Musical - Genres

Geschichte des Filmmusicals

Als Musical bezeichnet man ein dramatisches Genre, bei dem die Dialoge der Figuren mit ihrem Gesang und möglicherweise auch mit ihrem Tanz, begleitet von Musik, kombiniert werden - die Darsteller in Musicals mussten also nicht nur gute Schauspieler und möglicherweise Tänzer sein, sondern auch talentierte Sänger. Unter einem Musical versteht man im Allgemeinen entweder ein Theatermusical oder ein Filmmusical, das mit dem Aufkommen des Tonfilms entstanden ist. Die Ursprünge des Musicals liegen in Opern, Operetten und Varietés, während das Filmmusical natürlich im Gefolge des Theatermusicals entstanden ist, ganz zu schweigen von der Tatsache, dass einige Filmmusicals direkte Adaptionen von Theatermusicals sind. Die Bezeichnung "Musical" selbst geht auf den englischen Begriff "musical comedy" zurück, der in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts komödiantische Theateraufführungen mit Gesang, oft aber ohne Handlung, bezeichnete. Das Musical ist häufig mit dem Genre der Komödie verwoben, aber auch jedes andere fiktionale Genre kann in Form eines Musicals behandelt werden. Das Musical hat seine Wurzeln in den USA, wo sich der Theaterboulevard Broadway befindet, der eine Reihe von Theatermusicals berühmt gemacht hat, die noch immer äußerst bekannt und beliebt sind.

Der Gesang in Musicals ersetzt in der Regel die Dialoge und trägt so zur Entwicklung der Handlung und der Charaktere bei, aber in manchen Fällen haben die Gesangs- und Tanznummern nur eine Nebenrolle. Die Besonderheit des Musicals liegt in der Vermischung von Realität und Fantasie, d. h. der realen Welt mit der fiktiven, illusorischen Traumwelt. Bei der Verwirklichung dieser Welten konnten viele Bühnenbildner, Regisseure, Tanzchoreographen und Kameraleute ihrer Fantasie und Kreativität freien Lauf lassen und machten das Musical für viele Jahrzehnte zum audiovisuell attraktivsten und kreativsten Bereich des kommerziellen Hollywood-Kinos. Jedes große amerikanische Filmstudio hatte seine musikalischen Stars und Komponisten und entwickelte seinen eigenen unverwechselbaren Stil für das Musikgenre. Die Musik in den Musicals wurde dann im Laufe der Jahrzehnte durch den Wechsel der verschiedenen Musikgenres beeinflusst, wobei zunächst Jazz und Klassik, dann Rock'n'Roll und Rock und schließlich Pop dominierten.

Die ersten Filmmusicals

In den ersten Tonfilmen (siehe z. B. Don Juan von 1926) wurde die Tonspur mit Musik und sporadischen Geräuschen separat und gleichzeitig mit dem Film abgespielt (und es gab einen Trend, den Film mit einem Live-Orchester zu begleiten). Der erste abendfüllende Tonfilm, bei dem die Tonspur bereits Teil des Films selbst war, war The Jazz Singer (1927), der jedoch nur in einigen Teilen synchronisiert war und nur wenige Dialogzeilen enthielt. Es war jedoch der erste Film in der Geschichte, bei dem die Zuschauer die Schauspieler direkt von der Leinwand aus sprechen hören konnten. Es war auch das erste Musical mit insgesamt sechs Liedern. Ein großer Hit war The Singing Fool (1928), ein Film über die Höhen und Tiefen eines Sängers, der sich als Schwarzer ausgibt. Daraufhin begannen die Kinos, ihre Säle mit Tonanlagen auszustatten, und die Filmemacher engagierten Broadway-Komponisten, um Songs für Filme zu schreiben.

Der erste Film, der keine Zwischentitel mehr enthielt und vollständig gesprochen wurde, war das Kriminaldrama Lights of New York (1928), das eine musikalische Passage enthielt, die in einem Nachtclub spielte. Broadway Melody (1929), in dem nicht nur gesungen, sondern auch getanzt wurde, gewann einen Oscar (zweite Oscar-Verleihung in der Geschichte), woraufhin sich alle großen Hollywood-Studios auf Musicals konzentrierten und den Stummfilm an den Rand drängten. Darüber hinaus führte der Erfolg von Broadway Melody, der die Grundlage für das so genannte Backstage-Musical bildete, das hinter der Bühne einer laufenden Musiktheaterproduktion spielt, zu zahlreichen thematischen Fortsetzungen, die zwischen 1935 und 1940 gedreht wurden. Einige Musicals hingegen bevorzugten de facto die Strategie, die Handlung wegzulassen und durch eine nicht zusammenhängende Aneinanderreihung von Musiknummern zu ersetzen (siehe z. B. Hollywood Revue von 1929).

 

Die Übersättigung des Marktes im Jahre 1930

The Desert Song, ein monumentales Musical, hatte 1929 Premiere, genauso wie der größte Kassenschlager seiner Zeit, Gold Diggers of Broadway. Musicals hatten zu dieser Zeit in Amerika Hochkonjunktur. Zu den bekanntesten aus den späten 1920er und frühen 1930er Jahren gehören Sally (1929), The Brodway Melody (1929), Bright Lights (1930), Under a Texas Moon (1930), Der Jazzkönig (1930) und Kiss Me Again (1931). Im Jahr 1930 wurden in Hollywood über hundert Musicals gedreht, was schnell zu einem Überangebot auf dem Markt führte, so dass 1931 etwa siebenmal weniger Musicals produziert wurden. Ab 1933 kam das Musical jedoch dank aufwändiger Tanzchoreographien schnell wieder in Mode. Beliebt waren 1933 beispielsweise die Musicals Die 42. Straße, Goldgräber von 1933 und Footlight Parade, deren kreative, von Busby Berkeley choreografierte Tanznummern alles übertrafen, was es damals im Theater zu sehen gab.

In den späten 1920er und frühen 1930er Jahren begann zudem ein Zustrom von Einwanderern aus Europa in die USA, von denen einige in Hollywood eine Heimat fanden und ihre europäisch gefärbten Visionen teilweise in Filmen und Musicals umsetzten, die von den dortigen Opern und Operetten beeinflusst waren. Ihnen war Amerika als Schauplatz für ein Musical nicht elegant genug, und so spielten sie es beispielsweise in Paris oder Wien - der deutschstämmige Regisseur Ernst Lubitsch drehte Die Love Parade (1929), Monte Carlo (1930), The Smiling Lieutenant (1931), One Hour with You (1932) und Die lustige Witwe (1934), in denen er gerne die Musicalstars Maurice Chevalier und Jeanette MacDonald einsetzte. Der in Russland geborene Regisseur Rouben Mamoulian drehte in Amerika zur Abwechslung ein Musical Love Me Tonight (1932). Auf jeden Fall wurde die Form des amerikanischen Musicals zu dieser Zeit stark von dem Komponisten George Gershwin, dem Komponisten und Musicaltexter Cole Porter oder dem Autor von Broadway-Musicals Richard Rodgers beeinflusst.

 

Fred Astaire und Ginger Rogers

Im Jahre 1933 kam das Musical Dancing Lady in die Kinos, in dem erstmals der Schauspieler, Tänzer, Sänger und Choreograph Fred Astaire in Erscheinung trat, der anschließend ein Tanzduo mit der Schauspielerin, Sängerin und Tänzerin Ginger Rogers bildete, mit der er im selben Jahr in dem Musical Flying Down to Rio auftrat. Gemeinsam spielten sie in den nächsten sechs Jahren in acht weiteren Musicals mit und wurden in den 1930er Jahren zu Hollywood-Stars. Fred Astaire war zuvor am Broadway aufgetreten, und seine Eleganz und Professionalität der Bewegungen machten ihn zum gefragtesten Filmtänzer, der in seinen späteren Jahren eine erfolgreiche Schauspielkarriere erlebte. Das Gleiche gilt für Ginger Rogers, die ihre Musical-Karriere an der Seite von Astaire 1939 mit The Story of Vernon and Irene Castle beendete und danach eine Solokarriere als Charakterdarstellerin einschlug (und 1940 einen Oscar gewann).

Von ihren gemeinsamen Musicals waren die herausragendsten das choreografisch phantasievolle Top Hat - Ich tanz mich in dein Herz hinein (1935), in dem sich die beiden Helden kennenlernten, weil sie beim Stepptanz die Nachtruhe störten, und Swing Time (1936), über einen schuldbeladenen Cabaret-Tänzer, der sich, um sich bei einer Tanzlehrerin zu entschuldigen, sich bei ihr im Unterricht anmeldet. Bei den meisten dieser Musicals handelte es sich um einfache Komödien, deren Handlung im städtischen Umfeld angesiedelt war und auf allerlei Irrtümern und Missverständnissen beruhte. In Scheidung auf amerikanisch (1934) wird der Protagonist unwissentlich in die Pläne einer Frau verwickelt, die ihren Mann von der Notwendigkeit einer Scheidung überzeugen will, in Tanz mit mir (1937) wiederum musste ein Tanzpaar vorgeben zu heiraten, um die Verbreitung von Falschinformationen in den Medien zu verhindern, und in Sorgenfrei durch Mr. Flagg (1938) führte eine Reihe kleiner Unachtsamkeiten dazu, dass sich die Verlobte des Helden in seinen besten Freund verliebte.

Fred Astaire spielte danach in einer Reihe weiterer Musicals mit, allerdings mit anderen Tanzpartnerinnen. In den Filmen Wer wird schon reich beim Militär (1941) und Ein schönes Mädchen wie du (1942) war er zum Beispiel mit der Schauspielerin und Tänzerin Rita Hayworth zu sehen, die später unter anderem in den Musicals My Gal Sal (1942) und Es tanzt die Göttin (1944) auftrat. Astaires letzte schauspielerische Zusammenarbeit mit Ginger Rogers war das Musical Tänzer vom Broadway (1949), in dem die beiden zehn Jahre nach ihrer Trennung wieder erfolgreich zusammenkamen. In diesem Film spielte Fred Astaire einen professionellen Tänzer und Ginger Rogers seine Frau, die sich danach sehnte, die Tanzbühne zu verlassen, um sich der Schauspielerei zu widmen - der Film spiegelte also im Wesentlichen die kreative Spannung wider, die zwischen den beiden Schauspielern im wahren Leben bestand.

 

Judy Garland und Gene Kelly

Zum unsterblichen Klassiker unter den Musicals wurde im Laufe der Jahre Der Zauberer von Oz (1939), in dem die junge Schauspielerin und Sängerin Judy Garland die Rolle der jugendlichen Dorothy spielt, die sich in einem Fantasieland wiederfindet und sich mit dem Löwen, dem Blechmann und der Vogelscheuche auf eine Reise in die Smaragdstadt begibt, um nach Hause zurückzukehren. Im Alter von dreizehn Jahren unterzeichnete sie einen Schauspielvertrag mit MGM und wirkte ab diesem Moment in mehr als zwei Dutzend MGM-Filmen mit (oft an der Seite von Mickey Rooney), von denen viele auch Musicals waren. Vor Der Zauberer von Oz hatte sie bereits in mehreren Musicals mitgewirkt, aber dieses war ihr erstes wirklich erfolgreiches. Judys nächster großer Erfolg kam mit dem Musical Heimweh nach St. Louis (1944), das von ihrem zukünftigen Mann Vincente Minnelli gedreht wurde.

In Osterspaziergang (1948) spielte Judy Garland neben Fred Astaire und anderen Berühmtheiten in den letzten beiden Filmen der starbesetzten Musical-Trilogie Der große Ziegfeld (1936), Mädchen im Rampenlicht (1941) und Ziegfelds himmlische Träume (1946), die zu Ehren des Broadway-Intendanten Florenz Ziegfeld gedreht wurde. Zu ihren weiteren Musikfilmen gehören die Komödie Girl Crazy (1943) oder der Western The Harvey Girls (1946), in dem Judy ein naives Mädchen darstellt, das wegen Briefen nach Arizona kommt, die Heiratsangebote enthielten. 1950 kündigte MGM Judys Vertrag wegen persönlicher Probleme, doch nach einer mehrjährigen Pause kehrte sie mit der Hauptrolle in dem Musical Ein neuer Star am Himmel (1954), einer Neuverfilmung des gleichnamigen Dramas von 1937, triumphal zurück, was Judy eine Golden Globe und eine Oscar-Nominierung einbrachte.

In Ziegfelds himmlische Träume trat auch der Schauspieler, Tänzer und Sänger Gene Kelly auf, der neben Mickey Rooney der häufigste Schauspielpartner von Judy Garland war, mit der er z. B. in dem Abenteuermusical Der Pirat (1948) oder in dem Film Summer Stock (1950) auftrat. In diesem Film spielte Judy eine verlobte Farmerin, in deren Scheune auf Drängen ihrer verliebten Schwester ein Team unter der Leitung des Regisseurs, gespielt von Gene Kelly, mit den Vorbereitungen für einen neuen Film begann. In dem Musical Ein Amerikaner in Paris (1951) von Vincente Minnelli spielte Kelly einen Maler, der in eine junge Französin verliebt ist, die mit einem Cabaretsänger verlobt ist. Darüber hinaus war Kelly auch ein einflussreicher und kreativer Filmregisseur, der Tanzsequenzen in Musicals um Experimente in Zeitlupe, Trickfotografie und Animation bereicherte. Er besetzte Frank Sinatra in seinem Debütfilm Heute geh'n wir bummeln - Das ist New York von 1949, mit dem er im selben Jahr in dem Musical Spiel zu dritt auftrat. Seinen bei weitem größten Erfolg hatte er jedoch mit Singin' in the Rain (1952), einer verspielten romantischen Satire auf Hollywood zur Zeit des aufkommenden Tonfilms, die immer noch als eines der besten Filmmusicals aller Zeiten gilt.

 

Sowjetische Musicals der 1930er und 1940er Jahre

Die in der Sowjetunion produzierten Musicals waren in erster Linie ein Propagandainstrument, wurden aber so gedreht, dass sie in puncto Unterhaltung und Abwechslung mit den Musicalfilmen aus Amerika mithalten konnten, die in der Sowjetunion bereits ab den 1920er Jahren viel populärer waren als die ernsten Filme aus einheimischer Produktion zu dieser Zeit. In den 1930er Jahren drehte der Regisseur Grigori Alexandrow mehrere Musicals in der Sowjetunion, und sein Film Lustige Burschen (1934), der sich an Hollywood-Vorbildern orientierte, war das erste sowjetische Musical überhaupt. Es folgten The Circus (1936) und vor allem Wolga, Wolga (1938), der zu seiner Zeit sehr populär wurde (er war sogar der Lieblingsfilm Stalins), obwohl er die geforderten Parameter des sozialistischen Realismus nur in Bezug auf die Ästhetik, nicht aber in Bezug auf die ideologischen Werte erfüllte.

Die Autoren sowjetischer Musicals waren gezwungen, ihre Filme auf banalen Handlungen aufzubauen und Themen zu betonen, die den industriellen Fortschritt und die Arbeiterklasse feierten. In der Regel drehte sich die Handlung um die Geschichte eines armen Menschen, der es durch harte Arbeit zu einem besseren und reicheren Leben brachte. Iwan Pyrjews Filme wie Tractor Drivers (1939), Sie trafen sich in Moskau (1941) und Kubankosaken (1949) beschäftigten sich mit dem Umfeld fleißiger Bauern. In den 1940er Jahren drehte Grigori Alexandrow die Musicals Tanya (1940) und Spring (1947), in denen er wie in den meisten seiner früheren Filme die Schauspielerin Ljubow Orlowa besetzte, die zu dieser Zeit der größte sowjetische Filmstar war. Bemerkenswert war, dass viele sowjetische Musicals aus der Zeit des sozialistischen Realismus von einer optimistischen Atmosphäre der Fröhlichkeit und des Überflusses ausgingen, während die tatsächlichen Verhältnisse im Lande damals das genaue Gegenteil waren.

 

Der Boom der amerikanischen Theateradaptionen in den 1950er Jahren

Adaptionen von Bühnenmusicals wurden kurz nach der Entstehung des eigentlichen Filmmusicals gedreht, ähnelten aber zumeist nur sporadisch ihrem Bühnenvorbild und hatten selten denselben Erfolg. In den 1950er Jahren erschienen zahlreiche originalgetreuere Verfilmungen, wie z. B. Vorhang auf! (1953), der das Motiv des Theaters hinter der Bühne wieder aufgriff, und Schwere Jungs - leichte Mädchen (1955) mit Frank Sinatra und Marlon Brando als Glücksspieler in den Hauptrollen. Sehr beliebt und erfolgreich waren die Filme, die auf der Musik des Komponisten Richard Rodgers und des Textdichters Oscar Hammerstein basieren. Aus ihrer Theaterarbeit entstand das Musical Oklahoma (1955), über zwei Liebesgeschichten, die in den frühen 1920er Jahren spielten, Der König und ich (1956), ein mit fünf Oscars ausgezeichnetes biografisches Musical über das Schicksal des Königs von Siam Mongkut, dargestellt von dem Schauspieler Yul Brynner, Carousel (1956), das sich mit dem Thema des Lebens nach dem Tod befasst, und Süd Pazifik (1958), eine musikalische Kriegsromanze, die im Pazifikkrieg spielt.

Die Zahl der eigens für die Leinwand geschriebenen Musicals ging wiederum in den 1950er Jahren deutlich zurück, während die Filmindustrie auch mit dem Fernsehen zu konkurrieren begann. In der Kategorie der Nichttheater-Musicals wurde zum Beispiel Vincente Minnellis Gigi (1958), der auf einem Roman basiert, mit neun Oscars ausgezeichnet. Das Musical Eine Braut für sieben Brüder (1954) basiert auf einer literarischen Kurzgeschichte, und der Film Schwere Colts in zarter Hand (1953) wurde von der gleichnamigen Wildwest-Heldin inspiriert. Im Film Weiße Weihnachten (1954) wurden zahlreiche Lieder des Komponisten Irving Berlin verwendet, während das Musical Ein süßer Fratz (1957) mit Audrey Hepburn und Fred Astaire in den Hauptrollen auf Musik und Texten der Gebrüder Gershwin basierte. Otto Preminger führte Regie bei den Musicals Carmen Jones (1954) und Porgy und Bess (1959) mit der Schauspielerin Dorothy Dandridge, während Howard Hawks Marilyn Monroe in seiner Musical-Komödie Blondinen bevorzugt (1953) besetzte.

 

Die 1960er Jahre und das Ende des goldenen Zeitalters des Musicals

Der Zeitraum von den 1940er bis zu den 1960er Jahren wird im Allgemeinen als das goldene Zeitalter des Filmmusicals bezeichnet, doch die berühmtesten und bekanntesten Musicals wurden mit wenigen Ausnahmen im dritten Jahrzehnt dieser Ära gedreht. Robert Wise und Jerome Robbins' West Side Story (1961), ein Musical, das auf Shakespeares Tragödie Romeo und Julia basiert, aber im modernen New York spielt, ersetzte die Konflikte zwischen rivalisierenden Familien durch Auseinandersetzungen zwischen amerikanischen Nachkommen von Einwanderern und Banden aus neuen Einwanderern. Das Musical My Fair Lady (1964) unter der Regie von George Cukor mit Audrey Hepburn in der Hauptrolle als schlichte Blumenhändlerin, die Gegenstand einer Wette wird, ob eine Frau aus einfachen Verhältnissen innerhalb von sechs Monaten so gut in Etikette geschult werden kann, dass sie sich in die gesellschaftliche Elite einfügt, gewann acht Oscars. Das von Walt Disney produzierte Märchen-Musical mit Julie Andrews in der Hauptrolle als bezauberndes Kindermädchen Mary Poppins (1964), das Live-Schauspieler mit zweidimensionalen Animationen kombinierte, verwandelte fünf seiner dreizehn Oscar-Nominierungen. Fünf Oscars gingen an das Musical Meine Lieder, meine Träume (1965), bei dem Robert Wise Regie führte und das in Österreich und Deutschland gedreht wurde. Auch hier spielte Julie Andrews die Hauptrolle, diesmal in der Rolle einer Novizin, die nach ihrem Austritt aus dem Kloster Gouvernante in der Familie eines verwitweten Kapitäns, gespielt von Christopher Plummer, wird.

All diese Filme waren sowohl bei der Kritik als auch bei den Zuschauern äußerst erfolgreich, was natürlich zu einem weiteren Boom der Musicals führte. Allein mit Julie Andrews entstanden die Musicals Modern Millie - Reicher Mann gesucht (1967) und Star! (1968), Francis Ford Coppola drehte Der goldene Regenbogen (1968) mit Fred Astaire, und Regisseur William Wyler besetzte Barbra Streisand in seinem biografischen Musical Funny Girl (1968). Darüber hinaus wurden jedoch zahlreiche Musicals produziert, die floppten, was das nachlassende Interesse des Publikums an diesem Genre verdeutlichte. In den 1960er Jahren trug auch das Aufkommen von Rock'n'Roll- und Musicalfilmen mit dem berühmten Elvis Presley, der nach seiner Rückkehr vom Militärdienst 1960 einen Film nach dem anderen produzierte, zum Wandel des Publikumsgeschmacks bei.

Das Artus-Musical Camelot (1967), der Familienfilm Doctor Dolittle (1967), der nostalgische Film Goodbye, Mr. Chips (1969), der Western Westwärts zieht der Wind (1969), die Komödie On a Clear Day You Can See Forever (1970) und das Abenteuer Der Mann von La Mancha (1972). Nach dem kommerziellen Misserfolg des für sieben Oscars nominierten Musicals Hello Dolly! mit Barbra Streisand in der Hauptrolle im Jahr 1969 geriet das klassische Musical-Genre jedoch zunehmend in den Hintergrund. Einige dieser Filme erhielten jedoch erst viele Jahre später Anerkennung oder eine herzlichere Resonanz seitens des Publikums.

 

Europäische Musicals in den 1960er und 1970er Jahren

Obwohl der französische Regisseur und Drehbuchautor Jacques Demy seinen 1967 gedrehten Film Die jungen Mädchen von Rochefort als Hommage an MGM-Musicals konzipierte (und mit Gene Kelly besetzte) und in der Sowjetunion mehrere Musicals im amerikanischen Stil aufgeführt wurden, hatte die Musicaltradition Hollywoods im Allgemeinen wenig Einfluss auf Filme, die außerhalb der USA gedreht wurden. Andere Musicals von Demy wie Die Regenschirme von Cherbourg (1964) oder Eselshaut (1970) waren bereits typisch französisch, und in anderen europäischen Ländern entwickelte sich das Musical-Genre eher aus den heimischen Traditionen heraus, und das auch nur in einem sehr begrenzten Umfang. Im Vereinigten Königreich erlangte das Musical-Genre erst in den 1960er Jahren einen bedeutenden Einfluss, als die Musical-Komödien The Beatles - A Hard Day's Night (1964) und Hi-Hi-Hilfe! (1965), in dem Mitglieder der Beatles mitwirken, zu riesigen nationalen Hits mit internationalem Echo wurden. Es folgten u. a. die Oscar-prämierte Musical-Adaption von "Oliver Twist" unter der Regie von Carol Reed mit dem Titel Oliver! (1968) oder der mit Kinderdarstellern besetzte Gangsterfilm Bugsy Malone (1976). In den folgenden Jahren holte das Vereinigte Königreich bei der Produktion von Musikfilmen gegenüber Amerika auf.

Die Csardasfürstin (1971), basierend auf der berühmten gleichnamigen ungarischen Operette, wurde von Ungarn, Deutschland und Österreich koproduziert, und ein Jahr später wurde das Kriegsmusical Red Psalm (1972) in Ungarn verfilmt. In Italien inspirierte sich das Musical Etappenschweine (1969) am Thema Krieg, während das Musical Blaue Bohnen für ein Halleluja (1967) eher ein Western war. Die Tschechoslowakei produzierte klassische Musicals wie Green Gold (1964) und A Night at Karlstein (1973), die Musical-Westernparodie Limonaden-Joe (1964) und den Estradenfilm If a Thousands Clarinets (1964), der mit den Stars der damaligen tschechoslowakischen Musikszene besetzt war. Seit den 1930er Jahren gibt es in Spanien eine Tradition von Musikfilmen, die oft von spanischen Operetten (Zarzuela) inspiriert sind. Von Filmen wie Morena Clara (1936) oder Der Barbier von Sevilla (1938) war es nur ein kleiner Schritt zu Musicals, die sich in Spanien bis Ende der 1970er Jahre großer Beliebtheit erfreuten (siehe Listen to My Song von 1959 oder Canción de juventud von 1962). Später drehte der spanische Regisseur Carlos Saura mehrere Musikfilme (z. B. Bluthochzeit 1981 und Carmen 1983).

 

Die Wiederbelebung des amerikanischen Musicals in den 1970er Jahren

Die Wende der 1960er und 1970er Jahre zeigte deutlich, dass die Form des Musicals aus dem goldenen Zeitalter Hollywoods veraltet war und etwas Neues gebraucht wurde. Die Autoren der neuen Musicals verzichteten daher auf Glanz und Theatralik und beschlossen, entweder realistischere Wege einzuschlagen oder sich von der Realität zu lösen und mit Filmthemen zu experimentieren. Der zweite Weg wurde von dem extravaganten Rock-Musical The Rocky Horror Picture Show (1975) beschritten, das als Parodie auf alte Science-Fiction- und B-Horror-Filme angelegt war. Der mit skurrilen Einfällen und raffinierten Popkultur-Anspielungen gespickte Film, der die Geschichte eines jungen, frisch verheirateten Paares erzählt, das sich in einem sintflutartigen Regen auf der Straße verirrt und sich daraufhin auf einem Treffen der transsexuellen Bewohner der Galaxie Transsilvanien wiederfindet, war bei seiner Premiere ein Flop, wurde aber nach seiner anschließenden Aufnahme in die Mitternachtsvorführungen Kult, um den sich im Laufe der Jahre eine starke Fangemeinde bildete. Der Film wird auch heute noch in ausgewählten Kinos in den USA gezeigt, wobei das Publikum die Vorführung mit einer Reihe von künstlich geschaffenen Ritualen bereichert.

Aufsehen erregte auch Jesus Christ Superstar (1973), ein Musical des Komponisten Andrew Lloyd Webber, der die Geschichte der Kreuzigung Jesu Christi als Rockoper konzipierte. Es gab auch mehrere Fantasy-Musicals, wie Charlie und die Schokoladenfabrik (1971), das die Geschichte eines Ausflugs in eine verrückte Schokoladenfabrik erzählte, und Die tollkühne Hexe in ihrem fliegenden Bett (1971), das echte Schauspieler mit zweidimensionalen Animationen in der Art von Mary Poppins kombinierte. Der Film 1776 (1972) war ein Versuch, aus der Geschichte der Abfassung der Unabhängigkeitserklärung der Vereinigten Staaten von Amerika ein Musical zu machen, während Phantom of the Paradis (1974) unter der Regie von Brian De Palma ein Musical mit einer Horrorkomödie kombinierte, in der es um einen Komponisten geht, der seine Seele dem Teufel verschrieben hat. In The Wiz - Das zauberhafte Land (1978) mit Michael Jackson und Diana Ross in den Hauptrollen spielt "Der Zauberer von Oz" in Harlem, New York. Filme wie Anatevka (1971), in dem es um das Schicksal eines jüdischen Milchmanns geht, der versucht, seine Töchter zu verheiraten, oder Bob Fosses mit acht Oscars ausgezeichnetes Cabaret (1972), in dem es um das Aufflammen der Liebe bei mehreren Charakteren vor dem Hintergrund des aufkommenden Faschismus im Berlin der 1930er Jahre geht, wurden so zu einer der wenigen Inseln der formalen Seriosität im Genre des traditionellen Musicals und knüpfte dabei an das Beste an, was die vorangegangenen Jahrzehnte zu bieten hatten.

Grease (1978) mit John Travolta und Olivia Newton-John in den Hauptrollen war ein großer Hit, der nostalgisch an die 1950er Jahre erinnerte, und seine Songs wurden aufgrund seiner lang anhaltenden Popularität mit der Zeit immer beliebter. Beliebt waren auch Filme über Stars des Showbusiness, deren realistische Handlung mit Musiknummern durchsetzt war, so der Film Lady Sings the Blues (1972) über die Jazzsängerin Billie Holiday, die Fortsetzung von Funny Girl mit dem Titel Funny Lady (1975), das teilweise autobiografische Musical Hinter dem Rampenlicht (1979) unter der Regie von Bob Fosse oder der Nachkriegsfilm New York, New York (1977) von Martin Scorsese über die komplizierte Liebesbeziehung zwischen einem Jazz-Saxophonisten und einer Popsängerin, gespielt von Robert De Niro und Liza Minnelli. Das Musical Hair unter der Regie von Miloš Forman (1979) spiegelt die politischen Themen des Vietnamkriegs und der Hippie-Bewegung wider.

 

Das Ende des Jahrtausends und der Niedergang des Musicals

In den 1980er Jahren wurde die Entstehung vieler Filmmusicals durch die Popularität von Theatermusicals am Broadway und im Londoner West End begünstigt, doch ansonsten stagnierte das Genre und starb bis zum Ende des Jahrtausends allmählich aus. John Landis drehte Blues Brothers (1980), ein Musical über zwei Ex-Sträflinge mit actionreichen Verfolgungsjagden, Regisseur Blake Edwards schrieb Victor/Victoria (1982) für seine damalige Ehefrau und ehemalige Musicaldarstellerin Julie Andrews, und Regisseur Alan Parker baute die Handlung von Pink Floyd - The Wall (1982) innovativ um die Songs der Rockband Pink Floyd auf. Frank Oz' Der kleine Horrorladen (1986), ein phantasievolles schwarzhumoriges Musical über eine fleischfressende Blume, das auf dem gleichnamigen, Nichtmusical-Komödien-Horror von 1960 basiert, war ebenfalls für sein spektakuläres alternatives Ende bekannt und ist bis heute Kult. Das britische Musical Monty Pythons - Der Sinn des Lebens wird ebenfalls als eine Aneinanderreihung absurder Sketche und origineller Lieder der berühmten Komikergruppe Monty Python wahrgenommen. Andere erwähnenswerte Musicals sind Footloose (1984) und A Chorus Line (1985).

Das Ende der 1980er und die gesamten 1990er Jahre waren in Bezug auf Musicals keine besonders fruchtbare Zeit, aber es gab einige Ausnahmen. An der Wende der beiden Jahrzehnte wurden mehrere animierte Musicals von Disney (siehe unten), aber auch von anderen Studios wie Die Schwanenprinzessin (1994), Anastasia (1997) und Der Prinz von Ägypten (1998) mit großem Erfolg verfilmt. Der Erfolg von Zeichentrick-Musicals war damit noch nicht zu Ende - lange erfolgreich waren der Marionettenfilm Nightmare Before Christmas (1993), bei dem Henry Selick Regie führte und Tim Burton als Co-Autor fungierte, und der umstrittene satirische Film South Park: Der Film (1999), der an die Zeichentrickserie der Macher des verrückten Live-Action-Musicals Cannibal! Das Musical (1993) anknüpfte. Von den weiteren Spielfilmmusicals der 1990er Jahre ragten Andrew Lloyd Webbers Adaption des Musicals Evita (1996), in dem die Sängerin Madonna die Hauptrolle der Ehefrau des argentinischen Präsidenten Juan Perón spielte, unter der Regie von Alan Parker, und Woody Allens Alle sagen: I Love You (1996) deutlich unter dem Rest der Konkurrenz heraus.

 

Das goldene Zeitalter der Disney-Musicals

Ende der 1980er und Anfang der 1990er Jahre feierte Disney mit mehreren Zeichentrick-Musicals einen durchschlagenden Erfolg. Das Unternehmen erlebte zu dieser Zeit eine Renaissance und kehrte nach einer langen Reihe von Misserfolgen und Enttäuschungen an die Spitze zurück. Das Disney-Studio produzierte ab den 1940er Jahren animierte Musicals, unter anderem mit Dumbo, der fliegende Elefant (1941) und Musik, Tanz und Rhythmus (1948). Seitdem hat Disney viele weitere animierte Musicals produziert (z. B. Susi & Strolch von 1955 oder Das Dschungelbuch von 1967), aber auch Live-Action-Musicals (Die Abenteuer des Kapitän Grant, 1962) oder sogar eine Kombination aus Live-Action und Animation (Onkel Remus' Wunderland von 1946, Elliot, das Schmunzelmonster von 1977 oder das bereits erwähnte Musical Mary Poppins). Arielle, die Meerjungfrau (1989) wurde ein Riesenerfolg, gefolgt von Die Schöne und das Biest (1991, dem ersten Animationsfilm der Geschichte, der für einen Oscar in der Kategorie Bester Film nominiert wurde), Aladdin (1992) und Der König der Löwen (1994), der dreimal in Folge alle Kassenrekorde brach.

Der Schlüssel dazu war Disneys Zusammenarbeit mit dem Komponisten Alan Menken, der auch für Der kleine Horrorladen verantwortlich zeichnete und der zunächst für Arielle, die Meerjungfrau und dann für die anderen oben genannten Filme zuständig war. Seitdem hat Alan Menken mit verschiedenen Textern an vielen anderen Disney-Zeichentrickmusicals mitgewirkt, darunter an Pocahontas (1995), Der Glöckner von Notre Dame (1996), Hercules (1997) und Rapunzel - Neu verföhnt (2010). Zu den Musicals gehören Mulan (1998), Küss den Frosch (2009), Die Eiskönigin - Völlig unverfroren (2013) und Vaiana (2016). Unter den neueren, von Disney produzierten Live-Action-Musicals stechen die Reihe High School Musical (2006-2008), Die Muppets (2011), Into the Woods (2014) und die Live-Action-Versionen von Die Schöne und das Biest (2017) und Aladdin (2019) hervor, während zu den Filmen, die Live-Action und Animation kombinieren, Verwünscht (2007) und Mary Poppins' Rückkehr (2018) gehören.

 

Bollywood-Musicals im Wandel der Zeit

Das indische Kino hat sich seit seinen Anfängen eigenständig entwickelt. Die in Mumbai ansässige Filmindustrie namens Bollywood ist seit Langem produktiver als jedes andere Studiosystem der Welt, was die Anzahl der jährlich produzierten Filme angeht, und das Hauptgenre von Bollywood war schon immer das Musical. Die frühesten indischen Filmmusicals basierten auf den Traditionen des indischen Theaters und dem Format der frühen amerikanischen Tonfilme. Der erste abendfüllende indische Tonfilm war The Light of the World (1931), inspiriert von der Märchensammlung "Tausendundeine Nacht". Einige der berühmtesten Musicals wurden zwischen den 1940er und 1960er Jahren gedreht, was als das goldene Zeitalter des indischen Kinos gilt. Filme wie Woman (1940) und sein Oscar-nominiertes Remake Mother India (1957), The Tramp (1951), Mr. Fraud (1955) und Eternal Thirst (1957) gehören zu den am höchstbewerteten Werken dieser Zeit.

Bis in die 1970er Jahre hinein wurde das indische Musikkino von manieristischen Liebesfilmen und Filmen über das Leben der Arbeiterklasse bestimmt. Dann entwickelte Bollywood den so genannten Masala-Film, der verschiedene Genres miteinander kombinierte und die Richtung vorgab, in die sich das Filmschaffen in Indien seither entwickelt hat. Der Film Amar Akbar Anthony (1977) war in dieser Hinsicht ein Durchbruch. Er erzählt die Geschichte von drei Brüdern, die als Kinder getrennt wurden und erst viele Jahre später als Anhänger dreier verschiedener Religionen wieder zusammengeführt werden. Zanjeer (1973) kombinierte ein Musical mit einer Kriminalgeschichte, die in der indischen Unterwelt spielt, während das Western-Musical Sholay (1975) von amerikanischen Filmen inspiriert wurde, die im Wilden Westen spielen. Laawaris (1981) zum Beispiel, ein Film über einen Mann, der versucht, die Identität seiner Eltern herauszufinden, die ihn als Kind verleugnet haben, arbeitete mit einer Vielzahl von Genres.

In der zweiten Hälfte der 1980er Jahre ging die indische Film- und Musicalproduktion aufgrund der Ermüdung des Publikums durch gewalttätige Actionfilme zurück, was erst mit Aamir Khan: Grenzenlose Liebe (1988) behoben wurde, der das romantische Thema Liebe zwischen zwei jungen Menschen wieder aufgriff. Die darauffolgende Phase der Entwicklung des indischen Kinos in den 1990er Jahren, die als "New Bollywood" bezeichnet wird, griff das Motiv der Romanze wieder auf (in Filmen wie Moonlight von 1989, König der Herzen von 1996 und Mein Herz spielt verrückt von 1997). Nach der Jahrtausendwende wurde das Musical Lagaan: Es war einmal in Indien (2001), eine oscarnominierte Geschichte, die nationale Geschichte mit Romantik und einem Sportthema verbindet, ein großer Erfolg. In den folgenden Jahren waren unter anderem auch die indischen Musicals Ein göttliches Paar (2008) und Lass Dein Glück nicht ziehen (2013) erfolgreich.

 

Der Neustart der amerikanischen Musicals nach 2000

Zusammen mit dem Streifen Moulin Rouge (2001) unter der Regie von Baz Luhrmann gelang es, das öffentliche Interesse an Musicals wiederzubeleben. Dieses postmoderne stilisierte Liebesdrama, das von mehreren Opern inspiriert ist und Auszüge aus berühmten Liedern vergangener Jahrzehnte enthält, wurde für acht Oscars nominiert, erhielt begeisterte Kritiken und wurde dank seiner bemerkenswerten audiovisuellen Vielfalt und seiner ausgefeilten Inszenierung zu einem der meistgefeierten Musicals der Geschichte. Auf diesen Erfolg folgte Rob Marshalls Musical Chicago (2002), das bei dreizehn Nominierungen sechs Oscars gewann, in dem Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones und Richard Gere in den Hauptrollen zu sehen sind und das die Geschichte zweier Mörderinnen und Cabaret-Sängerinnen erzählt, die von ihrem Anwalt zu Medienstars gemacht wurden.

Basierend auf dem berühmten Musical von Andrew Lloyd Webber drehte Regisseur Joel Schumacher 2004 Das Phantom der Oper, das die klassische Geschichte eines entstellten Musikgenies erzählt, das in den Katakomben des Theaters haust. Im Jahr 2007 führte Adam Shankman Regie bei der lustigen Musical-Komödie Hairspray und Tim Burton bei dem düsteren Musical Sweeney Todd - Der teuflische Barbier aus der Fleet Street. Leider konnte Rob Marshall mit Nine - Die Frauen meines Lebens (2009) mit vier Oscar-Nominierungen nicht an den Erfolg von Chicago anknüpfen, während die hochgelobte und achtmal für den Oscar nominierte Verfilmung des französischen Musicals Les Misérables (2012) von Tom Hooper drei Oscars gewann.

Sechs der dreizehn Oscar-Nominierungen gingen an das überaus erfolgreiche romantische Musical La La Land (2016), in dem ein liebeskrankes Paar, gespielt von Emma Stone und Ryan Gosling, mit ehrgeizigen Träumen und harten Realitäten konfrontiert wird und das sein Regisseur Damien Chazelle als Hommage an die Musicals der klassischen Hollywood-Ära konzipierte. Auch das Musical Greatest Showman (2017), in dem Hugh Jackman eine von einem echten Zirkusdirektor inspirierte Figur darstellte, war ein Publikumserfolg. Das Musical Cats (2019), das auf einem Theaterentwurf von Andrew Lloyd Webber basiert, war hingegen ein großer Flop und wurde nur mit Spott und Hohn bedacht.

 

Der Boom der biografischen Musikfilme

Neben einer Reihe anderer Musicals wurden nach 2000 mehrere Filme gedreht, die auf Songs bestimmter berühmter Bands basieren. Der Film All You Need is Love (2007) drehte sich ausschließlich um die Hits der Beatles, das Musical Mamma Mia! (2008) bestand aus Liedern von ABBA und Make My Heart Fly (2013) machte ausgiebig Gebrauch von Songs des schottischen Duos The Proclaimers. Jedoch wurden noch viel mehr biografische Musikfilme gedreht, die sich mit dem Schicksal berühmter Sänger befassten. Der Film 8 Mile (2002) basiert auf der Lebensgeschichte des Rappers Eminem, Ray (2004) befasst sich mit der musikalischen Karriere von Ray Charles und Walk the Line (2005) erzählt die Geschichte von Johnny Cash.

Die Geschichte der Musikband The Supremes inspirierte das Musical Dreamgirls (2006), während in La Vie En Rose (2007) die Karriere einer gewissen berühmten französischen Chansonniere nachgezeichnet wurde. Der Film Notorious B.I.G. (2009) handelt vom Aufstieg und der tragischen Erschießung des Rappers Christopher Wallace alias Biggie Smalls, das Drama Jersey Boys (2014) von den Mitgliedern der Band The Four Seasons und Get on Up - Die James Brown Story (2014) von dem Sänger, der mit dem Song "I Feel Good" berühmt wurde. Das Musikdrama Straight Outta Compton (2015) beleuchtete die Geschichte der Rap-Gruppe N.W.A., das überaus erfolgreiche Musical Bohemian Rhapsody (2018) konzentrierte sich auf Freddie Mercurys Zeit bei Queen, und das Biopic Rocketman (2019) wiederum erzählte die Geschichte von Elton John.

Filmmaniak