NinadeL

Ein lächerlicher, billiger Dokumentarfilm, ein weiterer in einer Reihe von Dokumentarfilmen, die von Grund auf neu produziert werden, die gekauft werden, um verschiedene Sender dazu zu bringen, ihre Anzahl an Dokumentarfilmen abzuhaken, die noch dazu schlecht synchronisiert sind. Ein unerträgliches Gewirr von Unsinn, Irrtümern, Annahmen, Lügen und natürlich faktografischen Fehlern. Am schlimmsten ist es, wenn eine beschwingte Aussage durch eine andere widerlegt wird, obwohl beide aus der Luft gegriffen sind. Hier hapert es auch an der Abfolge. Es ist nicht möglich, Datenereignisse mit Filmmaterial aus plus minus zwanzig Jahren zu illustrieren und gleichzeitig zu behaupten, dass eine Produktion auf eine andere reagierte, wenn diese fünf Jahre früher entstanden ist... Und so dreht es sich immer im Kreis. Eine Stunde Martyrium.

Ein billiger Dokumentarfilm, der natürlich voller Unsinn, Ungenauigkeiten und faktografischer Fehler ist. Es ist einfacher, die Nachbarin sprechen zu lassen und das Gefühl zu haben, dass der Zuschauer dabei war, als die Kamera in ihr Bett fuhr. Zeitverschwendung. Jeder Film, in dem die Dietrich auch nur einen Cameo-Auftritt hatte, sagt mehr darüber aus, wer sie war.

Eine Folge aus der Serie Face to Face. Chanel vs Schiaparelli, le Noir et le Rose. Die Geschichte zweier Vertreterinnen der Haute Couture, die in den 1920er und 1930er Jahren miteinander "konkurrierten", doch nach dem Krieg war es Chanel, die nach einer langen Pause 1954 ihr Geschäft wieder aufnahm, während Schiaparelli sich zur gleichen Zeit zurückzog. Es scheint also, dass Schiaparelli vergessen wurde, aber Chanel war diejenige, die während des Krieges kollaborierte, während Schiaparelli lediglich in Saus und Braus lebte... Es ist nie einfach, das Schicksal prominenter Persönlichkeiten der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu bewerten, aber es ist auch nicht gut, die Modetrends der Vorkriegszeit auf das kleine Schwarze und das Parfüm Chanel No. 5 zu reduzieren. Die Pioniergeneration, zu der sowohl Chanei als auch Schiaparelli gehörten, der es gelang, die Frauen von der unbequemen Mode der ersten Hälfte des Jahrhunderts zu befreien, indem sie komplexe Konstruktionen, Polsterungen und andere Elemente, die die natürliche Bewegungsfreiheit einschränkten, aus ihrer Garderobe entfernte, fühlte sich unweigerlich durch die Rückkehr der weiten, verstärkten Röcke der Nachkriegszeit und den ganzen Rüschen-Unsinn des New Look von Dior betrogen. Zum Glück leben wir nach dem turbulenten 20. Jahrhundert in einer modisch so lockeren Zeit, dass wir uns von allem inspirieren lassen und unseren eigenen Stil herausbilden können. Wir können uns in Chanel-Kostümen verstecken und uns mit Perlen zuschütten, genauso wie wir uns in Schiaparelli-Strickwaren aus der Saison 1927 hüllen können. Ihre Pullover voller interessanter optischer Tricks in geometrischen Formen mit Hilfe einiger weniger Farben haben nach wie vor ihren Reiz, und ihre Variationen sind immer wieder zu sehen. Was folgte, war eine Begegnung mit der Avantgarde und dem Filmkostüm, und jedes Kapitel ist sehr interessant.

The Door in the Floor - Die Tür der Versuchung ist eine fantastische und vor allem unverwechselbare Adaption von Irvings Roman "Witwe für ein Jahr" (1998). Der Roman ist als Dreiakter angelegt, und Tod Williams wählte für seinen Film nur den ersten Akt aus und verlegte ihn vom vorgeschriebenen Jahr 1958 in die Gegenwart. Davon war Irving begeistert. Das Ergebnis ist ein schönes Werk über das Leben, wie es ist und wie es sein kann. Das reifere Ehepaar wird gespielt von Jeff Bridges und Kim Basinger, die beide unheimlich gut sind, der Teenager, der in ihr Leben tritt, von Jon Foster und die kleine Tochter von der bezaubernden Elle Fanning. Jeder Film, der auf Irving basiert, ist ein Erlebnis, aber Williams' Projekt spielt am besten mit dem schmalen Grat zwischen Komödie und Drama. Es gibt Szenen, die wie aus einer Groteske geschnitten sind, ohne das anspruchsvolle Melodrama zu stören. Das sieht man in nicht vielen Filmen mit solcher Leichtigkeit.

Ich finde es wirklich gut, dass Magnusek nach und nach dazulernt. Der Mann, dessen Debüt Pamětnice absurd negative Emotionen weckte, hat noch ein bisschen mehr geschafft. Magnuseks Know-how, das den Mangel an Ausbildung in diesem Bereich reichlich kompensiert, besteht in der Arbeit mit tschechischen Schauspielern aller Generationen zusammen, die seine Dreharbeiten genießen. Und im Gegenzug gibt er ihnen Gelegenheiten, die viel bedeuten können, sei es eine letzte Erfahrung vor der Kamera oder eine Ermutigung, eine weitere Arbeit in Angriff zu nehmen. Magnusek sammelte ein Jahrzehnt lang Erfahrungen als Produzent, Drehbuchautor, Schauspieler und Regisseur. Er versuchte, eigene Filme zu drehen, spielte in professionellen Filmen verschiedener Qualität mit und hat vor nichts Angst. Wenn jeder Amateur, der blind in seinen ersten Spielfilm stolpert, all das könnte, gäbe es nichts zu beklagen. Natürlich ist es nie ideal, wenn jemand so sehr von sich selbst überzeugt ist, dass er alle wichtigen Arbeiten an einem Film selbst erledigt und außerdem noch vor der Kamera mitwirkt, aber Magnusek lernt nach und nach und die Ergebnisse werden mit jedem Projekt deutlicher sichtbar. Boys from the Mountains ist ein Geschenk für Dejdar und Labus, und auch wenn es noch nicht ganz perfekt ist, so ist es doch kein Reinfall. Denn so wie Dejdar und Lábus alles spielen können, wenn sie den Platz dazu haben, versteht es Magnusek, auch die kleinsten Rollen mit nicht minder guten Schauspielern besetzen. Daher sind einige der Problemchen, die es hin und wieder gibt, wirklich nicht schlimm.

Eine zarte Anime-Serie, die das gleichnamige Manga adaptiert, bietet ein außergewöhnliches Zuschauererlebnis. Bisher habe ich die ersten 13 Bände der Abenteuer von Chise Hatori gelesen und mich erstaunlich schnell daran gewöhnt, von rechts nach links zu lesen. Ich habe es genossen, immer wieder in den sicheren Safe Space zurückzukehren, den mir die einzelnen Kapitel boten. Vor allem die in der ersten Staffel, also in den ersten neun Büchern. Der Anime umfasst die ersten 45 Kapitel. Die Emotionen, die durch die unterschiedlich gestalteten Panels hervorgerufen werden, sind für jemanden, der lange Zeit nur Fachbücher und klassische Comics gelesen hat, einfach nur erfrischend. Ich bin schon lange auf der Suche nach einer Manga-Reihe, die mir den Lockdown angenehmer machen würde, aber bisher gibt es keine, die mit Chise mithalten könnte. Vielleicht nur eine entfernte Erinnerung an Utena. The Ancient Magus’ Bride ist eine reizvolle Mischung aus einem Roman mit einer jugendlichen Heldin, moderne Fantasy, die in London und an vielen magischen Orten spielt, wo man vielen faszinierenden Kreaturen begegnet und Kora Yamazakis Begeisterung für Mythen und Legenden der Britischen Inseln sowie für kleinere zeitgenössische Realien, die sich von denen in Japan unterscheiden, folgt. Begleitet wird das Manga von Tagebüchern der Autorin aus der Entstehungszeit, Minigeschichten ihrer Lieblingscharaktere und Skizzen von verschiedenen Umgebungen und Details. Dem Anime hingegen gelingt es sehr gut, den vorgegebenen Stoff zu respektieren und ihn mit tollen Farben, realistisch dargestellten Umgebungen und klassisch gezeichneten Figuren, die in spannungsgeladenen Szenen zu Cartoons werden, zu ergänzen. Zuerst war ich mir nicht sicher, ob es mir nicht etwas ausmachen würde, die beiden Formen zu kombinieren, aber jede hat ihre besonderen Vorteile. Außerdem ist es großartig, dass man zwischen der japanischen und der englischen Synchronisation wählen kann, da sie die Atmosphäre jeweils anders einfangen.

Eine niedliche Kurzkomödie mit Truss Van Aalten aus den Niederlanden, einer großen Komödiantin, die Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre im Weimarer Film erfolgreich war. Sie trug ihr Haar wie Colleen Moore oder Louise Brooks, hatte Beine wie ein Reh, und man musste lachen, wenn sie ins Bild kam. Erst recht, wenn Robert Eckert ihr zuzwinkerte und Theo Lingen Sportunterricht verlangte. Dieses Bonbon hat Cinefest im Rahmen des vergangenen Covid-Jahrgangs ins Programm aufgenommen.

Eine Einführung in ein weiteres Eintagsfliegenphänomen der zweiten Hälfte der 1960er Jahre. Dennoch fand die Idee Anklang, und schon bald sollten ähnlich konzipierte Filme wie Let Him Face the Music oder Eugene Among Us erscheinen.

Einer dieser schweren tschechoslowakischen Filme aus den 1980er Jahren. Die überwiegend slowakische Besetzung wird durch Adamovská und Chýlková vervollständigt, aber auch der ungarische Schauspieler György Cserhalmi (Mephisto, Hanussen, Želary) hat eine interessante Rolle. Die Stärke von Trančíks Film, in dem der hervorragende Maroš Kramár die Hauptrolle spielt, liegt in der realistischen Darstellung einer unangenehmen Situation, in der ein junger Arzt seinen Beruf verliert und Loskauf für sein Vergehen sucht. Es bleibt die Frage offen, was wichtiger ist: dem Nächsten zu helfen oder sich selbst in den Vordergrund zu stellen.

Das Konzept von Neobyčejné životy war und ist nicht wirklich ehrgeizig, wir treffen einfach die Persönlichkeiten unseres öffentlichen Raums. Aber jemandem wie Hana Maciuchová nahezukommen ist immer angenehm. Wenn wir ihr Werk studieren wollen, müssen wir freilich andere Quellen wählen.