (1995), über eine Meuterei auf dem zerstörerischsten Atom-U-Boot des US-Militärs. Regisseur Wolfgang Petersen kehrte mit seinem deutschen Kriegsepos Das Boot (1981), das für fünf Oscars nominiert wurde und bis heute als einer der besten U-Boot-Filme der Filmgeschichte gilt, zu den Ereignissen des Zweiten Weltkriegs zurück. Kurz nach der Jahrtausendwende entstanden die Filme U-571 - Mission im Atlantik (2000), eine Actiongeschichte über die Suche nach dem Enigma-Dechiffriergerät an Bord eines zerstörten deutschen U-Boots, und K-19: Showdown in der Tiefe (2002) über den Versuch, einen Atomreaktor in einem sowjetischen U-Boot zu reparieren, das zu explodieren droht. Zu späteren Werken zählen der Action-Kriegsfilm Hunter Killer (2018) oder das weniger actiongeladene Drama Kursk (2018), inspiriert von einem realen Vorfall im Jahr 2000, als ein russisches U-Boot nach einer plötzlichen Explosion mehrerer Torpedos mitsamt seiner Besatzung sank.

 

Chinesische und japanische Kriegsfilme

In China gewann das Kriegsgenre in den späten 1930er und 1940er Jahren an Bedeutung, und die produzierten Filme waren in der Regel stark patriotisch geprägt, was durch die kommunistische Machtübernahme im Jahr 1949 noch unterstrichen wurde. Bereits in dem Film Die Helden von Pei-Yang-Ting (1950), der die Kämpfe der Bauern im chinesisch-japanischen Krieg schildert, waren die Hauptfiguren ein Paar heldenhafter Landbewohner, Revolutionäre und Mitglieder der ruhmreichen Kommunistischen Partei. Die siegreichen Schlachten der chinesischen Volksbefreiungsarmee waren auch Gegenstand des Kriegsfilms From Victory to Victory (1952). Die meisten chinesischen Filme (nicht nur Kriegsfilme) der folgenden Jahrzehnte waren stark propagandistisch geprägt, vom Drama Battle on Shangganling Mountain (1956), das die heroischen Opfer chinesischer Soldaten im Kampf gegen die Amerikaner im Koreakrieg schildert, bis hin zu Sparkling Red Star (1974), der während der chinesischen Kulturrevolution entstand.

Die Wende kam mit dem Kriegsfilm Morgen der Entscheidung (1983), der von einer neuen Generation ideologisch unbelasteter Filmemacher getragen wurde, die sich auf die Geschichte, die Figuren und die künstlerischen Werte des Films konzentrierten und den Weg für nachfolgende Filme wie Wreaths at the Foot of the Mountain (1985) und Rotes Kornfeld (1987) ebneten. Die sich verändernde politische Situation in China wurde vor dem Hintergrund der Geschichte einer Familie in dem Kriegsdrama Leben! (1994) dargestellt, der Zweite Weltkrieg war der Schauplatz von Heroes of War (2007), der versuchte, amerikanischen Kriegsfilmen nachzueifern, und City of Life and Death - Das Nanjing Massaker (2009) handelte von dem Massaker an der chinesischen Bevölkerung durch japanische Soldaten in der zweiten Hälfte der 1930er Jahre, ein Thema, zu dem viele Filmemacher zurückgekehrt sind. Moderne Kriegsfilme wie Sky Hunter (2017), Operation Red Sea (2018) oder die Filmreihe Wolf Warrior (seit 2015) sind als patriotisch angehauchte Actionunterhaltung erfolgreich, die China als unbesiegbare Macht darstellen soll, mit der nicht zu spaßen ist.

In Japan wurden Propagandafilme vor allem während des Zweiten Weltkriegs gedreht, aber im folgenden Jahrzehnt wurden sie durch Antikriegsfilme ersetzt, die sich auf spirituell-pazifistische Botschaften (siehe den poetischen Film Die Harfe von Burma von (1956) und individuelle menschliche Schicksale (siehe Feuer im Grasland vom selben Regisseur von 1959) konzentrierten. Barfuß durch die Hölle, ein monumentales sechsteiliges, fast zehnstündiges Kriegsfresko, das zwischen 1959 und 1961 gedreht wurde und das Schicksal eines jungen Soldaten im Zweiten Weltkrieg schildert, war eine bedeutende Leistung. Traditionellere Kriegsfilme waren zum Beispiel Japan's Longest Day (1967) oder Kamikaze Okinawa Zero (1971). Die Traumata der Nachkriegszeit wurden in Unter dem Banner der aufgehenden Sonne (1972), Kinder von Hiroshima (1952) und Children of Nagasaki (1983) verarbeitet. Darüber hinaus haben japanische Animefilme auch Kriegsthemen aufgegriffen, unter anderem in Barefoot Gen (1983), Die letzten Glühwürmchen (1988) und In This Corner of the World (2016).

 

Amerikanische und britische Kriegsfilme in den 1990er Jahren

Memphis Belle (1990) war eine Hommage an die amerikanische Besatzung des berühmten Bombers der britischen Luftwaffe während des Zweiten Weltkriegs, der sich durch realistisch gedrehte Luftaufnahmen auszeichnete. Spezialeinheit IQ (1992) spielt ebenfalls während des Zweiten Weltkriegs, ebenso wie das mit neun Oscars ausgezeichnete romantische Kriegsdrama Der englische Patient (1996), in dem ein verwundeter Soldat einer Krankenschwester seine Erinnerungen an die Ereignisse vor und während des Krieges erzählt. Neil Jordans Michael Collins (1996) drehte sich um den Mann, der die Irisch-Republikanische Armee gründete und es schaffte, die Massen während des irischen Unabhängigkeitskampfes zu einen. Mut zur Wahrheit (1996) und der komödiantisch stilisierte Film Three Kings (1999) wurden durch den Golfkrieg inspiriert, ebenso wie Sam Mendes' späterer Film Jarhead - Willkommen im Dreck (2005), der in der sonnendurchfluteten arabischen Wüste spielt. In Der schmale Grat (1998) schilderte Regisseur Terrence Malick die Schlacht zwischen den Amerikanern und den Japanern um die Pazifikinsel Guadalcanal und konzentrierte sich dabei weniger auf die Kriegswirren als auf einen psychologischen Tauchgang in die Seelen der Soldaten, die von Angst und Ungewissheit erfüllt sind.

Steven Spielberg, dessen gefeierter Holocaust-Film über einen Geschäftsmann und Retter von Hunderten von Juden aus Konzentrationslagern Schindlers Liste (1993) sieben Oscars gewann, feierte einen weiteren Erfolg mit Der Soldat James Ryan (1998), der fünf der elf Oscar-Nominierungen verwandelte und dem Kriegsfilmgenre eine moderne, innovative Form verlieh. Diese epische Geschichte über eine Rettungsaktion, begleitet von einer naturalistischen Handkamera-Sequenz der Landung in der Normandie, wurde ein großer Erfolg und belebte das Interesse an Kriegsfilmen aus dem Zweiten Weltkrieg neu. Thematisch folgten Filme wie Duell - Enemy at the Gates (2001), Das Tribunal (2002) und Pearl Harbor (2001), in dem Regisseur Michael Bay die Handlung des Angriffs auf den berühmten hawaiianischen Hafen mit der Geschichte eines Liebesdreiecks vermischt.

 

Amerikanische und britische Kriegsfilme nach 2001

Die Ereignisse des 11. September 2001 führten zum Krieg der USA gegen den Terrorismus, der unter anderem den Film Zero Dark Thirty - Die Jagd auf Osama bin Laden (2011) über den Militärangriff auf Osama bin Laden inspirierte. Der anschließende Krieg in Afghanistan war Gegenstand von Filmen wie Lone Survivor (2013) und Operation: 12 Strong (2018), während der Krieg im Irak Gegenstand von The Messenger - Die letzte Nachricht (2009), Green Zone (2010), dem sechsmal für den Oscar nominierten American Sniper (2014) und dem sechsmal mit dem Oscar ausgezeichneten Kriegsdrama Tödliches Kommando - The Hurt Locker (2008) war, in dem es um das Leben von Bombenentschärfern der Armee ging. Im Mittelpunkt von Ridley Scotts Kriegsdrama Black Hawk Down (2001) steht das Schicksal einer Eliteeinheit der US-Armee, die bei einem bevorstehenden Einsatz in Somalia die Stärke des Feindes gründlich unterschätzt. Verschiedene afrikanische Länder waren auch Schauplatz für Tränen der Sonne (Nigeria) aus dem Jahr 2003, Hotel Ruanda (Ruanda) aus dem Jahr 2004, Beasts of No Nation (Liberia) aus dem Jahr 2015 und 13 Hours: The Secret Soldiers of Benghazi von 2016 (Libyen).

Der Zweite Weltkrieg war der Schauplatz für Enigma - Das Geheimnis (2001), Unbeugsam - Defiance (2008) und den für sieben Oscars nominierten Film Abbitte (2007), der für seine einmalige Strandszene in Dünkirchen und sein postmodernes metafiktionales Ende berühmt wurde. 2006 drehte Regisseur Clint Eastwood zwei Filme über die Schlacht von Iwo Jima, wobei er in Flags of Our Fathers eine amerikanische und in Letters from Iwo Jima eine japanische Perspektive bezog. Der Protagonist von Bryan Singers Operation Walküre - Das Stauffenberg-Attentat (2008) war ein vom Krieg gezeichneter Oberst, der den Auftrag hatte, Hitler zu ermorden. Hitler tauchte später in Quentin Tarantinos Inglourious Basterds (2009) auf, einem Film, der sich in den Gewässern der alternativen Geschichte bewegte, indem er den Verlauf des Zweiten Weltkriegs in einer Geschichte über eine Militäreinheit, die auf die Ermordung hochrangiger Nazis spezialisiert ist, grundlegend veränderte. In Gefährten (2011) kehrte Steven Spielberg in den Ersten Weltkrieg zurück und verfilmte ihn aus der Perspektive der Hauptfigur, eines Pferdes.

In The Imitation Game - Ein streng geheimes Leben (2014), nominiert für acht Oscars, spielt Alan Turing, ein Mathematiker und Kryptoanalytiker, dessen Team im Zweiten Weltkrieg den Enigma-Code knacken konnte, die Hauptrolle. Der Zweite Weltkrieg wurde auch in David Ayers Fury - Herz aus Stahl (2014), einem Panzern gewidmeten Film, in Robert Zemeckis' Allied - Vertraute Fremde (2016), in dem ein verheiratetes britisches Spionagepaar durch gegenseitiges Misstrauen auseinandergerissen wird, und in Joe Wrights für sechs Oscars nominiertem Film Die dunkelste Stunde (2017), der sich mit der Persönlichkeit Winston Churchills befasst, aufgegriffen. Dann gibt es noch Christopher Nolans Dunkirk (2017), der für acht Oscars nominiert wurde und die Sinne des Publikums über die Evakuierung der alliierten Truppen aus Nordfrankreich beansprucht, Roland Emmerichs Midway - Für die Freiheit (2019), ein Remake des gleichnamigen Films von 1976, und Aaron Schneiders Greyhound - Schlacht im Atlantik (2020), der die Geschichte eines Seekapitäns in der Atlantikschlacht erzählt. Der Erste Weltkrieg war das Thema von Sam Mendes' für zehn Oscars nominiertem Kriegsdrama 1917 (2019) über die Reise zweier Soldaten, die eine Einheit retten, die in einen feindlichen Hinterhalt gerät. Ein visueller Leckerbissen, unterstützt von einer berauschenden Kinematografie, die Zeit und Raum durch lange Einstellungen präsent macht.

 

Russische, polnische, französische und deutsche Kriegsfilme ab den 1990er Jahren

Regisseur Nikita Michalkow gewann einen Oscar für sein poetisch-melancholisches Drama Die Sonne, die uns täuscht (1994), das während der stalinistischen Säuberungen spielt, aber in den losen Fortsetzungen Die Sonne, die uns täuscht - Der Exodus (2010) und Die Sonne, die uns täuscht - die Zitadelle (2011) schlug unerwartet den Weg des spektakulären Kriegspathos' ein. Ihm folgte der Regisseur Sergey Bodrow mit Gefangen im Kaukasus (1996), einem intimen Film, in dem ein zurückgezogen lebender Bergbewohner zwei Soldaten in seinem Haus gefangen hält, um sie gegen seinen gefangenen Sohn einzutauschen. Der Action-Kriegsfilm Chechenia Warrior 2 (2002) spielt während des Tschetschenienkriegs, 9 Rota (2005) konzentriert sich auf den sowjetisch-afghanischen Krieg, Kukushka - Der Kuckuck (2002) erzählt die Geschichte zweier flüchtender Soldaten, die am Ende des Zweiten Weltkriegs bei einer jungen Frau aus Lappland Zuflucht suchen, und Admiral - Warrior. Hero. Legend. (2008) geht zurück in den russischen Bürgerkrieg. Zu den weiteren Filmen über verschiedene Ereignisse des Zweiten Weltkriegs gehören Leningrad - Die Blockade (2007), Sturm auf Festung Brest (2010), Red Sniper - Die Todesschützin (2015), 28 Soldiers (2016), T34 - Das Duell (2018) und 1942: Ostfront (2019), von denen sich die meisten in erster Linie auf die am wirkungsvollsten dargestellte Handlung stützen.

Der preisgekrönte Film Europa Europa (1990), in dem es um das Schicksal eines jüdischen jungen Mannes geht, der von den Ereignissen des Zweiten Weltkriegs mitgeschleift wird, machte die polnische Regisseurin Agnieszka Holland bekannt, die dann in In Darkness (2011), über eine Gruppe von Juden, die sich in der Kanalisation der Stadt vor den Nazis verstecken, auf dieselbe Zeit zurückkam. Andrzej Wajda blieb eine wichtige Figur des polnischen Kriegskinos. Nach dem biografischen Film Korczak (1990) und dem Psychodrama Die Karwoche (1995) folgte der sehr persönliche Film Katyn (2007), der das Massaker an polnischen Offizieren durch die sowjetische Geheimpolizei im Jahr 1940 schildert. Weitere polnische Filme, die während des Zweiten Weltkriegs spielen, sind Joanna (2010), Operation Arsenal - Schlacht um Warschau (2014), Warsaw Uprising (2014), Warschau '44 (2014) und Sommer 1943 - Das Ende der Unschuld (2016) über die ethnische Säuberung der polnischen Bevölkerung durch ukrainische Nationalisten.

Eine der französischen Produktionen, die mit dem Oscar ausgezeichnet wurde, war das romantische Kriegsdrama Indochine (1992), das in den 1930er Jahren spielt, als Vietnam eine französische Kolonie war. Zehn Jahre später wurde Der Pianist (2002), eine Koproduktion zwischen Frankreich, Deutschland, Polen und anderen Ländern, von Roman Polanski, der drei Oscars gewann, gedreht und handelt vom Schicksal eines jüdischen Musikers im von den Nazis besetzten Polen und dem Warschauer Ghetto. Internationale Anerkennung fanden der französische Film A Very Long Engagement (2004), der im Ersten Weltkrieg spielt, sowie Merry Christmas (2005), der die Situation in den Schützengräben am Weihnachtsabend 1914 beschreibt. Weitere französische Filme, die sich mit dem Zweiten Weltkrieg befassen, sind Female Agents - Geheimkommando Phoenix (2008), Die Kinder von Paris (2010) und Ein Sack voll Murmeln (2017). Stalingrad (1993), der die berühmte Schlacht um die sowjetische Stadt aus der Sicht eines deutschen Offiziers und seines leidenden Zuges schildert, wurde in Deutschland gedreht, und der spätere deutsche Film So weit die Füße tragen (2001) spielt an der Ostfront. Die vielgepriesene Sensation war der deutsche Streifen Der Untergang (2004), über die letzten Tage Adolf Hitlers in seinem Versteck in einem Berliner Bunker. Auch Lauf Junge lauf (2013), ein Film über einen neunjährigen jüdischen Flüchtling, war ein Erfolg, ebenso wie Der Hauptmann (2017), der die Geschichte eines Soldaten erzählt, der sich als Offizier ausgibt und allmählich dem Rausch der Macht erliegt.

 

Kriegsfilme ab den 1990er Jahren aus anderen europäischen Ländern

Der spanische Film Freedomfighters (1996) schildert den Spanischen Bürgerkrieg realistisch aus der Perspektive der revolutionären Frauenbewegung, und auch Land and Freedom (1995), Mad Circus (2010) und While at War (2019) spielen in der gleichen Zeit. Das Kriegsdrama Rescue Under Fire (2017) drehte sich um spanische Truppen, die in Afghanistan kämpfen. In Italien war Das Leben ist schön (1997), eine mit drei Oscars ausgezeichnete Kriegskomödie, in der ein jüdischer Kellner seinem kleinen Sohn vorgaukelt, ihr Aufenthalt in einem Konzentrationslager sei in Wirklichkeit Teil eines Theaterstücks, das für seinen Geburtstag organisiert wurde, der größte Erfolg. Ebenfalls erfolgreich war Der Zauber von Malena (2000), in dem es um das Schicksal einer jungen Kriegswitwe im besetzten Italien und um einen Teenager geht, der von ihrer Schönheit besessen ist. Weitere erfolgreiche ungarische Kriegsfilme sind Fateless - Roman eines Schicksallosen (2005) und Das große Heft (2013), aber der bei weitem am meisten gefeierte war der oscarprämierte und formal einfallsreiche Streifen Son of Saul (2015), der die Schrecken des Holocaust aus der Perspektive eines jüdischen Gefangenen schildert, der versucht, die Leiche eines Teenagers in einem Konzentrationslager zu begraben.

In der Tschechischen Republik folgten nach dem Vorbild von Who's That Soldier? (1987) in den frühen 1990er Jahren weitere Komödien aus dem Umfeld von Grundwehrdienstleistenden, The Tank Battalion (1991) und The Black Barons (1992). Später erlangten das Kriegsdrama Dark Blue World (2001) über tschechoslowakische Flieger im Dienste der britischen Royal Air Force und der Film Tobruk (2008) über tschechoslowakische Soldaten, die während des Zweiten Weltkriegs in der libyschen Wüste kämpften, große Bekanntheit. Mehrere tschechische Filme haben sich mit der Ermordung des Reichsprotektors Reinhard Heydrich und der anschließenden Vergeltung der Nazis beschäftigt, darunter Protector (2009), Das Massaker von Lidice (2011) und Operation Anthropoid (2016), eine Koproduktion mit dem Vereinigten Königreich und Frankreich. Ein internationaler Erfolg war auch The Painted Bird (2019), der die erschütternde Reise eines kleinen Jungen durch Osteuropa zum Anlass nimmt, um den Zustand der vom Zweiten Weltkrieg betroffenen Gesellschaft zu veranschaulichen.

Zu den dänischen Hits gehörten das Beziehungsdrama Zwischen Brüdern (2004), in dem es um das Trauma geht, das einer der Protagonisten nach seiner Rückkehr aus der afghanischen Gefangenschaft mit nach Hause bringt, und später das Kriegsdrama Unter dem Sand - Das Versprechen der Freiheit (2015), in dem es um ein Ereignis am Ende des Zweiten Weltkriegs geht, als die dänische Armee deutsche Gefangene zwang, Landminen an der dänischen Küste zu beseitigen. In Norwegen konnte der Luftkriegsfilm Into the White (2012), eine Koproduktion mit Schweden, punkten. Der serbische Film des Regisseurs Emir Kusturica, Underground (1995), ein Kriegsfresko des Jugoslawien-Krieges, wurde sehr gelobt, ebenso wie Danis Tanovics oscarprämierter Film No Man's Land (2001), eine satirische Geschichte über mehrere feindliche Soldaten und eine Landmine aus dem Bosnienkrieg, und Paul Verhoevens Black Book (2006), dessen Heldin ein jüdisches Mitglied des Widerstands war, das den Auftrag hatte, die Gestapo-Kommandeure zu infiltrieren. In einer umfangreichen internationalen Koproduktion entstanden zwei Filme von Steven Soderbergh, Che: Part One (2008) und Che: Part Two (2008), gewidmet der kubanischen Revolution, der Figur des berühmten Guerillarevolutionärs und auch seinen Guerillakämpfen in Bolivien.

 

TV-Kriegsserien

In den 1950er Jahren waren zwei der beliebtesten amerikanischen Kriegssendungen Navy Log (1955-1958), das sich mit den Geschichten der US-Marine während des Zweiten Weltkriegs befasste, und The Silent Service (1957-1958), das das Leben von U-Boot-Besatzungsmitgliedern beschrieb. In den 1960er Jahren folgten Serien, die die Kämpfe von Soldaten in verschiedenen Teilen Europas während des Zweiten Weltkriegs beschrieben: The Gallant Men (1962-1963), Combat! (1962-1967) oder die Flugserie Twelve O'Clock High (1964-1967), und auch Comedy-Kriegsserien und Sitcoms wie McHale's Navy (1962-1966), Ein Käfig voller Helden (1965-1971) und die britische Serie Dad's Army (1968-1977) traten in den Vordergrund. In den 1970er Jahren wurde die Kriegs-Sitcom M.A.S.H. (1972-1983) zu einem Phänomen, das von den Ereignissen in einem mobilen Militärkrankenhaus im Koreakrieg handelt. Ebenfalls beliebt waren die dramatische Kriegsserie Pazifikgeschwader 214 (1976-1978) und die britische Serie Wings (1977-1978) über einen Piloten im Ersten Weltkrieg. Aus den 1980er Jahren sind beispielsweise die siebenteilige Miniserie The Winds of War - Der Feuersturm (1983) und die beiden Serien NAM – Dienst in Vietnam (1987-1990) und China Beach - Frauen am Rande der Hölle (1988-1991) über den Vietnamkrieg zu nennen.

Ein beispielloses Ereignis war die epische zehnteilige Serie Band of Brothers - Wir waren wie Brüder (2001), die das Schicksal einer Eliteeinheit der US-Armee während des Zweiten Weltkriegs realistisch darstellte und neue Maßstäbe für die Qualität von Fernsehproduktionen setzte. Es folgten The Unit (2006-2009), eine Miniserie, Generation Kill (2008), die in den ersten Tagen der amerikanischen Invasion im Irak spielt, und der Zehnteiler The Pacific (2010), der die Ereignisse nach dem Angriff auf Pearl Harbor behandelt. Die anschließende Zunahme von TV- und Internet-VOD-Produktionen hat zur Entstehung von Eine Frau an der Front (2014-2020), Six (2017-2018), SEAL Team (ab 2017), Das Boot (ab 2018), Catch-22 (2019) und Der Befreier (2020) geführt.

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