Filmmaniak

Ein spiritueller Film mit magischer Atmosphäre und Schwerpunkt auf dem Motiv des Schlafs und der Träume, dessen Betrachtung an eine transzendentale Erfahrung grenzt. Nach der ersten Hälfte, die sich zwischen Mönchen in einem laotischen Kloster und der näheren Umgebung abspielt, fordert der Film die Zuschauer auf, bei der Begleitung der Seele der verstorbenen Großmutter in ihr nächstes Leben zusammenzuarbeiten. Die zweite Hälfte des Films kommt dann mit einem entzückenden Höhepunkt und einer wesentlichen Veränderung des Ortes, aber auch mit überflüssiger Zusatzliteralisierung und weniger interessantem Geschehen. Ein bemerkenswerter meditativer Film voller poetischer Melancholie, der tiefe Gedanken und einige originelle und dezente kreative Ideen bietet. Es wäre jedoch ideal, wenn er kurz nach dem originellen, unkonventionellen und lange nachwirkenden mittleren Teil enden würde.

Ein starkes Drama über ein moralisches Dilemma, in dem eine wohlhabende Araberin ein schwarzes Kind in einem Armenviertel mit ihrem Auto anfährt und dann aus Angst vom Tatort flieht. Das Kind kommt unverletzt davon, jedoch wird aus einem unglücklichen Missverständnis heraus sein Vater getötet, als er die flüchtende Fahrerin auf seinem Motorrad verfolgte. Die von Gewissensbissen geplagte Frau sucht heimlich die ahnungslose Ehefrau des Verstorbenen auf, stellt sie als Dienstmädchen ein und lässt sie zusammen mit dem Kind bei sich zu Hause wohnen. Die beeindruckende Entwicklung der Beziehung zwischen den beiden Frauen und die spannende Verzögerung der unausweichlichen Enthüllung der Wahrheit ergänzt das Motiv des Zusammenlebens der muslimischen Heldin mit ihrem distanzierten Ehemann und den politischen Kontext der Situation im Sudan, der auf ein nationales Referendum über die Autonomie seines Südteils zusteuert. Der Film arbeitet gewissenhaft und komplex mit einer Vielzahl von Motiven und Charakteren und integriert auf verschiedenen Ebenen Themen wie Schuld und Erlösung, Lügen und Misstrauen, den Wandel von rassistischen Vorurteilen zu warmer Freundschaft oder die Prioritätensetzung bei wichtigen Lebensentscheidungen.

Erhöhte Action-Geschichte mit viel Ironie, die sicherlich keine Freude für Anhänger von realistischen zeitgenössischen Aussagen und historisch akkuraten Informationen bringt, könnte aber Fans von blutigen B-Movie-Schuldvergnügen-Unterhaltung erfreuen, die ihren Ursprung in Western und "David gegen Goliath" Geschichten im Stil von Rambo, John Wick oder 96 Hours hat und an einigen Stellen an Quentin Tarantinos Inglourious Basterds oder Tommy Wirkolas Dead Snow erinnert. Liebhaber schwarzen Humors, skandinavischer Landschaften und weiter Tundra oder amateurhafter Chirurgie kommen hier auf ihre Kosten. Allerdings ist es nichts für Zuschauer, die den Anblick von Menschen (und Pferden), die in Stücke gerissen werden, während sie versuchen, ein Minenfeld zu überqueren, nicht ertragen können. Die verschiedenen Variationen des Mähens von Nazi-Soldaten sind oft ziemlich einfallsreich (haben Sie jemals einen Helden gesehen, der Feinde unter der Oberfläche eines Sees tötet und Luft aus ihren durchgeschnittenen Kehlen einatmet, um nicht sofort auftauchen zu müssen?) und die beiden Hauptprotagonisten, die auf gegenüberliegenden Seiten der Barrikade stehen, sind nahezu perfekt und faszinierend, so dass man praktisch den Blick nicht abwenden kann. Der Ton des Films ist anfangs seriös, verliert jedoch mit zunehmender Zeit und sich steigerndem Absurditätsgrad jeder Szene immer schneller an Ernsthaftigkeit. Filmemacher Jalmari Helander hat nicht nur als Schöpfer interessanter Ideen, sondern zum ersten Mal auch als solider Erzähler, Drehbuchautor und Regisseur überzeugt, und in seiner Darstellung hat die raue Geschichte des Goldgräbers und Kämpfers Aatami ein eigenes Gesicht und dank der auffälligen Stilisierung und Besetzung auch ein leicht einprägsames.

Eine beeindruckende Wiederbelebung des klassischen Musicals, die im Vergleich zu ihrem Vorbild den Vorteil einer erstklassigen modernen Inszenierung hat und daher eine größere Anziehungskraft und insgesamt ein flotteres Tempo besitzt. Hervorragende Schauspieler, phänomenale Tanz- und Gesangseinlagen sowie Lieder nicht nur über Liebe und Lebensfreude, sondern auch über Diskriminierung und Gewalt haben selbst nach Jahren nichts an Kraft und Aktualität verloren. Darüber hinaus erklingen sie in einem großartigen Film, der den Qualitäten seines Vorgängers in nichts nachsteht und das Thema rassischer Konflikte als bis heute relevantes gesellschaftliches Thema neu aufgreift.

Není čas zemřít povyšují navzdory několika nedostatkům do kategorie nezapomenutelných.>

Der Höhepunkt des Films ist das unerwartete Verständnis, das zwischen einem mittelalterlichen Theaterregisseur und einer jungen privaten Fahrerin entsteht, die möglicherweise seine Tochter sein könnte und ihm von der Theatergesellschaft gegen seinen Willen zugeteilt wurde. Dank des allmählich aufgebauten Vertrauens können sie einander ihre Traumata und Geheimnisse anvertrauen, die Teil einer komplexen und vielschichtigen Geschichte sind, die unter anderem von Partnerschafts- und Liebesbeziehungen und dem Schmerz des Verlustes eines geliebten Menschen handelt. Dies geschieht vor dem Hintergrund der Theaterproben von Onkel Wanja von Tschechow in einer mehrsprachigen Version (einschließlich südkoreanischer Gebärdensprache), wobei Dialoge aus diesem Stück oft auch in anderen Teilen des Films präsent sind. Obwohl die Handlung erst nach mehr als 40 Minuten Fahrt richtig Fahrt aufnimmt (wenn endlich der Vorspann kommt), stellt die Länge des Films überhaupt keine Hürde dar. Der Film ist zudem vom Anfang bis zum Ende großartig geschrieben und inszeniert und zeichnet sich nicht nur durch den Fokus auf formelle distinguierte Kommunikation zwischen den Charakteren aus, sondern auch durch eine Reihe bemerkenswerter einfallsreicher Szenen und die Einbindung mehrerer faszinierender Traum-Mikrogeschichten.

Abhandlung über den Prolog, die zwölf Kapitel und den Epilog aus dem Leben der fast dreißigjährigen Julie, die ihren Platz im Leben sucht und versucht, sich selbst, ihre Emotionen und ihre Beziehungen zu Partnern zu bewältigen. Ein relativ erfolgreicher Versuch einer Generationserzählung, der gleichzeitig versucht, einige andere ernsthafte Themen anzusprechen, verzaubert neben den natürlichen schauspielerischen Leistungen der drei Hauptfiguren vor allem durch eine elektrisierende Regie und sympathischen Humor. Die clever geschriebenen Dialoge riechen an einigen Stellen leicht nach Überheblichkeit und die Erzählung zerfällt nicht nur aufgrund der Aufteilung in Kapitel, sondern auch aufgrund des zu starken Springens zwischen den verschiedenen Motiven, besonders gegen Ende, etwas. Der Film ist daher am stärksten in einigen sehr beeindruckenden und markanten Details und Passagen, wie zum Beispiel der mit der unschuldigen Anziehungskraft am Rande der Untreue bei der Party, der mit dem Erleben eines Tages mit der Liebe des Lebens in einer vorübergehend suspendierten Stadt oder der mit dem Schwammrausch. Die beabsichtigte Rührung zum Schluss findet zwar nicht statt und die zwei Stunden sind aufgrund des allmählich nachlassenden Tempos vielleicht etwas zu lang, dennoch handelt es sich um eine sehr angenehme und nützliche Zeit.

Ein äußerst elegant inszenierter Film, der die romantischen und gegenseitig verbundenen Schicksale von drei Pariser Dreißigjährigen untersucht. Der erfahrene Filmemacher Jacques Audiard beweist, dass er immer noch am Puls der Zeit und der modernen Kinematografie ist und ein Gespür für das Schreiben intelligenter und gleichzeitig vollkommen glaubhafter Dialoge sowie für den Aufbau überzeugender und durchdachter Charaktere hat. Gleichzeitig führt er die Schauspieler hervorragend und arbeitet ausgezeichnet mit der Musik. Auch die schwarz-weiße Kamera ist großartig und bietet nicht nur äußerst ästhetisch aufgenommene Erotik. Einige der angesprochenen Themen wirken ein wenig überflüssig, dennoch funktioniert der Film als Ganzes außergewöhnlich gut.

Außergewöhnlich reife und festgehaltene Debüt, der talentierte Panah Panahi scheint seinem Vater nicht zu verleugnen. Im Grunde handelt es sich um ein Drama über den Abschied einer Familie von ihrem erwachsenen Sohn, der sein Heimatland verlässt. Trotz der Ernsthaftigkeit der Situation fällt der Film eher in das Genre einer sehr unterhaltsamen und unterhaltsamen komödiantischen Road-Movie, in der Humor und Bitterkeit perfekt ausbalanciert sind. Der Film sprüht von der ersten Szene an vor Regieideen, gut platzierten humorvollen (und ab und zu traurigen) Situationen und witziger verbalen Interaktion der einzelnen Familienmitglieder - neben dem nachdenklichen introvertierten älteren Sohn fährt auch der extrovertierte und außerordentlich energiegeladene jüngere Sohn (eine der besten schauspielerischen Leistungen eines Kindes, die ich je gesehen habe) im gemieteten Auto mit, der Vater mit gebrochenem Bein, die fürsorgliche Mutter, die versprochen hat, nicht zu weinen, und der kranke Hund. Enge Innenräume des Fahrzeugs wechseln sich ab mit sorgfältig komponierten und aus der Ferne aufgenommenen Aufnahmen weitläufiger Außenräume. Die Kamera ist allgemein wunderschön. Schönheitsfehler - der Witz verfehlt gelegentlich sein Ziel (die ständige Verspottung des älteren Sohnes ist nicht besonders lustig, obwohl es wohl sollte), der nicht sehr klare Kontext des Grundes für die Reise des Sohnes mindert die Emotionen etwas und das Ende ist unnötig berechnend sentimental. Ansonsten aber eine riesige Überraschung und extreme Neugier, was dieser Regisseur als nächstes drehen wird.

Der Höhepunkt des bosnisch-serbischen Konflikts Mitte der 90er Jahre, dargestellt aus der Sicht einer bosnischen Übersetzerin, die versucht, ihre Familie während der Tausende von Evakuierungen zu schützen, während sie kontinuierlich die Kommunikation zwischen den beiden Parteien und den UN-Kommandanten übersetzt. Ihre Geschichte und Darstellung der gesamten Ereignisse ist von Anfang bis Ende stark spannend und unglaublich fesselnd, erzählt in einem konsequent fließenden Tempo und neben einer festen Regie und einem ausgearbeiteten Drehbuch (mit einigen markanten Zufällen, die zur höheren Dramatik beitragen) vor allem durch die beeindruckende und absolut glaubwürdige Leistung der Hauptdarstellerin. Das grausame Finale ist noch erschütternder durch eine emotionale Erpressungsszene, die den Film zu einer äußerst belastenden Angelegenheit macht, was jedoch den tatsächlichen Ereignissen, von denen der Film inspiriert wurde, effektiv entspricht.